Super 8No 9 abril 15

Contenido En portada: Iron Man

El cine también se escucha: Alan Menken 2

Del papel a la pantalla: Iron Man 6

Tesoros fílmicos: Up 9

La mente maestra: John Lasseter 12

Maestros del terror: El espinazo del diablo 16

Top Five: Los pedofilos en el cine 28

El remake: Superman 19

Había una vez: La historia de Pixar 24

Super 8 Número 9

Editor: Azucena Mecalco

Redactores: Evelin Montiel, @amaury1984

Arte y Diseño: Evelin Montiel, Azucena Mecalco

Diseño Web: Evelin Montiel

México Distrito Federal 15 de abril de 2013

EditorialHablar de cine para niños es entrar en controver-sia. Existen miles de películas clasificadas bajo este género. Sin embargo, ¿qué es realmente un producto para niños? Hasta hace algún tiempo se vivía bajo el estereotipo de que todo aquello que usara dibujos era para niños. Así, los padres de familia permitían sin reserva que sus hijos disfrutaran de series repletas de sujetos desan-grándose por cada poro de la piel sólo porque eran caricaturas. Cuando finalmente cayeron en la cuenta de que aquello no podía estar dirigido al público infantil era demasiado tarde, pues la mayoría de los productores se avocaban hacia esa línea argumental al ver que era la más fructífe-ra. Con la revolución del cine animado 2D y su paso al 3D, quizá fue posible vencer este prejui-cio brindar un nuevo campo de exploración de argumentos e historias que disfrutan por igual ni-ños y adultos. Sin embargo, la problemática real es que los niños son subestimados. En muchas ocasiones, al crear productos dirigidos a este pú-blico se piensa erróneamente que para ser niño se debe ser: inocente, puro y porqué no decirlo, tonto. Mas todos aquellos que hayan sido niños alguna vez y que para variar lo recuerden deben saber perfectamente que los niños simplemente son personas con menos experiencia y quizá, en algunos casos, con mayor capacidad de asombro.

El cine también se escucha

ALAN MENKEN LA MÚSICA QUE RESUCITÓ A DISNEY

Las películas de los estudios Dis-ney se caracterizaron, por lo menos hasta la década de los 90, por contar no sólo con dibujos de gran calidad y un colorido impresionante; sino también por poseer una musicaliza-ción que se enraizó a la memoria de los niños… y no tan niños que dis-frutaban de sus filmes.

Debido a que las películas animadas de Disney son prácticamente musi-cales, las bandas sonoras resultan de una trascendencia enorme en la trama. Cada personaje, cada cambio de escenario cuenta con su propia canción que muestra la personali-dad, el ambiente y otros detalles que hacen que el público se mezcle con la trama. Así, los productores se han preocupado por atraer mu-sicalizadores de gran calidad, capa-ces de desentrañar con una melodía todo el universo de un personaje.

Dentro de esas mentes brillantes que se dedicaron a crear cancio-nes sosas, alegres y pegajosas que los fanáticos, e incluso aquellos a los que no les gustaban las pelícu-las, recuerdan hasta el día de hoy, se encuentra nada menos que Alan Menken, compositor neoyorkino nacido en 1949. Como es común, Menken se inició en la vida musi-cal desde muy joven con su interés por el piano y el violín. Cuenta con una extensa trayectoria, un sin fin de nominaciones por sus trabajos y nada menos que ocho premios Ós-car.

Aunque Menken ha dedicado su vida a la música, y ya a temprana edad se había dado a conocer en E.U.A como compositor de Broad-way, sus trabajos se dieron a cono-cer mundialmente a través su par-ticipación con los Estudios Disney. Este compositor, a lado de Howard

Ashman, afamado letrista, es uno de los responsables del resurgi-miento de las películas de Disney a partir de 1989.

Su primera colaboración de Menken fue en la película La sirenita (1989). Realizada a lado de Howard Ash-man, la banda sonora de esta pelícu-la recibió un gran reconocimiento por parte de la crítica y la Acade-mia, logrando obtener dos Óscares: Mejor Banda Sonora y Mejor canción original. Así mismo obtuvo el Globo de oro por Mejor Banda Sonora. Fue precisamente este sound track el que marcó los lineamientos que re-girían las musicalizaciones de Dis-ney por más de una década.

Dos años después, La Bella y la Bestia se sumaría a los éxitos de Menken. El sound track de este tra-bajo contaba no sólo con las clásicas canciones situacionales, en las que

Por Azucena Mecalco

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ALAN MENKEN LA MÚSICA QUE RESUCITÓ A DISNEY

los personajes expresan su sentir; sino también con una serie de intro-misiones orquestales y coros ope-rísticos que destacaban por encima de las producciones anteriores. La calidad de este trabajo musical fue tal, que incluso The New York Ti-mes lo calificó como “el mejor mu-sical de Broadway”. Desde luego se hizo acreedora a los Óscares de Me-jor Música y Mejor Canción Original.

Al hablar de sus gustos musicales, su trabajo y las influencias con las que cuenta al componer, Menken ha declarado que si bien gusta de es-cuchar algo que vaya con su estado de ánimo en un momento determi-nado “desde algo como Beethoven, a los Beatles o los Rolling Stones” al momento de componer prefiere re-legar sus gustos personales y no de-jarse influenciar por ningún tipo de música, puesto que la composición se trata precisamente de dejar que

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surja la magia por sí sola para cada melodía.

En 1992, Menken compuso la músi-ca para Aladdín, ese mismo año co-laboró componiendo la música de Lincoln, documental dramatizado, y la banda sonora de La pandilla, mu-sical protagonizado por Christian Bale. Desde luego su trabajo para Aladdín obtuvo los mismo resulta-dos que sus dos trabajos anteriores con Disney, y esta situación se re-petiría más tarde con el sound track de Pocahontas (1995). Sin embar-go, pese a recibir los galardones, las composiciones para Pocahontas fueron bastante criticadas, incluso se habló de “el inicio del fin” de la carrera del compositor.

El trabajo musical de Menken es fácil de distinguir. Recurre general-mente a las composiciones corales, además de introducir distintos rit-mos desde la música tropical hasta la ópera.

En entrevista para El mundo, Menken declaró que lo más impor-tante para él es no planificar dema-siado, por el contrario busca siem-pre escribir y vivir “desde las tripas y el corazón, no con el cerebro. El cerebro me levanta por la mañana y me dice dónde ir. Pero es algo en mi interior lo que me dice ‹esta es la música que necesitamos aquí, justo esta emoción que sientes ahora›”.

En 1996, le tocó el turno al sound track de El Jorobado de Notre Dame,

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este trabajo le valió la reivindica-ción con el público y la crítica; mas por primera vez, a pesar de ser no-minado no logró obtener el premio por Mejor Banda Sonora.

Un año después compuso la música de Hércules, con la que no obtuvo ni por asomo el éxito de sus anteriores trabajos. Tras el relativo fracaso de Hércules, Menken regresó a Broad-way para poner en escena los musi-cales escritos para Disney.

Aunque es cierto que sus trabajos con Disney son quizá los más cono-cidos, ha participado en otros pro-yectos como Padre de familia, Plaza Sésamo, Rocky V (1990), o Capitán America (2011).

Menken asegura que el éxito de sus composiciones, que devolviron la vida a los Estudios Disney en dos ocasiones, se debe a la química en-tre él y los trabajos que realizan los estudios.

Tardó ocho años en regresar al mundo del cine, desde luego lo hizo otra vez con los Estudios Disney, pero las composiciones carentes de inspiración que mostraba en cintas como Vacas Vaqueras (2004), hablaban no sólo de su decadencia musical sino también de la falta de creatividad de los estudios, que comenzaban a entrar en una crisis no vista des-de los ochenta. Sin embargo, tan-to Menken como Disney volvieron con Encantada (2007).

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El hombre de hierro está de vuelta

IRON MAN 3Por Evelin Montiel

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El hombre de hierro está de vuelta

Luego de ello, Tony es obligado a construir una poderosa arma con fines terroristas, es así como decide crear su propio método de escape al construir una especie de armadura que funcione con la energía produ-cida por el electroimán.

Después de su aparatoso escape, regresa a casa con la única idea en mente de mejorar su armadura para combatir el mal.

Tras el estreno de Iron man: El hom-bre de hierro, en 2008, cientos de fanáticos la recibieron de buena manera, aplaudiendo la labor de Jon Favreau en la dirección. Sin embar-go el trabajo de dirección, edición y efectos especiales no fueron los únicos causantes de la buena re-cepción de la cinta, pues gran parte del éxito se debió a la actuación de Robert Downey Jr. en el papel prin-cipal.

La elección de Favreau para que Robert intepretara el papel princi-pal se debió a que él creyó que sería perfecto, pues la vida del person-aje encajaba adecuadamente con el pasado del actor, el cual estaba lleno de tropiezos profesionales y personales debido a sus adicciones.

Egocéntrico, irritable, ácido, insoportable, presumido, mu-jeriego y por su puesto, mil-

lonario y guapo, son algunas de las características que describen a uno de los personajes concebidos por Stan Lee para Marvel Comics.

Tony Stark se ha convertido en uno de los súper héroes con mayor pop-ularidad en los últimos años y todo eso se lo debe a Paramount Pic-tures y a Marvel Studios, quienes luego de explotar ya a varios de sus personajes de comic, decidieron darle la oportunidad en la pantalla grande, ¡y vaya que fue una atinada decisión!

En esta primera cinta del personaje, con actores reales, se narró el origen de Iron Man; luego de que Tony Stark, un ingeniero multimillonario líder de la industria armamentista, es secuestrado por un grupo ter-rorista de medio oriente. Durante el secuestro Tony resulta herido y para salvarle la vida, uno de los científicos, también secuestrado por el grupo armado, construye un electroimán para evitar que los trozos de metal, que fue imposible extraer de su cuerpo, lleguen a su corazón.

Del papel a la pantalla

Favreau sabía que el personaje im-plicaba una gran interpretación, pues a pesar de ser un tipo excén-trico, divertido, galán e inteligente, también ocultaba hacía el público su miedo a la soledad y el fracaso.Fue entonces que el trabajo inició conformando un gran equipo de ac-tores entre los que se encontraron Gwyneth Paltrow, Terrence How-ard y Jeff Bridges.

Cuando finalmente la cinta se es-trenó, logró recaudar poco más de 98 millones de dólares tan sólo en su primer fin de semana, colocándola entre las 15 películas que rompi-eron récord en taquilla durante sus primeros días de exhibición, sit-uación que dio paso a dos secuelas más de la historia.

La segunda parte fue estrenada en 2010, integrándose al elenco el ac-tor Mickey Rouge, como el nuevo villano de la historia; Scarlett Jo-hanson como la Viuda Negra y Samuel L. Jackson como el director de SHIELD. Con estos dos últimos personajes se introduce el inicio de Los Avengers, el equipo de súper hé-roes de Marvel en el cual participan personajes como Hulk, Green Ar-row, Capitán América, y Thor.

Así Iron Man 2 significó la ante-sala para reunir al equipo de Ven-gadores, cuya cinta se estrenó en 2012, impactando a todos con su gran uso del 3D y sobre todo de los efectos especiales.

