LOBOSUELTO

lucia carricaburumostra tu arte

ensamble culturalmostra tu arte

LOGOS DEL ROCKsegunda parte

Septiembre 2011 - Nº 19

EL CASTOR+Y TAMBIEN LA LLUVIA+CABEZAS HUECAS+SERIESCINE Y TV

FERIA DEL LIBRO 201110 LIBROS CON MUSICA

DISCOS NUEVOS/CLASICOS

seleccion de peliculas

woody allen

LOBO

SUELTO

Lobo Suelto Revista Digital

STAFF

Dirección Gereral, Diseño Gráfico y Diagramación: Victoria Clementi

Redacción: Victoria ClementiMarina MiguelLila MartínezAriel BritosRocío MarrucoEugenia CeballosGuido CambareriManuel MontaliCC.Ivana LorenzoEmanuel SanabriaMartín Ghisio

Fotografía:Lila MartínezVideo:Juano CarrizoWilly BuzzLila Martínez

INDICE

6Arte y diseño:Logos del rock

10 Mostra tu arte:Sofia Carricaburu

14 Mostra tu arte:Ensamble cultural

Discos26Literatura y Fútbol

Mostra tu arte:Ensamble cultural

22 2da parte:Woody Allen

28

30

32 Rock Movie Cabezas huecas

38 Series

44Feria del libro

50 Discos

Nota: CC.

ARTE Y DISEÑO

Logos rockeros de la A la ZComo te dije en la nota anterior, un logo es una pequeña puerta de entrada a un sinfín de posibilidades comunicativas. Un logo funciona como una de las características de la personalidad de un músico o una banda, una empresa o un producto, que como todo

proyecto, vive, se desarrolla, crece, pero en este caso, un logo así como cualquier símbolo, nunca muere, porque representa parte del espíritu creativo de aquello que encarna. Y se sabe, un buen logo, es capaz de perdurar muchos años sin ser alterado además de

adaptarse a infinidad de soportes sin perder su potencia y buena presencia gráfica. No he venido a dejarte una cátedra de diseño gráfico, sino a rescatar algunos de los mejores logos del rock para que vos mismo puedas darte cuenta de lo que estoy hablando y que comencemos a manejar otro código, el visual, en donde las palabras sobran, los colores,

las letras bailan, y la fotografía o la ilustración se expresan por sí solas.

Logos rockeros de la A la ZMisfits

De primera mirada, cualquier reminiscencia a un esqueleto, por muy icónico que sea, da escozor.

La calavera, uno de los símbolos que mejor personifica la sensación de terror visceral, forma parte de la fuertísima identidad de los Misfits, una de las bandas más representativas del horror punk de Norteamérica. Tomada de la película de terror clase B “The Crimson Ghost” y perfectamente conjugada con una tipografía roída y temblorosa, no necesita ni siquiera un poquito de color para transmitir su esencia, a secas, da miedo.

Pearl Jam

Un poco en respuesta a la carita feliz y desorientada de Nirvana, la contraparte del grunge se creó una identidad con un poco más de contenido y con una estética urbana y desgreñada. Además de carita, sumó un cuerpito aniñado con manos extendidas que parece decir, gracias al cielo, sigo vivo… Ideada por Jeff Ament, quien fuera aficionado al diseño gráfico, para el disco “Alive”, este logo representa de manera fidedigna el espíritu despojado del grunge y la estética de los 90’s.

The Who

Desarrollado por el artista Brian Pike en el ´64, se estableció como logo de manera casi accidental. En aquel entonces el encargo de trabajo consistió en

diseñar un afiche promocional para un recital que los Who ofrecerían en el Marquee Club de Londres. A partir de entonces, tanto los colores como la solución gráfica propuesta se convirtieron en íconos de los Mods.

Prince

Un símbolo que no necesita especificar con ninguna leyenda a quien representa. Una fusión de la forma femenina por excelencia (el círculo, ícono de la matriz contenedora de vida)

con delicados recovecos y terminaciones ángulo-fálicas, logra remitir claramente a la personalidad refinada, sexualmente ambigua y poderosa de Prince. Declarada como el “love symbol” esta señal, además de ser reproducida en los formatos más extravagantes, como el cuerpo de una guitarra, también acarreó algunos problemas. Generó un enfrentamiento entre la discográfica y el artista, que en su afán visual ya que no quería ser llamado Prince, sino ser conocido simplemente con este diseño.

QueenUn desarrollo lleno de mística y heráldica, con un espíritu clásico, determinado, refinado y sutil. Creado por el mismo Freddie Mercury, esta identidad representa las diferentes personalidades y los signos zodiacales de todos sus integrantes. Los leones se asocian a Roger Taylor y John Deacon, ambos de Leo. El cangrejo es Brian May. Las hadas bajo la “Q” representan a Freddie,

que era Virgo. El pájaro que corona el logotipo, remite al Ave Fénix y simboliza el carácter inmortal del grupo. Un logo que fue acompañado de una tipografía que también logra traducir los mismos valores.

Ramones

Ideado por el artista neoyorkino y amigo de la banda, Arturo Vega, el emblema ramonero fue inspirado en el sello del presidente de los Estados Unidos con el objetivo de generar una empatía gráfica entre la gente y el grupo. El águila descubre una rama de manzano en lugar de una rama de olivo (ya que los Ramones eran tan americanos como el pastel de manzana), mientras que las flechas fueron sustituídas por un bate de béisbol, ya que Johnny era fanático de tal deporte. Vega se inspiró para hacer este diseño icónico, luego de ir a ver a la banda en Washington DC, dónde notó que Ramones era la última banda de rock de todos los estadounidenses.

