UD12. Renacimiento italiano - PINTURA

QUATTROCENTO: Características generales

•  Ya que apenas existían modelos de pintura de la Antigüedad en los que inspirarse, la influencia clásica en este campo se ciño a proporcionar temas mitológicos, el gusto por el desnudo, o la representación de espacios arquitectónicos de inspiración grecorromana.

•  TÉCNICAS: pintura mural al fresco y pintura de caballete sobre tabla al temple, y a partir de mediados de s. XV, por influencia flamenca, al óleo.

•  Dibujo claro y nítido, con contornos bien definidos.

•  Buscan la representación del espacio tridimensional. Por ello, hay una gran preocupación por representar la incidencia de la luz para dar sensación de volumen, por lo que se realizan gradaciones de color, y se utiliza la perspectiva lineal (todas las líneas paralelas que marcan la composición del cuadro confluyen en un punto de fuga) para captar la profundidad espacial.

•  Se centra en el estudio de la figura humana.

•  Avance en la representación del paisaje, que para muchos artistas se convierte en elemento principal. Pierde la minuciosidad de la pintura flamenca pero a cambio es más natural y sirve para sugerir profundidad y encuadrar a las figuras.

•  TEMAS: religiosos (pero en ambientes renacentistas; y con mayor naturalidad), mitológicos y retratos.

La Virgen de la Humildad (Museo Thyssen-Bornemisza) •  Monje à temas religiosos.

•  Rasgos arcaizantes de tradición medieval: abundancia de dorados, gusto por lo curvilíneo, estilización de las figuras, representación simbólica de la luz y el color...

•  Sin embargo, muestra interés por la profundidad y el volumen, usa la perspectiva lineal y gradaciones tonales, introduce decoración arquitectónica a la manera clásica renacentista...

•  Usa poco el claroscuro.

Retablo de San Marcos

QUATTROCENTO: FRA ANGELICO


La Anunciación (museo del Prado)

•  Tradición medieval: sentido de la irrealidad, uso del dorado, luz artificiosa, figuras estilizadas...

•  Clasicismo: decoración arquitectónica (aunque poco volumen, perspectiva deficiente... sirve para encuadrar la escena).

•  Contraposición entre personajes clásicos en un marco idealizado y personajes idealizados en un fondo clásico.


Detalles de La Anunciación (museo del Prado)

•  A la izq: Adán y Eva (claroscuro, volumen...) à personajes tratados de forma clásica que se hallan en un jardín de tradición gótica (minuciosidad, sin profundidad ni perspectiva).

•  Los 5 paneles de la predella ilustran más episodios de la vida de la Virgen.


La Anunciación (convento de San Marcos)

•  Pintura mural al fresco. •  Mas interesado ya en la

representación natural del espacio: Ø  Ambientes son clasicistas Ø  Perspectiva más desarrollada Ø  Mejor tratamiento de la luz y

el claroscuro •  Aun así no acaba de romper con la

tradición gótica (figuras idealizadas con toques dorados en los nimbos, colores antinaturales en las alas del ángel).

El tributo de la moneda QUATTROCENTO: MASACCIO

•  Carácter narrativo, 3 escenas que se suceden en el tiempo

•  Escena central cerrada por una figura de espaldas, que nos introduce en la acción pues está en la misma posición que nosotros.

•  Sobriedad decorativa y compositiva.

•  Paisaje inspirado en la naturaleza. •  Apóstoles representados como esculturas clásicas,

(contrapposto, túnicas al estilo de togas romanas...) •  Virtuoso tratamiento de la luz, el volumen y la

perspectiva.

•  1º en romper definitivamente con la tradición gótica. •  Se inspira en Giotto: figuras sólidas y voluminosas. •  Perspectiva conseguida.

La expulsión del paraíso

QUATTROCENTO: MASACCIO

•  Tema frecuente del gótico, pero aquí lo importante es el cuerpo humano desnudo.

•  Dibujo de gran calidad, las figuras adquieren consistencia gracias a la luz que reciben de la derecha del espectador y que produce juegos de luces y sombras que gradúan el color.

