ARTISTAS GUATEMALTECOS Y SUS OBRAS DE ARTE PLÁSTICO

IVÁN DE LEÓN RODRÍGUEZ

Ha realizado toda clase de trabajos: avisos de prensa, afiches, logotipos, símbolos, etc. Paulatinamente ha evolucionado del realismo al figurativismo y de éste a la pintura abstracta. Desde 1990 se dedica exclusivamente a la pintura, aunque ha tenido algunas incursiones en grabado y dibujo. Sus obras se encuentran en colecciones privadas de Guatemala, México, EE. UU., Europa y Asia.

RODOLFO ABULARACH.

Nació en Guatemala en 1933 - sus conceptos artísticos ilustran la realidad tangible del ser humano.

Se caracterizó por ser autodidacta, y en sus comienzos fue dibujante y pintor deescenas de corridas de toros las cuales surgen de una imaginación barroca, agresiva.

También estudió Pasadena, California en 1953, y más tarde en México. Perteneció a una generación de pintores y dibujantes guatemaltecos de gran talento como Luis Díaz, Ramón Banús, Roberto Cabrera, Margarita Azurdia, entre otros.

Abularach partió en 1959 con una beca de estudios del gobierno de Guatemala a Nueva York, ciudad en la que decidió radicarse y desde donde ha realizado lo más relevante de su producción plástica. Estudió en Arts Students League y Graphic Art Center.

Las obras de Abularach atravesaron una profunda transformación cuando intentó juntar los elementos del arte abstracto y del surrealismoy experimentó con texturas, como por ejemplo en dibujos sombreados hechos en lapicero y tinta, tales como “Fugitive from a Maya Lintel”. Sus imágenes aumentadas del ojo humano le dieron fama internacional.

El orden expresivo y el orden constructivo se hacen patentes en el gesto dinámico de este pintor. En sus últimas obras, divide los espacios en formas comunicantes a través de desenfoques misteriosos. Así el pintor enlaza imágenes fantasmagóricas a una especie de rigor escenográfico, jugando con una intención psicológica.

ELENA RODAS DE MARROQUÍN

Nació en Santiago Atitlán Sololá, Ha realizado su obra artística en esta ciudad. La pintura es su medio de expresión,

Año 2000 Técnico Artístico en Artes Plásticas: Escuela Regional de Arte Humberto Garavito de Quetzaltenango, Ministerio de Cultura y Deportes.

Técnicas: Acrílica, óleo, tinta y crayón pastel seco.

Línea Artística: figurativo creativo, predomina óleo con espátula.

PREMIOS OBTENIDOS

Mayo 1993 SEGUNDO LUGAR: en pintura para adultos “Escuela Regional de Arte Humberto Garavito”

Certamen organizado por las Damas Rotarias Sección Sur.

Agosto 1993 TERCER LUGAR: concurso a nivel nacional de estudiantes de Escuelas de Arte.

Diciembre 1996 PRIMER LUGAR: Certamen de pintura de la “Fundación Granai & Townson. CERTÁMEN Inter escuelas de pintura a nivel nacional

Diciembre 1998 Primera Mención Honorífica, en trigésimo Certamen Nacional de pintura “Arturo Martínez” obra: “Verano” categoría: paisaje.

Octubre 2000 TERCER LUGAR: Trigésimo segundo certamen nacional de pintura “Arturo Martínez”.

MARIO MÉNDEZ ESTRADA

ESTUDIOS ARTISTICOS:

Lectura Inicial y Creatividad: Maestra Filomena García Pellicer

Dibujo de paisaje al Claroscuro: Maestro Gilberto Gutiérrez

Rotulado y Uso de Instrumentos Dibujo Técnico: Maestro Humberto Meza

Dibujo y Pintura al Óleo: Maestro Rafael Mora Monterrosa

Historia del Arte y Técnicas Pictóricas, Paisaje, Bocetaje y Dibujo Natural: Escuela Municipal

de Artes Plásticas, Adscrita a Casa de la Cultura de Occidente

Universidad Popular Guatemala (1965): Maestro Roberto Cabrera Padilla, Diplomado en Escultura, Pintura y Cerámica

Dibujo y Pintura: Maestro Oscar Álvarez

Cerámica, Escultura y Grabado: Maestro Juan Sagastume

Diplomado en Escultura y Cerámica (1970)

EXPOSICIONES COLECTIVAS:

Mas de 100 exposiciones colectivas siendo las mas importantes:

China, Estados Unidos de Norte América, Chile, Alemania y España.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES:

Aproximadamente Veintiuna dentro de las que sobresalen:

Galería de Arte la Antigua (2000-2006) tres en Quetzaltenango Casa Noj, Centro Cultural

Efraín Recinos, y Plástica Contemporánea 2008.