QueenUn desarrollo lleno de mística y heráldica, con un espíritu clásico, determinado, refinado y sutil. Creado por el mismo Freddie Mercury, esta identidad representa las diferentes personalidades y los signos zodiacales de todos sus integrantes. Los leones se asocian a Roger Taylor y John Deacon, ambos de Leo. El cangrejo es Brian May. Las hadas bajo la “Q” representan a Freddie,

que era Virgo. El pájaro que corona el logotipo, remite al Ave Fénix y simboliza el carácter inmortal del grupo. Un logo que fue acompañado de una tipografía que también logra traducir los mismos valores.

Sex Pistols

Dibujado en 1977 por el diseñador británica Jamie Reid (cofundador de la revista anarquista “Suburban press”) para la portada de “God save the queen”, se convierte a

partir de ese momento en la identidad oficial de la banda y hace extensiva la inolvidable estética punk que tomaba las tecnologías en auge como las máquinas fotocopiadoras, para distorsionar y crear a partir de la ruptura gráfica, un sentimiento de de caos y protesta de todo lo establecido como norma social. Reid se valió de algunas letras recortadas de diferentes estilos con la finalidad de crear un collage que remita a la carta de un extorsionista.

Lucía Carricaburu

“Las imágenes que me gustan retratar generalmente no son momentos instantáneos sino generados. Me gusta mucho el fotomontaje, la foto publicitaria y de moda... últimamente estoy investigando un poco la rama de lo social (fotoperiodismo)”.

Lucía Carricaburu nació en Buenos Aires el 21 de Septiembre de 1987, día del

estudiante y del fotógrafo, profesión en la que se formó en Córdoba. “El proceso de cómo me di cuenta realmente de que me gustaba fue algo raro, pero una cosa

lleva a la otra y aquí estoy”, contó a Lobo Suelto.

mostra tu arte

Lucía Carricaburu“Me gusta poder transmitirle a la gente mi punto de vista de las cosas, y saber que eso llama la atención es muy gratificante. Saber que por ahí aportás una idea, una reflexión, o tal vez una critica en la cabeza de alguien… ¡está buenísimo!”

“Me inspiran los sueños. Sueño mucho las cosas... otras veces encuentro inspiración en cosas rebuscadas o que tal vez la gente toma como “Feas”, y de ahí surge mi idea de poder cambiarlas. Me gusta generar opiniones, que la gente se suelte e interprete”.

obras“Creo que los riesgo no existen en la fotografía, creo que nadie es conformista y uno siempre quiere superarse, obviamente depende de cada uno hacerlo o no. Yo me arriesgo y pruebo. La idea de quedarme estancada en algo y decir “¿Qué podría haber pasado?” no la acepto ni loca. ¡Tiempo para equivocarse hay de sobra! Me gusta tratar de superarme constantemente, ¡sino la vida es aburrida!”

“En cuanto a proyectos a futuro, hay muchos. Por empezar quiero poner un estudio propio de fotografía, también me gustaría irme al exterior a “probar suerte”. En fin, es ser reconocida por lo que hago, ¡por lo que Amo hacer!”

E-mail de contacto de Marón Barberis

“¿El momento ideal para sacar una foto?... todos!”

Muchos somos los que llegado un punto del día, después de varias horas de trabajo o estudio, buscamos airear las neuronas y mover un poco el esqueleto, nos tomamos un respiro y salimos de la oficina o el negocio, de casa o de la facu, almorzamos, merendamos, fumamos un cigarro, caminamos hasta que suena la

Del 18 al 26 de Agosto, en la Plazoleta del Fundador, la Organización “Ensamble Cultural” hizo partícipe a todos los

transeúntes de la exposición de 30 obras de arte contemporáneo de diferentes artistas argentinos en homenaje a 5 grandes

maestros de referencia: Mark Rothko, Jackson Pollock, Friedensreich Hundertwasser, Xul Solar y el cordobés Ernesto

Soneira. Así lo viví yo.

Ensamble Cultural

campana de regreso o de salida... Para mí los mejores paseos creativos son esos en que, sin esperarlo y en el mismo lugar de siempre, de repente te topás con una fiesta distinta. Y digo fiesta porque ahí donde exista expresión artística, para mi es sinónimo de show y alegría.Y mirá el ensamble que encontré en este jodido mes de Agosto.

Quiero Calle!Mediamañana, cámara en mano y un sol tímido pero exacto. Largo con la primera ronda de disparos. Precalentar retinas. Una recorrida metafísica por todas y cada una de estas 30 obras, mientras espero a Mariana, una de las portavoces de “Ensamble Cultural”, una organización de gestión,

Nota y fotos: CC.

mostra tu arte

promoción y desarrollo cultural independiente que desde el 2005 la viene pedaleando duro y parejo para que el arte se retire del salón y salga a la calle, a oxigenarse y conectar con el movimiento urbano. Un ensamble de piezas que con dedicación y energía, está tendiendo puentes entre la gente y la cultura. En esta oportunidad la rampa que nos llevaría al otro lado de las cosas, tenía como soporte a LifeStyle Desarrollos urbanos, a Ensamble Cultural y la Fundación Rosalía Soneira, además de reconocidos mecenas que con su aporte, hicieron posible que 30 artistas materializaran sus emociones y salieran a respirar, a compartirlas con nosotros, los del mundo. La propuesta, difundida

por las más ardientes vías de comunicación (redes sociales, blogs, email, prensa, tecnología, bluethoot, celulares del más allá y todo eso…), consistió en organizar el Primer Concurso de Arte Contemporáneo en la ciudad, con el objetivo de convocar artistas de toda Córdoba, a presentar una obra por cabeza, inspirados en aquellos que fueron, y seguirán siendo, hitos de la pintura contemporánea: Mark Rothko, Jackson Pollock, Friedensreich Hundertwasser, Xul Solar y Ernesto

Soneira, cordobés él. Bien ahí!