•  Deseo de expresar con los gestos el drama que se desarrolla. Los modelos de los rostros se inspiran en el mundo helenístico, herencia del estilo de Scopas (boca abierta, ojos entornados al cielo...).

Fresco de la Trinidad en Santa María Novella

QUATTROCENTO: MASACCIO

•  Cristo, Dios Padre, la Virgen María y San Juan.

•  Perspectiva lineal.

•  Estructuras arquitectónicas renacentistas (a bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas).

•  Composición piramidal, transmite equilibrio y serenidad.

•  Donantes integrados en la escena religiosa, en plano de igualdad: refleja nueva mentalidad de la época.

QUATTROCENTO: PIERO DELLA FRANCESCA

Frescos de la Leyenda de la Santa Cruz (basílica de S.Francisco de Arezzo)

•  Claridad, equilibrio y serenidad de su composición à perspectiva lineal, volumenes geométricos

•  Admirable luminosidad. Luz blanquecina que da a sus figuras un aspecto escultórico.

•  Figuras corpulentas y voluminosas. •  Cromatismo claro y delicado, con contrastes

de tonos fríos (azules) y cálidos (rojos).


Frescos de la Leyenda de la Santa Cruz (basílica de S.Francisco de Arezzo)


Díptico de los Duques de Urbino

•  Serenidad y equilibrio compositivo.

•  Influencia flamenca: minuciosidad de los detalles.

•  Retrato y paisaje

•  Horizonte muy bajo dejando mucho espacio al cielo con lo que se consigue luminosidad.


Sacra Conversación (o Pala de Brera)

•  Serenidad y equilibrio en la composición. •  Arquitectura típicamente renacentista. •  Perspectiva lineal con punto de fuga en la

cabeza de la virgen. •  Excelente tratamiento de la luz, que dota

de volumen a las figuras y crea profundidad (destaca el juego de luces y sombras del fondo).

•  A la derecha en primer plano: retrato del donante (duque de Urbino): denota el individualismo y afán de notoriedad de la época.

•  Simbolismo (huevo colgando del techo: ¿nacimiento de Cristo o del hijo del duque?).

QUATTROCENTO: BOTTICELLI

La Adoración de los Magos

•  Pintor más importante de esta generación.

•  Influido por el pensamiento neoplatónico, predominante en la corte de Lorenzo de Medici, su protector.

•  Aunque realizó obras de tema religioso, destaca por sus cuadros profanos o mitológicos, (inspiración clásica).


Minerva y el Centauro (o Palas y el Centauro)

•  No buscaba la verosimilitud en sus aspectos formales (perspectiva, proporciones, incidencia de la luz...), sino crear imágenes de gran belleza.

•  Sus obras se caracterizan por: ü belleza idealizada y delicada ü figuras femeninas

curvilíneas, estilizadas y elegantes

ü exuberancia decorativa ü movimiento, ü dibujo preciso ü luz blanquecina y

homogénea (sin apenas sombras)

ü suavidad del modelado...

Madonna del Magnificat


La Primavera

•  No busca el realismo: Ø Colores y luz

poco naturales Ø Figuras muy

estilizadas y delicadas

Ø Paisaje artificial (olvida la obsesión renacentista por la perspectiva).

•  Dibujo preciso.

•  Gusto por lo curvilíneo à aporta movimiento y elegancia.


La Primavera

Céfiro (dios del viento), persigue a la ninfa Cloris que huye temiendo ser

poseída por él y se transforma en Flora (diosa de la primavera).

Sobre Venus, Cupido que dirige sus flechas a las Tres Gracias, una de las cuales mira a Mercurio (dios del

entendimiento) que aparta unas nubes (mediante la razón, vuelve la mente del hombre hacia lo divino).

Significado neoplatónico: en el circuito del amor, lo que llega a la tierra como pasión (Céfiro) regresa al cielo como contemplación (Mercurio). à el amor sensual y carnal no es el verdadero, para ser real debe convertirse en un amor contemplativo, espiritual y profundo.