PREMIOS

30 Recibidos aproximadamente dentro de los que cabe resaltar: dos primeros lugares

en Certamen Arturo Martínez, Primer Premio Salón Nacional de la Acuarela, dos primeros

lugares en la rama de grabado en el Certamen Centroamericano 15 de Septiembre,

Primer premio Salamá, premio único en grabado en el Primer Certamen de las Artes

de Extensión universitaria USAC y varios segundos y terceros lugares.

TITULO UNIVERSITARIO:

Licenciado en Artes Visuales Universidad de San Carlos de Guatemala año 2009.

EFRAÍN RECINOS

hizo una cantidad amplia de obras, pero entre sus principales creaciones están los diseños, construcción, ornamentación y pintura del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias -Teatro Nacional de Guatemala- en 1978, el frontón en relieve del edificio del Crédito Hipotecario Nacional, el mural escultórico de la Biblioteca Nacional y las Fuentes del Parque de la Industria, entre otras.

ELMAR RENE ROJAS AZURDIA

Fundador del Ministerio de Cultura de Guatemala (Guatemala Centro América) en 1986; es protagonista de cientos de exposiciones en las principales ciudades del mundo.

Su arte es conocido por expresar el "Realismo Mágico" ó "Realidad Maravillosa". Sus premios internacionales incluyen el Gran Premio Iberoamericano "Cristóbal Colón", presentado en Madrid, España, entregado por el Rey Juan Carlos de Borbón de España.

Elmar Rojas es uno de los de los artistas más importantes de América Latina, también es reconocido como gran promotor de cultura y uno de los más internacionales de Guatemala, su energía para la difusión del arte de su país es incansable.

MANOLO GALLARDO

Manolo Gallardo (Guatemala, 10 de junio de 1936- ), es un pintor, escultor, dibujante y retratista que ha destacado dentro del arte guatemalteco. Su pintura, de impecable técnica académica pero de elegante soltura, abarca desde el retrato hasta el surrealismo, pasando por la interpretación de diversos temas históricos, mitológicos, folclóricos y políticos. Ha recibido más de 50 premios en su carrera por su trayectoria,

incluyendo la Orden del Quetzal en 1995 y el grado de la Universidad de San Carlos de Guatemala.

Desde 1954 hasta la fecha, Gallardo ha recibido más de 50 reconocimientos nacionales e internacionales. En 1995 recibió la Orden del Quetzal en grado de Gran Oficial. En el año 2000 obtuvo el premio Meritorio Plástica, Arco Iris Maya y en el 2002 obtuvo el grado de Emeritissimum Universidad de San Carlos de Guatemala. Sin embargo, dentro de su hoja de vida se encuentran docenas más de reconocimientos

CARLOS MÉRIDA

Vivió plenamente la gran revolución del arte moderno. Esta primera etapa es muy significativa, no por su obra en sí, sino porque es la época donde redescubre, a partir de su conocimiento con otras sociedades, las diferentes expresiones culturales de su Guatemala natal, presencia decisiva hasta los últimos años de su labor artística.

En su obra posterior, existe un constante juego de líneas geométricas, que da como resultado la abstracción de la naturaleza.

Los conjuntos se ven enriquecidos por el uso de colores intensos, clara reminiscencia de los güipiles indígenas que dota a sus composiciones de una armonía muy especial.

A simple vista los cuadros de Mérida parecen complejos, las figuras se entrelazan o estallan en colores o nuevas figuras, a las cuales no siempre se les encuentra correspondencia con objetos o seres reales, pero la intención es muy simple: la composición de la pintura es la forma expresiva de la misma.

El artista ha eliminado todas las formas y elementos complejos de la naturaleza y nos entrega una obra inundada de un lenguaje visual simplificado, renovado, y accesible si se usa la emoción más que la lógica.

ROBERTO GONZÁLES G.

Pintor y escultor Roberto Gonzáles Goyri nació en 1924. Hizo estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes, de Guatemala y en Art Student´s League y Culture Center de Nueva York. Fue director de la escuela nacional De Artes Plásticas. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas. Y personales, dentro y fuera de nuestro país. Su obra es muy apreciada.

Esculturas suyas figuran en colecciones públicas y privadas de Guatemala, San Salvador, Nueva York, Nebraska, Miami, California. Ha ganado premios Nacionales e internacionales; entre ellos uno muy importante en Londres. En 1953.Como escultor, Roberto Gonzáles Goyri ha realizado murales en algunos de los principales edificios de la ciudad de Guatemala.

ZIPACNÁ DE LEÓN

Zipacná tuvo una destacada participación en as actividades de la Casa de la Estampa Max Vollemberg y del grupo Trinovación. Cofundador de varias instituciones culturales, resalta su labor como coordinador del Programa Permanente de Arte País (1978-1989) y la puesta en marcha de las Escuelas Regionales de Arte (1989) (Ministerio de Cultura y Deporte de Guatemala) y así como del Museo de Bellas Artes de Occidente Adalberto de León Soto. Por otra parte, además fue catedrático de la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla (1977-1996). En septiembre del 2000, le fue conferido el título de Ciudadano Distinguido de la Ciudad de Quetzaltenango.