De público conocimientoCon los astros alineados y el corazón trepándome por la laringe, (cuántos colores! mire señora!), el sol se retira y da paso a Mariana, una de las portavoces del ensamble, otra luz solar que desde lejos me intuye y enseguida se acerca y nos sumergimos en una charla intensa, llena de entusiasmo, claridad, velocidad, ritmo y armonía. No soy periodista, soy diseñadora. Las notas que tomé fueron verdaderos jeroglíficos gráficos. Dios quiso que esta vez, mi memoria de pescadito cobrara dimensiones nunca experimentadas y que el concepto de “memoria selectiva” se hiciera carne.Más embebida del concepto presente en cada obra y entendiendo qué, cómo, cuándo

y donde, me pregunto, por qué? Le pregunto, por qué éstas obras? Considerando de antemano que los 98 bocetos que recibieron son semillas de una gran obra, un jurado altamente calificado en la materia (gente del arte, se entiende), seleccionó con éxito entre las concursantes, 30 pinturas de gran formato que a través de “Ensamble Cultural” serían dispuestas estratégicamente, a convivir por un período de 9 días, junto a uno de los centros históricos más importantes de nuestra city, la nunca y bien ponderada, Plaza San Martín. La intervención, rebozante de fuerza y determinación, vistió uno de los muros con mejor cara y vista de la Catedral. Si, fue una fiesta. Visitas guiadas para escuelas (qué divertido!), amas de casa, teenagers, abuelas, empresarios, secretarias, carteros, canillitas,

cospeleros, floristas, rockeros, cumbieros, sucios, limpios, buenos y malos, todos juntos al son, nutrimos nuestras células visuales con 30 platillos cromáticos y exóticos. Pura vitamina. Excelente aperitivo! Y por si te habías quedado con ganas de un bocadito más, en el Cabildo Histórico, se expusieron los bocetos concursantes, como parte fundamental de este proceso creativo.

Todo concurso tiene un ganador, o dos.Por qué no dos? Después de entender que el primer porque de todo esto era democratizar el arte, bajarlo a todos los estratos sociales, sacarlo a la calle y aggiornarlo a contextos de significación histórica y arquitectónica para revalorizarlos como uno de los pilares del arte

y la cultura, nace la pregunta del millón (que en esta oportunidad valió $20.000, mitad para un ganador y mitad para el otro). Si Gente del Arte elije a uno de ellos, entonces… Quién elije al segundo ganador? TODOS NOSOTROS, que también tenemos potestad y ganas de expresarnos a través de la identificación artística, con el arma de nuestras emociones más sencillas, como la vibración eléctrica que transmite un naranja de cadmio disparado sobre un fondo turquesa. Y qué importa si sabés o no el nombre técnico de cada detalle, lo importante fue que en ese mismo momento y en ese mismo lugar, un montón de personas juntas estábamos sintiendo cosas parecidas. Oxitocina. Energía. Conexión universal. Bloothooth. Click. Subir. Bajar. Enviar. Me gusta.

Con 3 criterios de votación (jurado, público itinerante y medios digitales), y a través del sistema de boleta única, los apremiados en esta oportunidad fueron, Marta Chiarlo (seleccionada por el jurado) y Gabriel di Marco (elegido por la gente).Pero este reality del arte no se termina acá: las 30 obras seleccionadas serán movilizadas

Si estás interesado en formar parte de esta propuesta o querés conocer más acerca de pasado y futuros ensambles, mandate por estas vías: http://ensamblecultural.blogspot.com/http://www.concursolifestyle.com/

de un lado a otro para formar parte de las diferentes etapas de exposición, durante todo este año. Y además, 4 de ellas (no necesariamente las premiadas), serán a su vez escogidas para formar parte de uno de los proyectos urbanísticos de LifeStyle.

Nota: Manuel MontaliSon varios los dichos populares que advierten sobre las secuelas, acusándolas incluso de volverse como una marea sobre la trama original para atentar contra su legado. Mucho de mareas y este tipo de defectos se encuentran en “Pirates of the Caribbean 4: On Stranger Tides”, dirigida por Rob Marshall. La originalidad de los personajes que tantas buenas críticas le valió en principio, como el particular carácter etílico del pirata principal, Jack Sparrow (Johnny Depp), tras cuatro episodios termina perdiendo la gracia y convirtiéndose en un hecho predecible, como lo son otro cameo de Keith Richards y el juego de seducción-rechazo que entabla el Capitán del Perla Negra con un antiguo amor de su pasado y nuevo personaje de la saga, la pirata Angélica (Penélope Cruz), quien ha venido a reemplazar a la

histérica Elizabeth Swann (Keira Knightley), con quien se ha ido también -por suerte- el inútil de Will Turner (Orlando Bloom). No obstante, esta cuarta aparición cuyo eje principal es la búsqueda de la tan ansiada fuente de la juventud, tiene el atractivo de regresar precisamente a sus fuentes, es decir, a los parámetros del primer episodio, “La Maldición del Perla Negra”, tratando el capítulo como un unitario que, si bien deja la escotilla abierta para una próxima secuela, resuelve la mayoría de sus conflictos, sin incursiones por terrenos intrincados y no del todo firmes como “El cofre del hombre muerto” y “En el fin del mundo”.La revisión de misterios y hallazgos clásicos en los mares del mundo siguen siendo uno de los fuertes de la saga de Walt Disney, en este caso a partir de