Detalle de la metamorfosis de la ninfa Cloris à La Primavera


Detalle de las Tres Gracias à La Primavera

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us QUATTROCENTO: BOTTICELLI

•  Mito griego: Afrodita (Venus romana) nació cuando Cronos castró a su padre Urano y arrojó sus genitales al mar.

•  Según algunos autores representaría el nacimiento del alma cristiana que surge del agua del bautismo, uniendo así el pensamiento antiguo y el cristianismo.

La calumnia de Apeles

QUATTROCENTO: BOTTICELLI Rey aconsejado por

la Sospecha y la Ignorancia

La Calumnia (mujer acompañada por el Engaño y la Traición) y la Envidia

(monje) arrastran a la víctima

La Mentira (de negro) mirando a la Verdad (figura desnuda), que mira al

cielo pidiendo justicia

• Arquitectura típicamente renacentista (bóvedas de cañón con casetones, friso, decoración escultórica...) • Sensación de movimiento • Líneas curvas • Perspectiva • Luz homogénea • Carácter escultórico de los personajes...

La calumnia de Apeles


El rey con orejas de asno siendo aconsejado por la Ignorancia y la Sospecha.

Cristo muerto

QUATTROCENTO: MANTEGNA

•  Mantegna indaga a fondo la técnica de la perspectiva à escorzo

•  Excelente estudio de anatomía

QUATTROCENTO: UCCELLO

Tríptico de la batalla de San Romano • Reminiscencias del gótico internacional (colores brillantes, refinamiento decorativo, gusto por lo curvilíneo, tratamiento del paisaje, estilización de figuras, gusto por los detalles...) • Aunque

experimenta con la perspectiva (escorzos). • Contraste entre el

1er plano (perspectiva) y el 2do plano (sin profundidad)

QUATTROCENTO: GOZZOLI

Adoración de los Reyes Magos

•  Discípulo de Fra Angelico.

•  Todavía reminiscencias góticas. (decorativismo, perspectiva imperfecta, colores brillantes...)

QUATTROCENTO: FILIPPO LIPPI

Varias

Madonna con niño •  Búsqueda de la belleza ideal

(rostros Vírgenes)

•  Gusto por los detalles secundarios que sirven de ambientación al tema principal.

•  Excelente cromatismo, uso de veladuras y efectos lumínicos.

•  Influyó en Botticelli.

QUATTROCENTO: ANDREA DEL CASTAGNO

Frescos del Cenáculo de Santa Apolonia (Florencia)

•  Espacio tridimensional muy estudiado; aplicación de la perspectiva lineal. •  Composición equilibrada y serena. •  Rostros expresivos. •  Contrastes cromáticos.

QUATTROCENTO: IL PERUGINO

Entrega de las llaves a San Pedro (fresco en la capilla Sixtina) •  Dominio absoluto de la perspectiva

QUATTROCENTO: GHIRLANDAIO G

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•  Gran retratista de la nobleza florentina

CINQUECENTO: Características generales

•  Tendencia a la simplificación, se resalta el tema principal evitando las escenas secundarias y lo anecdótico.

•  El dibujo y el contorno pierden importancia, frente al color que se maneja de un modo más suelto.

•  Se perfecciona el estudio de la incidencia de la luz sobre la figura humana. Aparecen claroscuros que contribuyen a crear volumen en las figuras.

•  La composición es clara y suele ser geométrica. Frecuentemente los personajes se inscriben dentro de un triángulo, lo que produce sensación de orden y equilibrio.

•  Los pintores ya no se obsesionan con la perspectiva lineal y geométrica, sino que procuran una mayor naturalidad en sus obras. Se desarrolla la perspectiva aérea: la sensación de profundidad se sugiere como en la visión natural, con la degradación de colores y la imprecisión de los contornos de los elementos lejanos.

CINQUECENTO: LEONARDO DA VINCI

•  Arquetipo por excelencia del hombre del Renacimiento: pintor, escultor, ingeniero...

•  Trabaja fundamentalmente en Milán y Florencia.

•  En los rostros una suave sonrisa introduce la misma impresión poco precisa.

•  Tenía un gran sentido de la composición a base de figuras geométricas.


•  Su aportación fundamental es el sfumatto: técnica pictórica de contornos imprecisos y difuminados. Las formas se disuelven en la luz y en función de ello, el dibujo aparece desdibujado.

•  Usa también la perspectiva aérea (representación del aire que se interpone entre el espectador y los fondos mediante el tono azulado y el difuminado de los últimos planos).


• 2 cuadros casi idénticos. • Composición piramidal (equilibrio). • Virgen, Niño con mano alzada bendiciendo a San Juan niño, y un ángel. • Las figuras se relacionan a través de las miradas. • Sensación de profundidad à perspectiva aérea • Sfumatto: las figuras parecen fundirse con el fondo • Acusado claroscuro.

La Virgen de las rocas


La última cena

•  La escena plantea el momento en que Cristo dice que uno de los apóstoles le traicionará. Los apóstoles se ordenan en cuatro grupos de tres, dos a cada lado. En ellos, Leonardo realiza un estudio de su personalidad mediante sus gestos tras el anuncio.


La última cena •  Ubicación: refectorio del

convento de Santa Maria delle Grazie (Milán)

•  Técnica: pintura mural al temple y al óleo (no al fresco) à ha provocado su mal estado de conservación.

•  Estudio perfecto de perspectiva lineal: todas las líneas se concentran en la cabeza de Jesús, que se convierte en el punto de fuga.

Curiosidades sobre “La última cena”

¿La figura de María Magdalena (en lugar de San Juan)? Además, entre ella y Jesús, se crearía una V, que presenta a la mujer. Otras teorías menos conspiratorias dicen que en aquel entonces era normal pintar a Juan, el más joven de todos, usando a modelos femeninos para dar una apariencia de juventud y pureza.

¿Autorretrato de Leonardo? Leonardo pudo hacer un autorretrato y simbólicamente da la espalda a Jesús.

Leonardo era un gran admirador de la ciencia y se cuenta que en este retrato dejaba claro su rechazo a las doctrinas

de la Iglesia Católica.

¿El bebé de María Magdalena y Jesús? justo al lado de la figura de Judas, en lo que debería ser su cuello, algunos creen que Leonardo pintó un bebé.

Judas entre los apóstoles: hasta ese momento, el traidor Judas siempre

había estado representado fuera del grupo de los apóstoles, incluso al otro lado de la mesa en algunas ocasiones.

La Gioconda


•  Rompe con el retrato del Quattrocento: no es un busto, sino un retrato de medio cuerpo y en posición tres cuartos (torso de medio perfil, en vez de perfil), con la cabeza girada en sentido contrario al cuerpo para aportar dinamismo, mirando al espectador con una enigmática sonrisa que rompe con la tradición anterior de rostros y actitudes serias.

•  Aplicación magistral del sfumatto, que funde la figura con el paisaje del fondo, al que aplica la perspectiva aérea.

La Anunciación


Anunciación (Fra Angelico)

• Composición muy sencilla (solo 2 personajes). • Virgen en posición tres cuartos (permite matizar la luz y presentar varios tonos) y presentada de una forma más humanista (no adopta la postura de sumisa aceptación de su destino cruzando los brazos). • Perspectiva aérea y sfumatto.

La Virgen Santa Ana y el Niño


•  Figuras en primer plano, ocupando todo el paisaje.

•  Perspectiva aérea.

•  Sfumatto.

•  Sonrisa de Santa Ana, recuerda a la Gioconda.

•  Composición piramidal.

CINQUECENTO: RAFAEL

•  Estamos ante otro caso de artista renacentista, no solo es pintor sino también arquitecto.

•  Sus obras se caracterizan por la profundidad, la amplitud espacial, el equilibrio y la simetría.

•  Figuras delicadas y elegantes, de belleza idealizada, con sentido de la proporción.

•  Utiliza el sfumatto y la perspectiva aérea.

Los desposorios de la Virgen

CINQUECENTO: RAFAEL

Entrega de las llaves a San Pedro (Il Perugino)

• Fondo: templo centralizado de estilo renacentista (recuerda al de San Pietro in Montorio de Bramante). • Se inspira en la escena de la entrega de las llaves a San Pedro (Il Perugino, en la Capilla Sixtina). • Gran dominio de la perspectiva lineal. • Composición equilibrada y simétrica. • Figuras elegantes, de belleza idealizada.