En su haber tiene más de cuarenta exposiciones personales y múltiples colectivas dentro y fuera de Guatemala. Entre sus publicaciones se cuentan estudios sobre plástica guatemalteca y presentaciones de artistas nacionales y extranjeros.

Incansable viajero, también investigó el arte y la cultura alrededor del mundo en múltiples viajes de estudios (Egipto, Taiwán, Grecia, Suiza, Costa Rica, etcétera), lo cual enriqueció continuamente su visión del arte y la función de éste en la sociedad moderna.

LECTURA DE OBRAS ABSTRACTAS Y SU SIGNIFICADO

HANS (JEAN) ARP

Escultor, pintor y poeta francés, nació el 16 de septiembre de 1887 en Estrasburgo, y formó parte de varias de las más destacadas vanguardias artísticas del siglo XX. Estudió arte en Weimar y París entre 1905 y 1909 y después permaneció pintando en Suiza varios años. En 1912 participó en el grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter (El jinete azul). La obra de Arp durante esos años (1915-1916) estuvo dedicada a los tapices de motivos angulares y totalmente abstractos, así como a los dibujos. En 1916 fue uno de los fundadores del revolucionario movimiento dadá en Zurich. En 1917 transformó su estilo artístico hacia una abstracción de formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida actualmente. En 1924 Arp se trasladó a París, donde se unió a los surrealistas y elaboró bajorrelieves de madera pintada y construcciones de cartón humorísticas. En la década de 1930 Arp comenzó a realizar esculturas exentas, tallando y modelando en los más diversos materiales. Ejemplo de sus formas suaves y biomórficas es Concreción humana (1935; versión en piedra, 1949, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Trabajó al mismo tiempo en gouache, collages, grabados y litografías. A lo largo de toda su vida escribió poesía y ensayo. Al ser bilingüe, utilizaba el nombre de Jean cuando escribía en francés y el de Hans cuando lo hacía en alemán.

Constelación con 5 formas blancas

ANTOINE PEVSNER:

(18 de enero de 1888 – 12 de abril de 1962) fue un escultor nacido en Orel, Rusia, hijo de un ingeniero.

Junto con su hermano Naum Gabo, recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla.

En 1911 abandona la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viaja a París, donde admira los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger. En una segunda visita a París en 1913, conoció a Modigliani y a Archipenko, que estimularon su interés por el cubismo. Durante la guerra permaneció en Oslo; volvió a Rusia en 1917 y enseñó en la Academia de Bellas Artes de Moscú.

En 1920, Pevsner y Gabo publican el Manifiesto Realista, en donde afirman que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad. En 1923 visitó Berlín, donde conoció a Duchamp y a Catherine Dreier. A partir de su encuentro con Duchamp, abandonó la pintura y se volcó en la escultura constructivista. Luego se instaló definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930. En París, Pevsner y Gabo lideraron el grupo constructivista Abstracción-Creación, un grupo de artistas que representaba diversas corrientes del arte abstracto. En los años treinta, las obras de Pevsner se expusieron en Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.

Construcción dinámica

NAUM GABO

Escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX. Nació en Briansk y cambió su nombre (Naum Pevsner) para evitar confusiones con el de su hermano, Antoine Pevsner, que también era artista. Estudió medicina e ingeniería en Munich entre 1910 y 1914, pero este año comenzó a crear bustos y cabezas de inspiración cubista realizados en láminas de metal recortado, cartón o celuloide. Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento constructivista en Moscú, que abogaba por la construcción de esculturas a partir de materiales industriales en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en bronce. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales de lo que se conocería como constructivismo; al amparo de estas teorías realizó varias obras, con partes dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas. Vivió en Alemania entre 1922 y 1932 y allí ejecutó piezas que se caracterizan por su calidad arquitectónica monumental, como la

Columna (1923, Museo de Arte Moderno, Nueva York), de cristal, metal y plástico. Durante la II Guerra Mundial continuó produciendo en Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación (1943, Colección Phillips, Washington), en la que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas nítidas que, a su vez, están delicadamente entretejidas con unos planos de intersección en hilos de nailon. En 1946 se afincó en Estados Unidos. Una de sus obras más notables es un monumento de tamaño colosal, 26 metros, en forma de árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la destrucción de la ciudad por los nazis en 1940. Su última obra importante, realizada en 1976, fue la fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.