Cine y TV

peliculas de director

2da parte

woody allen:seleccion de peliculas

Con mas de 40 películas dirigidas Woody Allen podría ser considerado una maquina de sacar films. Lo deslumbrante es que cada uno posee una personalidad caracterizada por un estilo cargado de nostalgia y sentido. Explorar su filmografía es caprichoso. Para acortar el berrinche la consigna de Lobo Suelto se divide en dos partes: Que estén en Cuevana, fácil acceso y excelente calidad garantizada; Que no fueran los clásicos de oro como Manhattan (1979) o Radio days (1987) ni las nuevas películas ganadoras de premios y consagradas como Match Point (2005) o Vicky Cristina Barcelona (2008).

Nota: Guido Cambareri

2da parte

woody allen:seleccion de peliculas

Zelig (1983. Escrita, dirigida y protagonizada por Woody Allen)Esta film es un falso documental que aborda el fenómeno mediatico y la vida en general de Leonard Zelig, el hombre camaleón. Zelig, interpretado por Woody, es un personaje que se adapta de una manera física al entorno en el que se encuentra. La numerosa falsa documentación que el film maneja incluye fotos antiguas, grabaciones de audio y video entre testimonios de personas que lo conocieron y confirman de la extraña habilidad de Zelig, negro entre los negros, gángster entre los gángsters, judío entre los judíos. El recorrido por la vida de este sujeto es a la vez un viaje por la historia de los Estados Unidos y por sus estilos audiovisuales, burlando a sus décadas más excéntricas. Woody logra una película multifacética, donde utiliza la estética del documental para mezclar archivo con increíbles falsificaciones fieles que imitan hasta las imperfecciones del material de aquella época, recreando una época a través de lo que dejo y queda hasta hoy. Mia Farrow hace de la Doctora Eudora Flescher, una obsesionada medica psiquiátrica que dedica su vida al “fenómeno Zelig”, como se denomina el caso una vez que toma carácter mediático. Luego se enamoran. Mención especial para sus sesiones de hipnosis.

La Rosa Purpura del Cairo (The Purple Rose of Cairo. 1985. Escrita y dirigida por Woody Allen)Cecilia (Mia Farrow) es una mujer pobre que está viviendo la época de la depresión norteamericana de los ’30 presa entre un trabajo explotador de camarera y un marido que la engaña y la humilla por igual. Su única salida es ver en el cine de su barrio una y otra vez la película The Purple Rose of Cairo, que la sumerge en el elegante mundo de tórridos romances de films como los de Fred Astair y Ginger Rogers. Una noche Tom Baxter, el personaje protagonista de la película comienza a hablarle desde el film, sale de la pantalla del cinematógrafo y se fuga con ella.El film está planteado como una fabula mágica sobre la naturaleza del amor. El amor en las películas y en la vida real. Tom Baxter es un hombre ideal pero que solo conoce el universo de la única película que le toco representar. Cecilia está sumergida en la realidad y sabe que no puede amarlo. En esta película Woody contrasta el falso ideal de Hollywood con la miseria que vivía el pueblo yankee en la época de la crisis. A su vez explora las reacciones de las compañías cinematográficas, desde los productores que se preguntan “los reales quieren ficción y los de ficción quieren realidad ¿Quién los entiende?”, hasta Gil Sepherd, el actor que interpreta a Tom Baxter (ambos son Jeff Daniels), que sale a capturar a su personaje por temor de que pueda arruinar su carrera emergente.

Sombras y niebla (Shadows and fog. 1992. Dirigida, escrita y protagonizada por Woody Allen)Una ciudad sumida en la niebla y la oscuridad es asediada por un estrangulador que mata protegido por las tinieblas. Kleinman, el típico personaje débil e hipocondriaco de Woody Allen, es arrastrado por sus vecinos a buscar por las calles al asesino. Él forma parte de un plan que no conoce y del que nadie quiere decirle de que se trata. Temerosamente se sumerge en la espesa noche sin valentía, sin saber muy bien qué hacer y siendo hostigado y amenazado por los personajes con los que se encuentra. Su divagar por las calles ajeno a aquello que depende de él para salir bien, el peso que lleva sobre sus espaldas sin mucha explicación, acerca su sufrimiento a divagaciones filosóficas sobre la mediocridad de la condición humana dignas de encrucijadas Kafkianas. La historia de Kleinman se cruza con muchas otras que transcurren en la misma noche y pintan un retrato de la gente que da vueltas en la aparentemente vacía ciudad: una pareja de cirqueros (Mia Farrow y John Malkovich) discuten y ella se fuga en la noche, siendo recogida por un grupo de prostitutas (entre las que se encuentran Katie Bates y Jodie Foster). El superelenco de este film de Woody se completa con Madonna y John Cusack. Estéticamente, la película es una de las más logradas, exhibiéndose en claro homenaje al expresionismo alemán de los años ’20, característico en realizadores como Fritz Lang y Friederich Murnau. La fotografía oscura de del film favorece los climas de thriller que adquiere por momentos: persecuciones en las que todas las calles se transforman en la misma, sombras que avanzan en la tiniebla, esquinas en penumbras con luces que se apagan.

Celebrity (1998. Escrita y dirigida por Woody Allen)Kenneth Branagh interpreta a Lee Simon, un periodista neurótico y reflexivo (con los comportamientos y gestos espásticos del propio Woody Allen) que se ve envuelto en un trabajo de seguimiento de celebridades. A partir de la relación que entabla con algunos de sus entrevistados este periodista reflexiona acerca del sentido de la fama y de las personas que habitan ese circuito exclusivo de ser estrella de cine. También esta su ex mujer Robin (Judy Davis), que cayó en un pozo depresivo luego de separarse y por causa del miedo y la frustración que esa situación le creó se desenvuelve socialmente de una manera patética. Las historias que se crean giran a través de la inserción de esta ex pareja en el mundo frívolo de las grandes estrellas de los medios, personajes frenéticos encarnados por Leonardo DiCaprio, Melanie Griffith y Winona Ryder. El film tiene una narración desordenada, con saltos temporales cortantes. Está filmada en blanco y negro. Las tomas largas, contemplativas y tan personalmente creadas hacen que uno se deja conducir con los personajes por cocteles o habitaciones de hotel. Data Inutil: En esta película trabajan dos grandes actores de voz de Los Simpsons. Por un lado Joe Mantegna interpreta a Tony Gardella, el productor de televisión que comienza una relación con Robin. En Los Simpsons le pone voz al capo de la mafia de Springfield Fat Tony. Por el otro está uno de los más grosos, el gran Hank Azaria. En la peli hace el papel del novio de Nola (Winona Ryder), una de las entrevistadas de Lee. En la glotis de Hank se acumulan muchos habitantes de Springfield, entre los que se destacan Moe, el jefe de policia Wiggum y Apu,. Aunque también interpreta personajes tan disimiles como el Prof. Frink, Cletus, Snake, el Hombre Duff, el Abejorro o el Tipo Gordo del las Historietas. Woody también dirigió en cinco ocasiones a Julie Kavner, conocida mundialmente por ser la voz de Marge Simpson.

Dulce y melancólico (Sweet and lowdown. 1999. Escrita y dirigida por Woody Allen)Es la historia de Ray Emmet, guitarrista de jazz de los años ’30, playboy, ladrón y borrachín. El documental, basado en las anécdotas de Emmet, está conducido por la voz en off de Woody y su aparición esporádica sumada a los testimonios de otros aficionados al jazz. Ray posee la personalidad de una rata oportunista, sin más moral que la de su propia conveniencia. Pasa su tiempo coqueteando con mujeres, disparándole a las ratas en el basurero o emborrachándose en las vías del tren. A duras penas puede sustentar su vida gracias a su increíble habilidad como guitarrista, que lo mete en sitios adinerados que le dan crédito para armas nuevos manejes. Sean Penn interpreta con destreza a este tipo entre talentoso y cretino, con un bigotito de sorete y una voz chillona que se destaca entre los hipócritas círculos de fumadores mientras les da órdenes por debajo a sus putas. Su actuación adquiere esa liviandad a la comedia de la vida de Ray Emmet y el peso dramático necesario en sus momentos con la guitarra, su único ser digno de fidelidad. Las partes de interpretaciones musicales están logradas con el ritmo de la nostalgia lagrimosa de Woody, idealizando esa época dorada fetiche en su producción. Oídos bien abiertos al jazz del gitano Django Reinhardt, verdadero genio creador de la mayoría de los temas que tocan Ray Emmet en la ficción del film y uno de los capos más grandes de la guitarra que vivió por los años ’40. Entre el elenco hacen bolo Uma Thurman como una de las mujeres de Ray y el gran John Waters.

cine

Y TAMBIEN LA LLUVIANota: Eugenia Ceballos

Y también la lluvia es una historia que serpentea constantemente entre diferentes tiempos ficcionales logrando no hacer perder en ningún momento al espectador, por el contrario, te mantiene atento, atónito y hasta saca a flote alguna emoción. Dirigida por Icíar Bollaín (Flores de otro mundo, La noche del hermano) y guionada por Paul Laverty, es una de las apuestas más arriesgadas y ambiciosas de la cineasta española que consiguó

representar a España en los premios Oscar en 2010. Sebastián (Gael García Bernal) es el director y Costa (Luis Tosar) el productor de una película que intenta reflejar otra mirada sobre la llegada de Colón a América y el desarrollo inmediato de los colonizadores en tierras ajenas, mostrando a un español interesado y cruel. Hasta ahí, lo que ya todos mas o menos conocemos.Costa y Sebastián son aparte

íntimos amigos y trabajan juntos en un proyecto ambicioso, deciden rodar la película en Cochabamba, Bolivia ya que el paisaje selvático encaja perfecto y pueden arreglar a los extras en el papel de “indígenas” con muy poco dinero. Mientras se está filmando la película el pueblo de Cochabamba se enfrenta a una lucha real (dentro y fuera de la película) contra una multinacional que pretende tomar el control del agua de la ciudad. Es ahí donde

realidad y ficción comienzan a entrelazarse, mientras la población nativa de América es saqueada y oprimida en un tiempo ficcional, el pueblo boliviano es avasallado en un plano real. Daniel (Juan Carlos Aduviri), es el líder de los aborígenes dentro del film y también es quien lleva la voz cantante en la pelea contra la empresa privada en la vida real, los cineastas pretenden impedir que el personaje principal de su película se meta en problemas para no detener el rodaje del film, lo que e va a convertir en una difícil tarea y al mismo tiempo los va a llevar por un viaje de introspección personal y emociones encontradas.El conflicto hace cambiar los roles. Sebastián que en un principio se mostraba más humano, se obsesiona con finalizar el film y Costa comienza

una búsqueda interior, removiendo el pasado y teniendo que decidir entre ayudar a una niña o ponerle fin a su proyecto.Una propuesta arriesgada que consigue una historia coherente, personajes convincentes con un componente social con el que cualquier latinoamericano se puede identificar.

El paralelismo planteado por el guión no hace mas que rever la historia que desde hace 500 años se repite. Una historia en la que aunque cambien los tiempos y los escenarios, “conquistadores” y “conquistados” siguen siendo los mismos.

cine

EL CASTORNota: Emanuel Sanabria

La nueva de Jodie Foster como directora se parece mucho a lo que la industria del cine viene lanzado estos últimos años como comedia-dramática-sobre-familia-disfuncional. Esto es, una copia de la estética del llamado “nuevo cine indie norteamericano” (léase P. T. Anderson, Wes Andersen, Solodz, Linklater, etc.), respaldada en historias que distan mucho en calidad en relación a los productos de la corriente de referencia. Y a pesar que la productora de “The Beaver”, “Summit Entertainment”, pueda ser

considerada dentro del espectro independiente (aunque también sea responsable de bodrios como la saga “Crepúsculo”, entre otros), en The Beaver prima el uso del trazo grueso en la narrativa y la construcción de los personajes, tan típico del costado malo de Hollywood, al cuál los matices siempre se les escapan entre los dedos (no así los billetes, claro). Así, la gran H solo vislumbran dos posibilidades: un raconto de situaciones de desencuentro entre personajes esterotipados hasta lo ridículo (y en esta

película hay un espacio bien grande para el ridículo, como ya veremos) que se resuelve en un final exageradamente feliz; o bien, se plantea el mismo recorrido, pero esta vez conduce a un final desmesuradamente trágico. La moral hollywoodense, como vemos, no admite grises.¿Qué nos cuenta “The Beaver”? (o, según la siempre herética y desconcertante traducción latina, “Las Dos vidas de Walter) La cuestión es bien sencilla: Walter (Mel Gibson) es CEO por herencia de una compañía de

juguetes y sufre de una depresión “terminal”. Su familia, mamá workaholic Foster, hijo edípico en fase terminal Porter e hijo edípico inicial Henry, cansados de su enfermedad, echan a Walter de casa. Walter alquila un cuarto y sin más remedio, decide poner fin a su vida. Pero en pleno intento, una marioneta de castor cobra vida en su mano (?) y salva la de Walter. Así, a partir de ese momento, W. solo se expresará a través del monigote, presentándolo/se orgulloso como su nuevo terapeuta. Por otro lado, la necesaria subtrama: al hijo mayor (que odia a W. profunda y freudianamente) se le acerca la chica más linda del colegio para entablar una relación en principio laboral, pero que termina, o mejor, puede resumirse en la siguiente fórmula: chica popular y linda, que resulta ser feucha por dentro, se

enamora de freakie promedio, que resulta un manantial de coolness. Y a todo este compendio de lugares comúnes (exceptuando el castor, que intenta aportar algo de delirio a la Michel Gondry, pero termina funcionando como una cruza entre Chucky y Patch Adams, y que además, siendo la excepción, confirma la regla de absoluta planicie del resto de los personajes) se le suma un final que, bueno, prefiero (confieso, con algo de sadismo) que vivan o sobrevivan ustedes mismos.

ROCK MOVIE

CABEZAS HUECASNota: Victoria Clementi

En esta oportunidad en Rock Movies les traemos “Cabezas huecas” o en inglés titulada “Air Heads”. Esta graciosa comedia lanzada en 1994 y dirigida por Michael Lehmann, cuenta la historia de tres

jóvenes que toman un estudio de radio con pistolas de juguete casi accidentalmente para

que transmitan al aire un tema de su banda y así hacerse un poco conocidos en la bendita ciudad de Los Ángeles. El que no tuvo la oportunidad de verla o no le presto atención, la recomendamos

para algún domingo de resaca rockera.

Lo destacable de esta película es en su mayor parte, la reunión de actores y artistas talentosos, que si no lo eran en ese momento lo poco tiempo después. Como protagonista principal interpretando a Chazz, líder de la banda ficticia de hard rock “Los llaneros solitarios”, se encuentra

Brendan Fraser, haciendo del típico rockero vago, sexy y medio tonto. Los compañeros de grupo en la cinta son Rex, por Steve buscemi y el algo bobo y tierno Pip representado por Adam Sandler, que todavía era sólo un cómico más en Hollywood, siendo este recién su cuarto film. Además

el locutor programador de la radio “KPPX” es el talentoso Joe Mantegna. Por otro lado, también aparece haciendo del característico policía al que todos burlan, el querido y cómico Chris Farley, para el que no lo ubica es el gordito de un “Un ninja en Beverlly Hills” que miles

de veces transmitieron en la TV. Otro de los artistas que participa y también luego hizo carrera es David Arquette, interpretando a Carter, un joven empleado de la radio. Un elemento destacado de esta película es la banda de sonido que obviamente, como no podía ser de otra forma, esta integrado por rock californiano de los 80’ y 90’.

El tema que encabeza la lista es “Born to raise hell” de Motörhead, que cuenta además con el video clip que retrata el film. Asimismo se encuentran otras canciones de intérpretes como los Ramones, Aerosmith y White Zombie entre otros. Además de contribuir con la banda sonora, Lemmy Kilmister (Motörhead), participa en una pequeña escena.

Pero la mejor parte es cuando Chazz (Brendan Fraser), está negociando con un productor y le hace unas preguntas de prueba entre ellas: ¿Quién ganaría en una pelea? ¿Dios o Lemmy?, confuso el hombre responde: ¿Lemmy? Y de atrás Rex (Steve Buscemi) dice: “Error! Pregunta engañosa, Lemmy es dios!”.

Mirá el Trailer

LED ZEPPELIN CONCIERTO REENCUENTRO

dvd

Nota: Rocio Marruco

Si uno se pregunta cuales fueron, y siguen siendo, las bandas más influyentes de todo el mundo, Led Zeppelin seria la respuestas más dada por todas las generaciones. Es que eso tiene Zeppelin, el tiem-po no puede mandarla al olvido. Hay un gran número de bandas

que se consideran influidas por ellos. Entre ellas cabe desta-car a Stone Temple Pilots, Rage Against the Machine, Blind Mel-on, The White Stripes, además de considerarla como cimiento del grunge. Tal ha sido la influencia de la banda en la historia del rock

LED ZEPPELIN CONCIERTO REENCUENTRO

que han sido diversas las forma-ciones que le han rendido tributo. Pero este grupo no es la excepción a los acontecimientos trágicos. En 1980, John Bonham, bateri-sta de la banda, muere y es así que sus compañeros, deciden no continuar. Siempre se ha deseado un concierto que plasmara el reencuentro de esta mítica banda. El 10 de diciembre de 2007 tuvo lugar en el O2 Arena de Lon-dres un único recitalde la banda con el reemplazo deJason Bon-ham, hijo del fallecido John Bon-ham, en la batería. Este concierto fue realizado como parte del Con-cierto Tributo a Ahmet Ertegün, cofundador de Atlantic Records,

quien falleció el 14 de diciembre de 2006.25 Más de 20.000 perso-nas acudieron al primer concierto completo de la banda tras 27 años, Las críticas fueron unánimes en sus elogios a la banda, cuyos miembros han tocado juntos sólo un puñado de veces desde la muerte Bonham Este recital dio origen al DVD, el cual contiene 19 canciones, entre ellas las más conocidas como Rock and Roll, Stairway to heaven, kashmir. Aunque los años pasaron y sus integrantes ya cumplieron más de 60, el espíritu y la calidad musical de la banda siguen intactos. Infaltable.

Playlist

01. Good Times, Bad Times02. Ramble On03. Black Dog04. In My Time Of Dying05. For Your Life06. Trampled Under Foot07. Nobody’s Fault But Mine08. No Quarter09. Since I’ve Been Loving You10. Dazed and Confused11. Stairway To Heaven12. The Song Remains the Same13. Misty Mountain Hop14. Kashmir

serie

Nota: Ivana Lorenzo

UNITED STATES OF TARA:THE FULL F*CK YOU FINGER

Creada por Showtime, es una de las llamadas ‘dramedias’ (combinación de comedia /

drama) está protagonizada por Tony Collette, con una producción ejecutiva de Steven Spielberg y el guión de Diablo Cody. Esta serie,

ya terminada, cuenta con tres temporadas y 36 capítulos en total.

UNITED STATES OF TARA:THE FULL F*CK YOU FINGER

Todo sucede en el hogar de Tara Gregson, una aparentemente madre normal de familia, que tiene que lidiar con un desorden de personalidad múltiple. Este desorden fue originado a raíz de un trauma que sufrió en su juventud y que no recuerda del todo. A causa de ello Tara pasa de ser una madre aplicada con sus hijos a ser ella misma una adolescente de 15 años. Cada capítulo muestra el caos y el desorden que, las diferentes personalidades que viven en el cuerpo de tara, producen en su vida cotidiana. Las diferentes personalidades se manifiestan con cambios de ropa y de aspecto físico, de manera que el espectador puede identificarlas a primera vista.La interpretación de Tony Collette es el eje de toda la serie, interpretando cada persona dentro

suyo como un personaje único. La familia de Tara esta compuesta por su esposo, Max Gregson, sus dos hijos kate y Marshall Gregson y la ayuda incondicional de su hermana Charmaine. A primera vista sorprende la tranquilidad con que los miembros de la familia Gregson toman los cambios de Tara, como se las ingenian para tratar con cada personalidad de su madre y lo que ello, claro esta, supone. Las diferentes personalidades son reveladas capítulo a capítulo, en una intensa lucha por apoderarse totalmente del cuerpo de Tara y vivir fuera de ella. Si bien los capítulos al igual que la serie en sí misma, con más bien cortos, son intensos y muy graciosas las diferentes situaciones que cada personalidad ingeniosamente realiza para complicar aún más el mundo, ya enredado, de la