En esta cinta, Iron Man logra una gran participación, en la cual re-

sulta ser el héroe de historia al en-cabezar al equipo en la misión para salvar a la tierra de la invasión de otro mundo.

Luego de este recorrido fílmico por la vida del hombre de hierro, no de-bería parecernos extraño que ahora sea uno de los personajes más pop-ulares entre el público (sobre todo infantil), quien ve en este súper hé-roe a una persona real, humorística, excéntrica y a veces un poco torpe, pero que al final termina dem-ostrando su gran corazón al elegir lo correcto.

A finales de este mes, podrá verse en las salas cinematográficas nue-vamente Iron Man, en su tercera entrega, que por cierto promete mucho, pues según el actor “se buscaron nuevos retos para el per-sonaje en la parte humana, dejando un poco atrás la historia en la que se alaba su heroísmo al vencer a los villanos”. También se adelantó que Pepper, (interpretada por Paltrow) la asistente y enamorada de Tony, tendrá una mayor participación en la que abandonará el rol de dam-isela en peligro para poder ayudar a combatir el mal.

Esta última entrega, representa la cuarta ocasión en que Downey in-terpreta al personaje en la pantalla grande, sin dejar atrás la segunda parte de Los Vengadores que se es-pera para el 2015, donde volverá a ponerse el traje de Iron Man, afian-zando así su posición como uno de los actores más cotizados hasta el momento.

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Up, la joya de la dupla Disney-Pixar

Por Evelin Montiel

En el año 2009, se anunció que el Festival Internacional de Cine de Cannes sería inaugu-

rado con una cinta animada de la casa Disney, intrigando a la crítica cinematográfica quien increpó la decisión. Sin embargo, sólo cin-co minutos de proyección inicial bastaron para dejar boquiabiertos a todos los asistentes y conmoverlos hasta las lágrimas.

Se trata de Up, una aventura de altura, cuya secuencia inicial narra la historia de amor de Carl y El-lie, quienes se conocen desde la infancia y se enamoran. Toda una vida es narrada en apenas 5 minutos, donde podem-os ver una b o d a ,

planes de vida, plenitud, madurez, vejez, enfermedad, muerte y final-mente soledad. Finalmente todos ovacionaron el filme, confirmando a la recién dupla Disney- Pixar como todo un éxito.

La historia animada, por demás conmove-

dora y llena de aventuras, por

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Tesorosfílmicos

p r i m -era vez tiene

como protagonista a al-guien de la tercera edad quien, luego de la muerte de su amada esposa, decide partir hacia las Cataratas del paraíso, lugar al que siempre quisi-eron viajar en su juventud, pero al que nunca pudieron ir. La aventura inicia en el momento en que Carl in-geniosamente comienza su viaje, y como vehículo no lleva más que su casa a modo de dirigible impulsado por cientos de globos de helio.

Animosamente Carl emprende el vi-aje en la tranquilidad de su casa y en la soledad y serenidad de las alturas, hasta que de pronto el ruido del tim-bre perturba su estadía y es el mo-mento en que se da cuenta que lleva a un polizón: el pequeño Russell, un guía explorador cuya torpeza para hacer casi todo es eclipsada por su optimismo y un corazón de oro.

Esta historia fue realizada por Pete Docter -también responsable de cintas como Toy Story, Wall-E y Monsters Inc-, y en el año de su es-

t re no m a r c ó

un hito en el desarrol-

lo de la ani-mación, pues

fue la primera en filmarse en su

totalidad en 3D. En este trabajo titáni-

co participaron cerca de 70 animadores en el

proceso de producción, mientras que un equipo de

aproximadamente 375 anima-dores hicieron su aporte creativo para el film. 

Y es que no fue nada fácil crear los escenarios exóticos de Su-damérica, así como sus personajes para los cuales se empleó la téc-nica del ‘simplismo’, que según el productor Jonas Rivera, fue creada para despojar de cierto detalle la animación sin hacer que pareciera ordinaria. “La animación por orde-nador permite reproducir detalles impresionantes que confieren un mayor realismo a las imágenes. Pero nosotros no deseábamos re-alizar una película realista, sino

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Premios Óscar de 2010, Up, se llevó dos estatuillas en la catego-ría de Mejor Película Animada y mejor tema musical, referente a la secuencia inicial que describi-mos anteriormente. A pesar de estar nominada en la categoría de mejor película al lado de Avatar y de The Hurt Locker, no obtuvo esta presea pero sí el gusto y los aplausos del público.

En las últimas producciones de Pixar, como Ratatouille y Wall-E, se ha hecho evidente un cam-bio que no expresa otra cosa que el deseo por imponer un tipo de animación versátil, que se ha ganado su espacio y respeto, así como historias que se han puesto al nivel de los mejores dramas, de la mejor acción y la mejor come-dia, logrando abarcar un público más amplio.

Tal el es caso de Toy Story, que fue creciendo y abarcando nue-vas temáticas de acuerdo a la

tangible. Deseábamos caricaturizar los personajes, aunque no de un modo exagerado, para que el públi-co pudiera identificarse con ellos”.

Y definitivamente lo consiguieron visual y narrativamente, a pesar de las dudas y los temores que sur-gieron en en el equipo de produc-ción por no superar lo obtenido con Wall-E, donde la temática ambien-tal fue un boom pero la narrativa no pareció agradarle tanto a los niños, terminando por convertirse en un grito de concientización hacia el público adulto.

Finalmente la apuesta por la histo-ria y su viejo protagonista resultó ganadora, y la taquilla disipó todos los temores al lograr una apertura de 74 millones de dólares tan solo en los Estados Unidos, superando lo hecho por la ganadora del Ós-car como Mejor Película Animada, Wall-E, en el año anterior.

De igual forma, en el la gala de los

edad de su público, que recordem-os, tardó más de 10 años en ver la conclusión de esta bella historia, y lo que inició como una cinta para niños terminó siendo para el públi-co joven y adulto.

Up no es una cinta que recorra el camino de un drama simple, ni se hunde en profundos debates argu-mentales. Por el contrario, entabla una relación con dos tipos de per-sonas que actualmente son los más vulnerables en una sociedad: los niños y los ancianos, que juntos demuestran que no importa la edad ni la adversidad para ir en busca de nuestros sueños.

Sin duda Up ya se encuentra entre los clásicos del género animado, y es capaz de hacernos reír y tam-bién llorar al lado de personajes tan entrañables como lo son Carl y su querido Russell.

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JOHN LASSETERANIMANDO FANTASÍAS

Toy Story es tal vez la película más conocida Pixar. Su historia y perso-najes marcaron a toda una genera-ción, situación que quedó al descu-bierto en las salas de cine en 2010, cuando tras 15 años de haberse es-trenado la primera película llegó a las pantallas la tercera entrega de las aventuras de los juguetes. Las salas, lejos de estar abarrotadas con niños, se llenaban de adultos de en-tre 19 y… bueno, no entraremos en detalles. No era para menos, la his-toria de Woody y sus amigos quedó grabada para siempre en la memo-ria de millones de personas alrede-dor del mundo, que esperaban por ver la conclusión de la saga.

Pero detrás de cada gran película existe un gran equipo técnico co-mandado, desde luego, por un gran director. En el caso de Toy Story ha-blamos de John Lasseter, cofunda-dor de los Estudios Pixar, animador, director y visionario.

Lasseter, fanático de los dibujos animados, fue el segundo alumno en ser aceptado en Cal Arts, en el programa nuevo de animación in-corporado a la institución. En esta escuela de arte, diseño y fotografía, creada por Walt Disney en 1961, impartían clases los colaboradores

Por Azucena Mecalco

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JOHN LASSETERANIMANDO FANTASÍAS

de Disney de los años 30, conoci-dos como Los Nueve Ancianos. Ahí compartía las aulas con artistas como Tim Burton, John Musker y Brad Bird.

Su decisión de incorporarse al mun-do de la animación se debió por una parte a su fanatismo y por otra a un libro de Bob Thomas: El arte de la animación, gracias al cual descubrió que incluso su hobby por los dibu-jos animados podía ser redituable. Mientras estudiaba consiguió tra-bajo de verano como barrendero en Disneyland, su empeño lo ayudó a ser promovido rápidamente a Ope-rador de El crucero de la jungla de Disneyland. Después de ese verano volvió a Cal Arts.

Durante su paso en esa escuela, obtuvo dos veces el premio de La Academia de Estudiantes por sus cortometrajes: Lady and the Lamp y Nitemare. Después de su gradua-ción en 1979, se incorporó de lleno a los Estudios Disney. Allí realizó colaboraciones para cintas como El zorro y el sabueso (1981).

En 1982 Disney lanzó una película vanguardista en la que empleaba la animación por computadora para añadir los efectos especiales: Tron. Luego de verla Lasseter, asociado

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gometraje de animación generado por computadora. Después de esta producción las dudas asaltaban al director, pues no había calibrado el impacto que generaba la cinta, hasta que al regresar de un viaje fa-miliar su hijo emocionado llamó su atención para que viera a un niño que llevaba un muñeco Woody, “en ese momento me di cuenta de cómo estas películas realmente tocan a la gente” aseguró Lasseter.

La aceptación de la cinta lo obligó a crear no una sino dos secuelas, en 1999 y 2010. Aunque la última de éstas fue dirigida por Lee Unkrich, la historia, producción ejecutiva y el equipo creativo estuvieron a car-go de Lasseter. Sin embargo, el éxi-to real de la película no se debía a la tecnología empleada para realizarla.

Si bien es cierto que la animación por computadora era el atractivo principal, lo que realmente capturó al público fue la solides de la historia

con el con el también animador de Disney Glen Keane, decidió lanzar su propio proyecto: Where the Wild Things Are, experimento de tan sólo 30 segundos de duración en el que combinaban la animación, la digitalización y los movimientos de cámara.

En 1983, Lasseter tuvo la oportuni-dad de conocer Lucasfilm, la pro-ductora creada por George Lucas en 1971. Al darse cuenta de todo el potencial que existía en el mundo de los ordenadores para mejorar la animación se incorporó al equipo.

Posteriormente se convir-tió en cofundador de

los Estudios Pixar en donde ha realizado sus más grandes trabajos. Sin duda su producción más famosa es Toy

Story (1995), que fue el primer lar-

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y la creación de personajes simpá-ticos y entrañables. El mismo direc-tor aseguró para diversos medios que no se podía crear una historia sólo con imágenes: “tiene que exis-tir una historia y personajes.” Y fue gracias a ello que la cinta logró recaudar más de 350 millones de dólares durante su exhibición.

Después de Toy Story, Lasseter di-rigió Bichos (1998) y Toy Story 2 (1999). Fue productor ejecutivo de cintas memorables como: Mons-ters Inc. (2001), El viaje de Chihiro (2002) de Hayao Miyazaki, Bus-cando a Nemo (2003), Los increíbles (2004) y El increíble castillo vaga-bundo (2005).

Su regresó como director fue en el año 2006, con otra cinta que se posicionó de manera inmediata en-tre los niños, y que al igual que Toy Story, marcó un hito en el mundo de las películas animadas, hacien-do surgir un sin fin de merchan-dising y recaudando millones en taquilla: Cars. Y aunque a historia era sencilla y divertida, no fue su-ficientemente buena como para dar material para la segunda parte, pro-ducida en 2011. A partir de ese mo-mento se ha dedicado casi por com-pleto a producir las cintas de Pixar entre las que se encuentran: Tinker Bell: el secreto de las alas (2011) o Ralph el demoledor (2012).