Cabeza de Mujer

EDUARDO CHILLIDA

Escultor y grabador español nacido en San Sebastián. Junto a Jorge Oteiza, es el escultor vasco más destacado del siglo XX, continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso. Tras abandonar sus estudios de arquitectura, recibió clases de dibujo y empezó a esculpir en hierro. En 1948, se trasladó a París donde trabó amistad con Pablo Palazuelo y comenzó a modelar obras figurativas, en terracota, temática que abandonó pronto para, a partir de 1950, concentrarse en la abstracción. Su primera exposición individual fue en Madrid, en 1954, en la galería Clan y fue la primera muestra de escultura abstracta que se realizó en España. Tras ésta, es invitado por el arquitecto Ramón Vázquez Molezún a participar en el pabellón español de la Trienal de Milán de ese año, en la que obtuvo el Diploma de Honor. En sus comienzos utilizó preferentemente el hierro y la madera, e introdujo posteriormente otros materiales como el hormigón, el acero, la piedra e incluso el alabastro, que le interesaba por su cualidades lumínicas. A partir de los años 1970 Chillida observa la naturaleza y busca en ella la inspiración para sus formas. Desde la década de 1980, se ha especializado en la instalación de piezas de grandes dimensiones, que se integran en espacios urbanos o en inmensos espacios naturales abiertos, y que contraponen armónicamente la masa y el vacío, caracterizándose por una sencilla geometría en la que las superficies rugosas o pulimentadas alternan dinamismo con estaticidad. En su destacada faceta de grabador —procedente de su interés continuado por la obra sobre papel, a la que ha conferido en ocasiones volumetrías propias de la escultura—, destacan las estampas realizadas para el poemario de Jorge Guillén, Más allá. O las que realizó para una obra del

filósofo Martin Heidegger, en 1959, año en el que participó en la II Documenta de Kassel. Posee el Premio de las Artes de Francia, el Premio Príncipe de Asturias, concedido en 1987, y es académico de la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

El peine de los vientos

MUJER Y PÁJARO

Mujer y Pájaro La obra fue inaugurada en 1983 sin la presencia de su autor debido a los graves problemas de salud que padecía, muriendo meses después de la inauguración a la edad de 90 años. Mujer y Pájaro fue una de las primeras expresiones de arte público de la ciudad condal de la era democrática.

Situada en el parque de Joan Miró de Barcelona, al pie de un gran lago artificial, la escultura fue realizada en hormigón y con 22 metros de altura, representa una forma femenina con sombrero y sobre éste la imagen de un pájaro. La silueta de mujer se soluciona con una forma de hoja alargada y ahuecada. Por todo su exterior se encuentra recubierta con cerámica de colores rojos, amarillos, verdes y azules.

Mujer, pájaro y estrella es una de sus obras más conocidas. La identificación de los personajes depende de la imaginación de quien contempla la pintura, y es el título el que da las pistas de lo que representa. Se observa la facilidad de Miró para combinar los colores y las formas geométricas.

CONSTELACIONES

Pintadas entre los años 1940 y 1941, en Varengeville-sur-Mer, pequeño pueblo de la costa de Normandía, Miró se sintió atraído por el cielo y empezó una serie de 23 pequeñas obras con el título genérico de «Constelaciones» realizadas en formato de 38×46 cm, con un soporte de papel que el artista humedecía con gasolina y lo fregaba hasta conseguir una superficie con una textura rugosa. A partir de aquí ponía el color manteniendo una transparencia para crear el aspecto final deseado. Sobre este color del fondo, Miró dibujaba con colores puros para lograr el contraste.

En las constelaciones, la iconografía quiere representar todo el orden del cosmos, las estrellas hacen referencia al mundo celestial, los personajes simbolizan la tierra y los pájaros son la unión de ambos.

NATURALEZA MUERTA CON ZAPATOS VIEJOS

Realizada también para el Pabellón español, reproduce la sensación de angustia, de dolor y de pánico que se estaba viviendo en España. Los objetos utilizados adquieren carácter simbólico, como por ejemplo, el zapato que se hace enorme y el tenedor que pincha de forma salvaje una patata.

Responden a una visión fantástica, con imágenes distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas retorcidas o extrañas construcciones geométricas. Las figuras se disponen sobre fondos neutros y planos de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. Posteriormente desarrolló obras más etéreas en las que las formas y la figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y explosiones de color, abriéndose paso en la abstracción. Elabora su pintura inspirado en Paul Klee, que pertenece a la escuela surrealista, aunque se vincula con la abstracción.

Para Mondrian el lienzo como superficie plana sólo puede contener otras formas planas, por ello admitió sólo líneas y ángulos rectos que forman la retícula característica de sus obras. Quería expresar lo universal de la realidad y para ello se valió de los colores primarios (rojo, azul y amarillo), que consideraba los colores elementales del universo, y los no-colores (blanco, que es una mezcla de todos los colores, y negro, que es la falta de ellos). Su teoría puede resumirse en una frase dicha por él: Solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario.