ARTE MODERNO MEXICANO

ARTISTAS VIAJEROSLINATI, RUGENDAS, D´ALVIMAR, EGERTON

1810 -------------------------------------------------------------------------------------------1910

Simbolismo, sintetismo, impresionismo, puntillismo expresionismo

Clacisismo, naturalismo, art noveau

ROMANTICISMO

Pintura Académica

En nuestro siglo romántico la pintura vino a ser la expresión de mayor categoría, por su calidad y las obras que produjo. La pintura académica tuvo cierto carácter especial y algunos temas novedosos en que se inicia un mexicanismo. Los temas de historia cobran importancia y se renueva la pintura mural, primero con asuntos tradicionales y después con uno filosófico, de acuerdo con el positivismo y el progreso.

Los retratos del tiempo tienen positivo interés. Pero es la pintura de paisaje la que alcanza mayores vuelos y modernidad con la obra de un artista de primera línea: Velasco. También tienen importancia algunas obras de escultura y la litografía. Mas la pintura provinciana o "popular" alejada de los cánones académicos da un interés especial al arte del siglo XIX. La arquitectura es secundaria y sólo vino a tener auge e intenta renovarse hasta fines y principios de siglo, gracias al Art-nouveau.

El maestro español Pelegrín Clavé enseñó pintura en la Academia. Los antecedentes de su expresión eran: el clasicismo a la manera de Ingres y el primer romanticismo alemán, de los "nazarenos", entre quienes admiraba a Overbeck. Así, lanzó a sus discípulos por la vía de una pintura religiosa muy sentimental, con la belleza ideal -que era la clásica- como meta, y se reservó para sí la expresión clasicista de Ingres.

Roque Pelegrín Clavé

Nació en Barcelona y estudió en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal antes de obtener la preciada beca de Roma. En la capital italiana entró en contacto con la escuela nazarena, encabezada por el pintor alemán Johann Friedrich Overbeck, y quedó fuertemente impresionado por la obra de Rafael y de los primitivos italianos. En 1846 se trasladó a México para dirigir la Academia de San Carlos. Bajo su mandato se formó toda una generación de pintores mexicanos que produjeron un gran número de obras de tema religioso e histórico bajo la influencia de la artificiosa estética nazarena.

Se reservó para sí la expresión clasicista de Ingres. De esta manera produjo algunos excelentes retratos, como el de la Señorita Echeverría (fig. 167), el de don Andrés Quintana Roo (M.S.e.) y los del arquitecto Lorenzo de la Hidalga y su esposa

Juan Cordero

El rival de Clavé fue el pintor mexicano Juan Cordero (1824-1884), también académico, formado en la escuela clasicista de Roma, quien regresó a México habiendo ejecutado telas de grandes dimensiones, como La mujer adúltera (Museo de la Colegiata de Guadalupe) y otras de tema histórico: Colón ante los Reyes Católicos.

Cordero había pintado en Roma un cuadro de calidad, el Retrato de los escultores Pérez y Valero (1847), novedoso porque introdujo dos tipos mexicanos, de tez morena, en una composición clásica; caracteres semejantes ciertamente no encajaban en la "belleza ideal”

El artista ejecutó los retratos del General Santa Anna y de su esposa, Doña Dolores Tosta (1855. Col. particular), que es el más interesante de cuantos produjo. Aparece de pie, en uno de los salones del Palacio Nacional; la composición recuerda los grandes retratos aristocráticos de antaño, y el elegante traje de brocado de oro con adornos de camelias y perlas, la diadema, el sillón y el dosel a la izquierda, sugieren un sentido imperial. La ejecución es excelente, pero el colorido y cierta dureza en las formas dan al cuadro un carácter que, si novedoso, brinca más allá de los principios y del gusto clasicista.

Cordero inició la renovación de la pintura mural, y dos obras suyas, la cúpula de la antigua capilla del Señor, de Santa Teresa (1857), y la cúpula de la iglesia de San Fernando (1859), ambas en la ciudad de México, son muestras de sus aptitudes y personalidad. Pero esas obras, tanto como las de Clavé en la Profesa, resultaban muy tradicionalistas, por los temas y formas, y la crítica pedía que se pintara nuestra historia, vida y costumbres, con sus héroes y con tipos que en verdad fueran mexicanos. Esto no era aún posible y había que esperar casi un siglo. La cabeza del nuevo movimiento filosófico a tono con el tiempo, el positivismo, fue el doctorGabino Barreda, amigo de Cordero, así, inspirado por aquél, el artista pintó el primer mural de tema filosófico en la Escuela Nacional Preparatoria (1874), hoy día desaparecido, que se refería a la Ciencia, la Industria y el comercio desterrando a la Ignorancia y a la Envidia. Era el tema de el progreso.

Discípulos de Clave

En las obras de sus discípulos, de tonos claros, con buenas composiciones y dibujo, los temas eran generalmente del Antiguo Testamento y escenas en que la dulce figura de Jesús reemplazaba la trágica de Cristo. Clavé y sus discípulos tuvieron buen éxito, porque esa pintura correspondía al espíritu romántico, sentimental.

Pero no era suficiente, la crítica pedía que se pintaran los temas mexicanos, y Clavé, obrando siempre con talento, hizo producir a sus discípulos obras académicas con temas de la historia del antiguo mundo indígena. Una de ellas es buen ejemplo: El descubrimiento del pulque, de José Obregón. El equívoco era mayúsculo, hoy, que podemos juzgar a distancia en otra actitud, pues se trataba de hacer aparecer a los tipos indígenas idealizados según el molde clásico, y así nuestros indios e indias surgían en teatrales "reconstrucciones" escenográficas disfrazados de apolos y vestales, apenas si asoma un débil "realismo", como se decía, o naturalismo en algunas figuras.

Clavé y Cordero significan la pintura académica de figuras de mayor calidad, aunque tras ellos vinieron otros, como José Salomé Pina y Santiago Rebull, quienes mantuvieron la enseñanza, clasicista y romántica, hasta 1902.

Un pintor interesante fue Felipe Gutiérrez porque intentó con buen éxito al naturalismo, apegado al modelo y sin idealismos; sus dos cuadros San Bartolomé y San Jerónimo (fig. 170), son excelentes. Gutiérrez pintó el único desnudo femenino de la época La amazona de los Andes (Biblioteca de la antigua Academia de San Cados) que hace recordar a Courbet.

 

A medida que avanzó el siglo el romanticismo en la pintura académica se hizo más agudo y sentimental. Manuel Ocaranza fue un buen pintor, delicado y sensible; dos cuadros suyos, La flor marchita y Travesura del Amor, son suficientes para recordado. José Ibarrarán dio muestras de aquel tono del tiempo en El mártir cristiano, sin embargo, Gonzalo Carrasco siguió más bien las huellas del naturalismo de Gutiérrez y su Job en el estercolero es obra de calidad.

Los temas históricos aparecieron. Félix Parra pintó a Fray Bartolomé de las Casas (1876), hoy en la Biblioteca Nacional, y a Galileo (fig. 171), éste de superior categoría,

y Leandro Izaguirre con El suplicio de Cuauhtémoc (1892) llevó la pintura académica de intención naturalista a un límite en que conserva dignidad (fig. 172).

El senado de Tlaxcala de Rodrigo Gutiérrez.

En general el naturalismo produjo mejores resultados que el idealismo clasicista, pues con él las costumbres y tipos mexicanos podían alcanzar cierto carácter, como en El velorio, dramático y fino cuadro de José María Jara.

Con la decadencia de la pintura académica hacia el fin del siglo XIX y con la muerte de Rebull en 1902, los estudios quedaron sin dirección y entonces se contrató al pintor español Antonio Fabrés, quien permaneció al frente de la institución de 1903 a 1906. Fabrés era un artista experto y disciplinado que puso orden y saneó la escuela en muchos aspectos, pero su concepto de la pintura en vez de ser renovador significaba la última expresión de ese naturalismo romántico que hemos dado en llamar "fotográfico" por la reproducción detallista de los objetos. Su obra mayor Los borrachos (1904) vagamente recuerda por su título a Velázquez, pero se trata de unos alegres mosqueteros con capas, encajes y chambergos emplumados que entronizan a uno de ellos, semi desnudo, en el papel de Baco. Expresión y tema eran decadentes, pero Fabrés fue un buen maestro que enseñó a dibujar con precisión.

Otra corriente arcaizante estuvo representada en las obras de buena calidad de Germán Gedovius, inspiradas en el siglo XVII español y holandés; pero su gran cuadro con un desnudo recostado resume el espíritu del "fin de siecle" y es excelente y atractivo como ningún otro del tiempo.

La última expresión del romanticismo tuvo un digno, profundo y hábil artista como representante: Julio Ruelas (1870 1907). Gran dibujante, fue ilustrador, viñetista y grabador de primera línea; parte de su obra se encuentra en la Revista Moderna, en la que colaboraban los más distinguidos poetas, literatos y pensadores que representaban la "avant gard" del tiempo.