Los trabajos de Lasseter son sin duda un ejemplo importante de los progresos tecnológicos aplicados al mundo de la animación y una muestra de que basta con aplicar un poco de ingenio a lo que nos intere-sa para transformarlo en una forma productiva de creación.

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Maestros del terror

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Si por algo se conoce a Guiller-mo del Toro en el mundo del cine es por su trabajo en el gé-

nero de terror y el thriller. Luego de producciones como La invención de Cronos y Mimic, su trabajo se dio a conocer gracias a una estética y ambientación espectaculares en las que abundaban los ambientes té-tricos y fantásticos.

En 2001 el mexicano estrenó una cinta titulada El espinazo del diablo, producida por una casa productora española perteneciente a los her-manos de Pedro Almodóvar.

Esta cinta fue la primera que marcó ya un estilo definido de Del Toro, pues tanto el guión como la direcci-ón partieron de su ingeniosa mente.

Catalogada como una historia de suspenso, El espinazo del diablo, nos adentra al mundo infantil cor-rompido por el abandono, las som-bras y la crueldad de la injusticia. En el contexto de una guerra quienes más sufren son los niños, y eso pudo retratarlo a la perfec-ción Guillermo, quien a través de

la Guerra Civil Española relata la historia de Carlos, un niño de 12 años quien es abandonado en un orfanato por su tutor. Una vez den-tro, el pequeño empieza a descubrir que sus compañeros y maestros esconden un terrible secreto, éste es resguardado por los lúgubres y tenebrosos pasillos de la construc-ción, y atemoriza a todos quienes

intentan revelarlo. Aunado a esto, los niños y los adultos que asisten en las tareas del orfanato, son ase-diados por el ejército franquista y por un par de ladrones que están detrás de un tesoro de lingotes de oro que Carmen, una de las cuida-doras, oculta en el orfanato.

Interpretada en su totalidad por

actores de origen español, el mexicano logra repuntar el gé-nero de suspenso en el país vas-co, introduciéndose rápidamente dentro de la nueva ola de cine español que apunta a un público más joven.

Lejos de ser una historia de fan-tasmas y espectros, la cinta resul-

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ta perturbadora debido a las circun-stancias reales que deben vivir los niños dentro del orfanato, donde además de carencias, reciben el tra-to como si fuesen prisioneros ocul-tos de la situación de guerra.

Además de las situaciones infan-tiles, muestra los pesares de los adultos, quienes también son refu-giados de la guerra como Carmen, quien fue consumida por un amor no correspondido y además conde-nada a usar una pierna ortopédica para poder caminar; Jacinto, atra-pado por una crueldad de la que no quiere librarse; Casares, acobardado por su incapacidad de ayudar a los niños y defender todo aquello en lo que cree; y los niños que pierden su inocencia con cada día dentro del orfanato.

La labor de Guillermo dentro de este filme es sobresaliente, la con-strucción de los personajes así como de los escenarios resulta abrumadora de principio a fin. Ayu-dado por la fotografía de Guillermo Navarro y el historietista Carlos Giménez, consiguen definir una es-

tética clara, que pronto sería prefec-cionada en los trabajos posteriores del cineasta como lo son El laberinto del fauno, Hellboy y No le temas a la oscuridad.

FICHA TÉCNICA

Título original:El espinazo del diablo

Año: 2001Duración: 106 min.

País: EspañaDirector: Guillermo del Toro

Guión: Guillermo del Toro, Anto-nio Trashorras, David Muñoz

Música: Javier NavarreteFotografía: Guillermo Navarro

Reparto: Marisa Paredes, Eduardo Noriega, Federico Luppi, Fernando Tielve, Íñigo Garcés, Irene Visedo, Francisco Maestre, José Manuel Lo-

renzo, Junio ValverdeProductora: Coproducción España-

MéxicoGéneros: Terror. Thriller

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El remake

‘EL’ súper héroe del cine Por Evelin Montiel

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As í c o m o

Marvel tiene a sus personajes fa-voritos, que le han dejado una gran remu-neración en la taquilla, otras casas productoras como Warner tienen los suyos. Luego de ad-quirir los derechos del súper héroe más grande de todos: Superman, comenzó una era en la que los kriptonianos y los humanos serían algo que se mencionaría comúnmente tanto en cine como en televisión.

La era de Superman comenzó en 1973 cuan-do Warner adquirió los derechos cinematográ-ficos del personaje de la DC Comics. Fue enton-ces cuando se inició la búsqueda exhaustiva para encontrar un director lo suficientemente capaz para hacerle justicia al legendario kriptoniano en la pantalla grande. Entre los más mencionados se encontraba Steven Spiel-

berg, quien go-z a b a

d e u n a consider-able fama por la enton-ces reciente Tiburón; sin em-bargo al final se se-leccionó al también afamado Richard Donner, quien acababa de ganarse el recono-cimiento por el filme de terror, La profecía.

Ya con el director, hacía falta un guionista, así que recurrieron a nada más y nada menos que a Mario Puzo, responsable de la adaptación cinematográ-fica de El Padrino.

Por último, se encontraron con lo más difícil y fun-damental de la cinta: con-seguir un actor que pudiera personificar la grandeza, nobleza y fortaleza del súper héroe. Para lograrlo, acudieron a la ahora muy usual táctica de emplear a un actor poco reconocido por el público para lograr

una mayor expec-tativa; así fue como Chis-

topher Reeve obtuvo el pa-

pel para inter-pretar a Clark

Kent.

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F u e en 1978 cuando Superman se presentó en las salas de cine convenciendo a la crítica cinematográfica y aplaudiendo la actuación de Chistopher. Aquí se narraba la historia de la destruc-ción del planeta Krypton, y cómo es que un pequeño sobreviviente llega al planeta Tierra a un pequeño pueblo de Kansas llamado Small-ville. Ahí crece bajo el cobijo de la pareja Kent, quienes lo apoyan y protegen el secreto del origen de

Clark y sus súper poderes. Chistopher Reeve se convirtió en el ícono del hombre de acero luego de interpretarlo en cuatro cintas; sin embargo, después del accidente que lo dejó parapléjico la magia del ‘hombre de Kripton’ se apagó. Pasarían cerca de 19 años para que la serie fuera retomada en el cine. En 2006 regresó bajo el título de Superman Returns, esta vez bajo la dirección del Bryan Singer, quien había dirigido la primera y segun-da entrega de los X-Men.

Aquí se retoma la historia de la primera y segunda parte de la se-rie de Richard Dooner, partiendo del regreso de Clark a la Tierra, tras cinco años de ausencia. A su regreso se da cuenta que el mundo ha aprendido a vivir sin él, y que su amada Lois tiene una nueva pareja, por lo cual debe de ganarse nueva-mente un lugar entre la gente de la

Tierra y enfrentar a su en-emigo Lex Luthor, re-cién salido de la cárcel, y quien se ha apodera-do de la tecnología kriptoniana de la  For-taleza de la Soledad.

Sin embargo, el resulta-do no pareció agradarle al público ni a la crítica a pesar de la gran cam-paña publicitaria y de los grandes efectos es-peciales empleados. Warner, al no quedar complacida con el tra-bajo de Bryan Singer, decidió no continúar con la serie de la mano de este director. A pesar de que Singer había anunciado ya la continuación de Superman y que incluso estaba ya en proceso de preproducción, la casa productora no continúo con el proyecto.

Fue un año más tarde cuando se anunció ya la nueva secuela de la cinta, esta vez dirigida por Zack Snyder y pro-ducida nada más y nada menos que Chistopher Nolan, responsable de la última saga de otro súper héroe de DC Cómics: Batman, y por la cual se había llevado la ovación del público y la crítica.

El elenco se integra por Henry Cavill, Amy Adams, Russell Crowe, Diane Lane entre otros, quienes narrarán la his-toria de los primeros años de Clark Kent en el Daily Planet y cómo entra en conflicto con sus poderes que aún no termina de conocer.

El estreno está programado para junio de este año, sumándose una más a las cintas que han inmor-talizado al más grande de todos los súper héroes.

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“AL INFINITO Y MÁS ALLÁ”

“Los espíritus creativos siempre es-tán rodeados de creatividad”, es así como comienza la reseña de The Pixar treasures, libro de Tim Hau-ser, editado en 2010 por Disney Enterprises, Inc. con Pixar. Esta afirmación es mucho más que cier-ta cuando se trata de los estudios pioneros en la realización de largo-metrajes creados completamente en el ordenador.

Desde sus inicios, Pixar ha seguido lineamientos sencillos que han con-seguido posicionar a sus películas como las favoritas dentro del públi-co infantil, pues tal como lo señala Tim Hauser, sus historias, lejos de buscar tramas complicadas se en-focan en darle vida y una visión diferente a los objetos que parecen cotidianos.

Al inicio el reto era transformar las líneas y dibujos planos en persona-jes y cintas tridimensionales, es de-cir en otorgarle vida a las historias a través del arte de la animación. Aunque al principio esto parecía ser un sueño bastante lejano per-teneciente a un mundo como el de Volver al Futuro o La guerra de las

Galaxias, tres mentes brillantes de-cidieron llevarlo a la realidad. Así, Ed Catmull, Steve Jobs y John Las-seter comenzaron la revolución en la industria del cine.

Tras su paso por Cal Arts y su in-corporación a Walt Disney Pictu-res, John Lasseter comenzó a vis-lumbrar las carencias a las que se enfrentaba el cine de animación, pues parecía que comenzaba a es-tancarse en secuencias demasiado planas. Al mostrar sus propuestas y nuevas teorías acerca del uso de las computadoras, como apoyo para diseñar fondos en movimiento, fue despedido, ya que sus perspectivas resultaban demasiado vanguardis-tas para los Estudios Disney.

Por su parte Ed Catmull, que ya contaba con una trayectoria impre-sionante, realizando trabajos com-putarizados que se utilizarían como base para introducir el 3D en el cine, desarrollaba a lado de un gru-po de colaboradores en Lucasfilm, una serie técnicas nuevas para reali-zar secuencias y efectos imposibles de producir con la cámara. Fue él quien llevó a Lasseter a Lucasfilm,

Por Azucena Mecalco

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“AL INFINITO Y MÁS ALLÁ”

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en el logo de los Estudios Pixar. A este proyecto le siguió Red´s dream (1987), historia de un monociclo decidido a actuar en el circo. Siguiendo con la línea de los cortometrajes apareció Tin Toy (1988) la curiosa tragedia de un juguete que era atormenta-do por un bebé, con la que Lasse-ter y Bill Reeves ganaron el primer Óscar por Mejor corto animado de 1989.

Pronto Pixar comenzó a realizar comerciales de televisión, en los que aplicaban las técnicas usadas para los cortometrajes. Para ello re-quirieron aumentar la plantilla, por lo que Lasseter contrató a un par de animadores recién egresados de Cal Arts: Pete Docter y Andrew Stan-ton. En 1990 comenzaría la cola-boración de Pixar con los Estudios Disney, encabezados por Michael Eisner. Juntos desarrollaron el sis-tema Caps de color para animación en 2D, empleado en cintas como La Bella y la Bestia. Además Pixar crea-ría un software para diseñar imáge-nes y efectos especiales con calidad fotográfica.

Corre como el viento tiro al blanco

Mas con todo y los progresos, la compañía per-día más de lo que ganaba. Fue entonces que los Estudios Disney decidieron final-mente invertir en el proyecto que consolidaría a los Estudios Pixar como pio-neros en el mun-do de la anima-ción, el primer l a r g o m e t r a j e completamente producido por ordenador: Toy Story.

en donde desarrollaron juntos el primer proyecto para crear un lar-gometraje completamente compu-tarizado.

Así surgiría André, un persona-je creado únicamente con figuras geométricas. Mas tarde desarrolla-rían una computadora diseñada es-pecíficamente para crear gráficos y transformar imágenes de alta reso-lución a 3D. Sin embargo, no logra-ron conseguir apoyo de Lucas para financiar su proyecto. Lo mejor que pudieron hacer fue crear una divi-sión dentro de Lucasfilm para darle seguimiento a sus sueños animados, la división fue nombrada: Pixar.

Una afortunada visita de Steve Jobs, el multimillonario y cofundador de Apple Inc., salvó el sueño de Las-seter y Catmull, pues fue él quien decidió invertir 10 millones de dó-lares para poner en marcha el pro-yecto Pixar.

Para darse a conocer, o mejor dicho, para mostrarle al mundo qué era lo que pretendían hacer, en 1987 crea-ron Luxo Jr., la singular historia de una lamparita. Aunque era un cortometraje, fue el primer filme tridimensional que se animaba por computadora y que era nominado por la Academia. Fue precisamente la lámpara que prota-gonizaba el corto la que se convirtió

Después del éxito de Toy Story sur-gió un nuevo problema. Las ganan-cias, que superaban las expectativas de los inversores, le pertenecían en mayor proporción a Disney, quie-nes decidieron que querían exten-der el contrato de coproducción con Pixar. Desde luego Steve Jobs aceptó, con la única condición de que las ganancias por los trabajos se dividieran en partes iguales.

Con Bichos, tanto John Lasseter como Pixar comprobaron las capa-cidades de la animación por compu-tadora e incluso crearon secuen-cias que parecían imposi-bles de realizar por los detalles y el mo-vimien-to que r e q u e -rían las t o m a s plantea-das. Bi-chos, el

segundo largometraje de Pixar se convirtió en la película animada más taquillera de 1998. A esta exitosa película le siguió la secue-la de Toy Story (1999). Posteriormen-te Monsters Inc. (2001), la primera película que no dirigiría Lasseter sino: Pete Docter; Buscando a Nemo, dirigida por Andrew Stanton y Los increíbles, de Brad Bird, antiguo compañero de Lasseter en el Cal Arts, y el primer director externo invitado a participar en Pixar.

Pero mientras Pixar cosechaba éxi-tos, la animación 2D en Estados

unidos enfrentaba la peor crisis de su historia, y aunque ésta se debía principalmente al aspecto argumen-tal, muchas compañías optaron por creer que la fórmula del 3D era ya la única redituable. Aunado a ello, Pixar y Disney comenzaban a tener problemas puesto que éstos últimos pretendían vender a los personajes para realizar series televisivas, a lo cual Pixar no estaba dispuesto a ac-ceder.

Tras la baja de Michael Eisner en 2004 y la ascensión de Bob Igner como nuevo CEO de Disney, las co-sas mejoraron para Pixar, pues se creo un alianza entre ambas com-pañías, lo cual convirtió a Steve Jobs en el mayor accionista de Dis-ney y le otorgó un lugar en la Junta Directiva; John Lasseter ocupó el puesto de Oficial Creativo en Jefe y Ed Catmull tomó la presidencia de los estudios de animación de Pixar y Disney.

A partir de ese momento, la fór-mula que ha seguido Pixar es la de buscar siempre superar al trabajo anterior y gracias a ella han lle-vado a la pantalla películas como: Cars (2006) de John Lasseter, Ratatouille (2007) de Brad Bird, Wall–E (2008) de Andrew Stan-ton, o Toy Story 3 (2010) dirigida

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5. Mandragora ( 1997 República Checa ) Bienvenidos al retrato de la República Checa post caída de la Unión Soviética. En aquellos días de apuro económico entre las naciones que quedaron a su suerte, los checos se valieron del orgullo nacional para salir adelante: la belleza. La historia sigue la llegada de Marek a la gran Praha, en dónde las distracciones del mundo occidental han llegado para instalarse y exprimir a los checos. Después de ser asaltado Marek es abordado por un siniestro personaje que lo adentra en el mundo de la prostitución juvenil a manos de un hombre maduro. La historia, escrita con base al clásico espiral de decadencia del ser humano, lleva a Marek a trabajar para los hombres con los gustos más particulares y peligrosos, y a conocer a jóvenes, que como él, se vieron enredados con un grupo que no ve por ellos y que terminará por llevarlos a su trágico final. Es complicado acceder al cine Checo; es posible conseguir Mandragora con subtítulos al inglés a altos costos. Le dejo aquí las versión sin subtítulos para que practiquen su checo. www.youtube.com/watch?v=P2xsGUhD-4o

¡Ay los niños! Ese oscuro objeto del deseo de Disney y Hasbro. Ese pequeño y voraz humano con deseos magnánimos de crecer y sacar de quicio a quien lo trajo al mundo. Los verdaderos y únicos ojos de la inocencia que no juzga nada. Verdaderas y legítimas figuras de lo que esta bien en este mundo... ¡Hasta qué seducen! Mueven dentro del sacerdote, el maestro, el pariente lejano, el compañerito de la escuela... los mas siniestros deseos de intimidad. Andan por ahí como si nada en los parques y las escuelas tentando la cuestionable inmadurez mental de miembros de la sociedad.