La Virgen del jilguero

CINQUECENTO: RAFAEL

•  Influencia de Leonardo: perspectiva aérea, sfumatto, composición piramidal...

•  Aunque amplía la gama de su colorido.

Estancia de la Signatura (Estancias Vaticanas)

CINQUECENTO: RAFAEL

La Disputa del

Sacramento (teología)

La Escuela de Atenas (filosofía)

El Parnaso (poesía)

Las virtudes cardinales (justicia)

Estancias Vaticanas

CINQUECENTO: RAFAEL

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s CINQUECENTO: RAFAEL

• Obra más representativa de la admiración durante el Renacimiento por la Antigüedad clásica.

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• COLOR: Gama cromática muy amplia à equilibrio entre fríos y cálidos. • LUZ: luz difusa (proviene de la derecha) + luz procedente del fondo y del supuesto tambor de la cúpula (iluminan a los personajes por detrás). No hay acusados claroscuros, pero si un excelente dominio de las gradaciones tonales que aportan volumen a las figuras. • ESPACIO: profundidad espacial gracias a: perspectiva lineal + juegos de luces y sombras en las cubiertas arquitectónicas. Marco arquitectónico con reminiscencias clásicas romanas; sensación de amplitud espacial. • COMPOSICIÓN: equilibrada y simétrica. • TRATAMIENTO DE LOS PERSONAJES: gran naturalismo; movimiento, posturas y gestos variados.

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1.PLATÓN 8. EUCLIDES O ARQUÍMEDES 15.EPICURO

2.ARISTÓTELES 9.PLOTINO 16. ZENÓN

3.HERÁCLITO 10.SÓCRATES 17.PTOLOMEO

4.PARMÉNIDES 11. ALEJANDRO MAGNO 18.ESTRABÓN o ZOROASTRO

5.HIPATIA 12.ANAXIMANDRO 19. HOMERO

6.DIÓGENES 13 AVERROES 20. APELES

7. PITÁGORAS 14. ANTÍSTENES

•  Platón (señala hacia arriba; representa la filosofía abstracta y teórica) y Aristóteles (señala hacia abajo; representa la filosofía empírica) rodeados de grandes pensadores de la Antigüedad (Sócrates, Pitágoras...), algunos cuyos rostros se identifican con artistas del periodo (Leonardo, Bramante, Miguel Ángel, Rafael). à homenaje a los grandes hombres de su tiempo mediante la unión del pasado y el presente.

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Eráclito (rostro de Miguel Ángel) Autorretrato de Rafael

Bramante (como Euclides o

Arquímedes) enseñando geometría

Platón (rostro de Leonardo da Vinci)

El incendio del Borgo (Estancia del Incendio)

CINQUECENTO: RAFAEL

•  Milagro del papa León IV: sofocó un incendio haciendo la señal de la cruz. Ejemplificaría así el favor divino obtenido a través del Pontífice.

•  Dramatismo, tensión, colosalismo. •  Arquitectura clásica y renacentista.

CINQUECENTO: MIGUEL ANGEL

• Arquitecto, escultor y pintor.

• Caract.: energía del dibujo, el movimiento y la fuerza casi escultórica de sus figuras, monumentales y vigorosas.

• Se centra en el perfecto dibujo de las anatomías, mientras que se despreocupa en mayor medida del color y de los fondos.

• Violentos escorzos.

• Creador del Manierismo.

Capilla Sixtina


Capilla Sixtina


El Pecado Original (Capilla Sixtina)


•  Perfectos estudios anatómicos •  Predominio del dibujo sobre el color •  Figuras monumentales, vigorosas…

La Creación de Adán (Capilla Sixtina)


•  Figuras monumentales •  Eje de la composición: punto donde se unen las manos de Dios y Adán •  Figuras de Dios y Adán: paralelas à “Dios creó al hombre a imagen y

semejanza suya”. •  Pincelada suelta y vigorosa.


Diseccionar cadáveres era antiguamente considerado uno de los peores delitos a ojos de la justicia y a ojos divinos, y ya sabemos el peso que la institución católica tenía en Europa en tiempos pasados como el Renacimiento. A pesar de todo, algunos artistas como Miguel Ángel se saltaron estas trabas religiosas y jurídicas y diseccionaron cadáveres con el fin de estudiar la anatomía humana. El problema también era hacer perdurar esos conocimientos adquiridos en secreto. Algunos estudiosos aseguran que Miguel Ángel cometió la osadía de esconder estudios anatómicos del cerebro humano en casa del mismísimo Dios.

Significaría que Miguel Ángel interpretó a Dios no sólo como dador de vida, sino que entregó al hombre una inteligencia suprema.

Oculta su visión racionalista de la creación del Hombre frente a la visión creacionista de la Iglesia Católica.

La Creación de Adán (Capilla Sixtina)

Profetas, sibilas,

desnudos, personajes bíblicos...

(bóveda de la Capilla Sixtina)


David y Goliat


Profetas, sibilas,

desnudos, personajes bíblicos...

(bóveda de la Capilla Sixtina)

El juicio final (capilla Sixtina)

CINQUECENTO: MIGUEL ÁNGEL

•  Casi 400 personajes.

•  Figuras monumentales que expresan el fin de la humanidad con gran expresividad de los rostros, gestos patéticos.

•  En esta obra rompe con el clasicismo (movimiento, tensión, planos contrapuestos, dramatismo…); refleja la crisis del manierismo.

Escena superior:

ángeles con los instrumentos de la

Pasión.

Escena central:

Cristo Juez (Pantócrator) con gesto de fuerza (la terribilitá)

acompañado por la Virgen; a su derecha los elegidos elevándose

al cielo, y a su izquierda los condenados descendiendo al

infierno.

Escena inferior:

resurrección de la carne y el infierno representado como el hades Griego (Laguna Estigia

con la barca de Caronte)

Miguel Ángel se autorretrató en la piel que cuelga de la mano de San Bartolomé, que

murió despellejado (Miguel Ángel creía no merecer el cielo; reflejo de la crisis por la que

atravesaba).

CINQUECENTO: ESCUELA VENECIANA

Hasta finales del s.XV la pintura veneciana había estado influida por el arte bizantino, pero durante el s.XVI adopta el nuevo lenguaje renacentista y se convierte en el segundo gran centro artístico después de Roma. Se caracteriza por:

Pintura veneciana del Quattrocento à gran influencia bizantina aun •  Predominio del color sobre el dibujo. Para ellos el

color era la esencia de la pintura, no un mero complemento del dibujo, y lo utilizaron para emocionar. Ampliaron la paleta de color, y lograron una pintura más sensitiva.

•  Amor por el paisaje, al que tratan de un modo poético.

•  Gusto por lo secundario y anecdótico: las composiciones son amplias con multitud de figuras y detalles.

•  La riqueza y el lujo inundan de detalles las composiciones, en una visión sensual y placentera de la vida.

El concierto campestre

CINQUECENTO: ESCUELA VENECIANA (GIORGIONE)

GIORGIONE: destacan sus desnudos femeninos y sus paisajes.

La Tempestad

Venus de Urbino

CINQUECENTO: ESCUELA VENECIANA (TIZIANO)

Carlos V a caballo

TIZIANO: producción es muy amplia: temas mitológicos y religiosos, y retratos. Predilección por los desnudos femeninos.

La Bacanal

El lavatorio

CINQUECENTO: ESCUELA VENECIANA (TINTORETTO)

Traslación del cuerpo de San Marcos

TINTORETTO: discípulo de Tiziano, destaca por su interés por el color, dominio de la perspectiva. Violentos escorzos.

Cristo entre los doctores

CINQUECENTO: ESCUELA VENECIANA (VERONÉS)

VERONÉS: composiciones de gran tamaño, monumentales, con gran riqueza de detalles, escenarios lujosos y paisajes muy cuidados.

La cena en casa de Levi

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UD12. Renacimiento italiano - PINTURA