Ruelas se atuvo a un naturalismo bien ejecutado, pero que utilizó simbólicamente, tanto como vestuarios arcaicos y otros accesorios y formas decorativas. Todo es simbólico en su obra para expresar las que son sus preocupaciones centrales: la vida y la muerte y un sentido trágico de la existencia; por eso la mujer, vestida, o desnuda, el erotismo, los esqueletos, las calaveras y las telarañas son frecuentes en sus obras.

También pintó retratos y alegorías, como el pequeño cuadro La Revista Moderna (1904. Col. particular), en el que sobre un paisaje imaginado aparecen los principales colaboradores de la famosa publicación recibiendo a su mecenas que monta un caballo blanco; unos son centauros, otros sátiros, alguno es alada libélula y otros más han sido transformados en aves. Lo extraño del ambiente, las originales figuras: y la buena ejecución hacen del cuadro la expresión de un mundo ideal que, sin embargo, se completa con el real, que se significa en la figura ecuestre del mecenas. Los grabados de Ruelas son de primer orden ( fig. 173); uno de ellos se refiere a La Crítica (fig. 174), Y en él un pequeño monstruo mide y perfora el cráneo del propio artista, que se muestra en un autorretrato

. Con Ruelas se extinguió propiamente el romanticismo del siglo XIX; en sus obras hay formas que ya son "artnouveau".

Mas ahora es necesario retroceder para considerar lo que constituye la expresión más importante del siglo, a mi modo de ver, la pintura de paisaje, cuyo máximo exponente es un pintor de primera categoría: José María Velasco (1840-1912). Fue discípulo de Eugenio Landesio, el maestro italiano que Clavé recomendó e hizo que se contratara para enseñar la pintura de paisaje en la AcademiaLandesio fue un excelente pintor y maestro, cuyas disciplinas produjeron los mejores resultados. El mismo ejecutó muchas obras en México, pues le impresionaba la naturaleza monumental de América y le interesaron aspectos peculiares, como el Valle de México, las haciendas y los acueductos; gran dibujante y fino pintor sus obras tienen perfección en todo y su colorido de tonos dorados da cierta teatralidad romántica a nuestros paisajes.

Valle de México desde el cerro de Atzacoalco (164), 1873Óleo sobre tela, 32 x 43cm

La hacienda de Col n, 1857-58�Foto: Eugenio Landesio La hacienda de Col n, 1857-58�Foto: Eugenio Landesio

Velasco no sólo aprovechó las enseñanzas del maestro, sino que pronto dio muestras de personalidad. Más c1asicista que aquél, su pintura se mantiene en buena parte dentro de las tonalidades frías de los azules y grises, si bien se anima con las gamas de verdes, pues tenía un finísimo sentido para distinguir los tonos y manejó con maestría las grandes composiciones.

. La pintura de paisaje era la tendencia más moderna en Europa y a ella se atuvo Velasco, pero también era necesario dar expresión no sólo al paisaje propio sino a la historia, así, con intuición genial y sutilezas expresivas, sintetizó lo uno y lo otro y pudo ser moderno y expresar lo propio sin falsedades idealistas. Anotaré algunas de sus obras más importantes. Un paseo en los alrededores de México (1866), además de ser una bella composición incluye muchas figuras que intencionalmente representan todos los niveles sociales de la vida mexicana (fig. 175).

El Valle de México (1875), visto desde los cerros al norte de la Villa de Guadalupe; la ciudad y los lagos se extienden a lo lejos y en el horizonte se perfilan los volcanes; es una composición grandiosa en que juegan como puntos y contrapuntos de alguna orquestación grandes curvas en la tierra y en las nubes que adornan el celaje

Pero Velasco superó su arte en otra obra maestra que tituló simplemente: México (1877. Lám. V) y que es otra vista del Valle, desde otro sitio, para ahondar más y lograr mayor monumentalidad, si cabe. Allí, entre los montes, vuela un águila que lleva en el pico una serpiente; los contrastes de luz y sombra están graduados para establecer los diferentes planos con precisión y en el cielo un precioso cúmulo de nubes remata garbosamente todo. Así, México, según tal alegoría, es "la tierra del águila y la serpiente", de los grandes montes y planos, de volcanes, de celajes, de grandeza y belleza solemnes. El paisaje se vuelve simbólico y hace una obra formidable.