Luego crecen... Y cuando más necesitan de sus padres, más profundo desearían éstos enterrarlos. Después llegan a esa encantadora etapa de la vida en que decirles niños es similar a mentarles la madre y en la que se cuestionan el tan amado yugo dictatorial de las figuras paternas: la maldita pubertad, en la que a todo le encuentran un trasfondo sexual. Hasta a las figuras paternas, sino pregúntele a Edipo o a alguno de los personajes de este Top 5.

Desambiguación: el género Coming of Age ha servido para una infinidad de películas que tratan temas tan diversos como la primera relación sexual, el descubrimiento de la sexualidad, la pedofilia, la sexualidad infantil, etc. Por lo que es probable que encuentre uno o más de los títulos aquí mencionados bajo este paraguas. Yo personalmente considero a las cinco dramas.

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TOP FIVE

Por @AMAURY1984

¿La otra cara de los niños?

4. Hard Candy ( 2008 USA )Jeff es un solitario fotógrafo que gusta de entablar conversaciones con jovencitas a través del la salas de chat en internet. Después de conversar por casi 3 semanas con la pequeña Hayley de 14 años; por fin consigue que la jovencita lo invite a conocerse en persona en un cafetería cercana a una Universidad. La joven quiere conocer más del trabajo de Jeff, así que él la lleva a su casa en donde tiene su estudios y unas cuantas fotos de modelos adolescentes. Todo es dirigido perfectamente por los deseos Hayley, sólo que estos no involucran que Jeff abuse de ella. Hard Candy tiene dos partes, los primeros y algo flojos 15 minutos y el resto del filme que dura un parpadeo. La sublime mancuerna que hacen el director David Slade y el escritor Brian Nelson hace que la tensión emocional en esta película nunca suelte a la audiencia. Además de que la escena de “la Operación” puede hacer que UNO se trague la lengua de la crudeza. Disponible de manera inmediata en DVD, accesible. O si contrató Netflix esta también al alcance de su

3. En tu ausencia ( 2008. España-Canadá )Escrita, dirigida, producida, actuada, musicalizada en parte, financiada y promocionada por Iván Noel. En tu ausencia cuenta la historia de Pablo un niño de 13 años que perdió a su padre tras un accidente. Viviendo en las a fueras de un pequeño pueblo español donde los amigos son pocos y los rumores grandes, despierta al sexo a través de la corta experiencia de su única amiga, un poco más grande que el. Cierto día un forastero de nombre Francisco llega al pueblo con el fin de encontrar a un viejo amigo de la milicia. Pablo crea con él un vínculo que será severamente juzgado por todos los miembros del pueblo, hasta por los más perversos. Esta cinta es un ejemplo de auténtico cine guerrillero manufacturada por un equipo de trabajo cuyos créditos no sobrepasan las 50 personas. La cinta tiene errores de continuidad lumínica bárbaros. Una edición que no puede presumir su excelencia y un nefasto zoom out que me hace recordar mis trabajos en la Universidad (niños NUNCA usen zoom in o zoom out si quieren que algún día los tomen en serio). Pero a pesar de los errores, de la horrorosa música y de no contar con actores de carrera (TOMA ESO Reygadas) la película se sostiene de pie.

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¿La otra cara de los niños?

2. Doubt ( La duda. 2008 USA )La versión llevada a la pantalla de la exitosa obra de teatro del mismo nombre. Cuando el sacerdote de la antigua escuela religiosa St. Nicholas se retira, la madre Aloysius Beauvier, estricta prefecta y líder de las religiosas, recibe al sacerdote Brendan Flynn de no muy buena gana, escéptica. El padre Flynn por su parte es religioso relativamente joven que convive con los niños del instituto y con sus padres, gusta además de salirse de la usual rutina religiosa. El mayor choque entre estos dos personajes se da cuando la joven e inexperimentada hermana James nota cierto acercamiento entre el padre Flynn y el primer niño de raza negra que entra a la escuela. Escrita y dirigida por el monstruo del teatro John Patrick Shanley, esta versión de su obra de teatro no es una adaptación, cobra vida por sí misma. La riqueza y carga emocional de los diálogos es su mayor tesoro. El discurso de la almohada es magnífico pero no mucho más que la conversación entre la madre Beauvier y la señora Miller. Hágase un favor y véala en inglés, por más que le disgusten los subtítulos.

1. L.I.E. ( Por el lado oscuro del camino. 2001 USA ) Nacida del mítico mundo del filme independiente gringo, esta es la ópera prima del talentoso Michael Cuesta. Es probable que el nombre no le suene. Tras sus inicios en el cine independiente y ser laureado en Sundance, Michael Cuesta conquistó las televisiones del mundo

en 2006 con la serie del amable vecino, tímido forense y asesino serial Dexter. La película de Cuesta toma su nombre de la Long Island Expressway. La gran autopista que lleva a los neoyorquinos a Long Beach o los Hamptons. En esta zona residencial de clase media viven Howie y su padre. Después de la muerte de la madre, la separación entre padre e hijo se acrecienta. Por lo que Howie busca figuras de identificación entre sus amigos. En esta zona también vive el querido veterano de guerra conocido como Big John, un hombre mayor que vive una doble vida. Las vidas de Howie y Big John se unirán tras una serie de eventos que dejan al joven de 15 años completamente solo. Es ahí cuando Big John tendrá que optar por ser la figura que Howie necesita o sucumbir ante sus deseos. De todas las películas de este top esta es la más fácil de conseguir en su librería/ tienda de discos favorita. Pero igual puede ser vista de manera gratuita en Youtube.

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