protagonista. Esta es una serie cuyo personaje principal se relaciona con el exterior mediante personalidades estereotipadas (la dueña de casa perfecta, la adolescente descarriada, el macho republicano, la psiquiatra progresista…) como una forma de lidiar con la vulnerabilidad intrínseca de toda persona y personaje; como una excusa narrativa para hablar de miedos, segregación y abandono.Las personalidades que Tara, como mecanismo de defensa, genera en búsqueda de resolver aquel recuerdo de un abuso enterrado en el pasado, varían y son muy diferentes una de la otra. A medida que la serie avanza las diferentes personalidades de la protagonista pueden empezar a convivir dentro de un mismo cuerpo. Alice (una ama de casa perfecta que viste y piensa de

manera anticuada), Buck (la única personalidad masculina de Tara y no para de provocar problemas por culpa de su agresivo instinto de protección), T (una adolescente de dieciséis años salvaje y fumadora de marihuana) son las primeras personalidades que van apareciendo en la primera temporada. Pero Tara no nos deja sin sorpresas y son más las personalidades que aparecen en la serie. Gimme (Es el alter más extraño de Tara. Tiene un comportamiento similar a un animal), Shoshana Shoabaum (una terapeuta que tiene comunicación

con las otras personalidades, de apariencia hippie), Chicken (esta personalidad representa la infancia de tara cuando ella tenía 5 años) y Bryce Craine (el hermanastro de Tara, es un alter violento que irá asesinando a las demás personalidades).En definitiva United states of Tara ofrece justo que lo esperamos un domingo por la tarde para pasar el tiempo, una serie graciosa e inteligente con diálogos ingeniosos. Capítulos llenos de excentricidades y situaciones llevadas al límite.

serie

SIN CONDENA (1994)Nota: Ariel Britos

TV RETRO

Sin Condena era un programa unitario que se emitía los lunes a las 22hs por Canal 9 durante

1994 y 1995.

El programa era basado en historias reales. Se mostraban los casos policiales más resonantes y controversiales que habían conmocionado a la opinión pública argentina en los últimos años.

De esta forma se expusieron en el programa el casos como el

de Carlos Monzón asesinando a su mujer en el verano de 1988, el caso de Cintia Tallarico, la chica que se suicidó porque su padre ( que finalmente también se suicidaría) no la dejó asistir al recital de Guns N´ Roses en 1992, el caso de Walter Bulacio, el chico asesinado por la policía tras un recital de los Redondos en 1991, la detención de Maradona en un departamento de Caballito por posesión de cocaína y el caso María Soledad, entre otros resonantes de la época.

El elenco variaba según la historia, pasaron por el ciclo Pepe Monje, Luis Luque, Silvina Rada, Ulises Dumont, Gerardo Romano, Germán Palacios, Lara Zimmermann, Norman Brisky, Carolina Fal, Leticia Brédice, Cecilia Dopazo, entre otros.

A pesar de los primerísimos actores, el ciclo dirigido por Rodolfo Ledo fue muy criticado en su momento por su bajísimo presupuesto, esto se reflejaba en los efectos especiales (filmaban

SIN CONDENA (1994)

en un día de sol, cuando en la historia estaba lloviendo). Ese fue el inicio de la decadencia del canal comandado por el zar Romay, recordemos que con el correr de los años se fue transformando en un canal sin contenido y con mayoría absoluta en su programación de “enlatados” que venían de afuera y ya no se les daba cabida a las ficciones y producciones locales.

libros

Feria del libro Córdoba 2011:Rockeate un libro, 10 oportunidades

Nota: Emanuel Sanabria

Ya comenzó en nuestra ciudad la Feria del Libro. Una vez más esta sana tradición se hace un lugarcito entre

las palomas, los vendedores ambulantes y el sonido del cuarteto en la Plaza San Martin, para dar pie a la

celebración del objeto cultural por antonomasia. Y nos parece una excelente excusa para hablar de libros.

Algunos nuevos, algunos viejos, pero todos nacidos del encuentro del rock, el pop y la electrónica con las letras, en su más amplia acepción. A continuación, un decálogo

arbitrario, caprichoso e incompleto, de obras de lomo duro para el deleite del lector rocker.

Crónicas Vol. 1 – Bob Dylan (2005)Tanto y tantos han escrito sobre Robert Zimmerman, que era hora que el viejo Bob les devolviera el gesto. Y lo hace de la mejor manera posible, es decir, a su manera. Crónicas Vol. 1 no es estrictamente un ensayo, ni unas memorias, ni siquiera una autobiografía disfrazada de ficción o una ficción disfrazada de biografía. O quizás si. Quizás esta primera incursión de Dylan en la literatura “seria”, (si dejamos de lado a “Tarántula”, que formalmente parece un compilado de sus letras más lisergicas), con la misma lógica huidiza de toda su obra, sea todo eso junto y mucho más. Leer para creer.

Diarios de Bicicleta – David Byrne (2011)El último renascentista del rock se baja un momento de las dos ruedas y se aboca a contarnos las ciudades que recorrió sobre su bicicleta plegable. De Buenos Aires a Londres y de Estambul a New York, el ex líder de Talking Heads describe con sorprendente lucidez y precisión, la idiosincrasia, las costumbres y los paisajes urbanos y naturales de estas urbes. Y nada amedentrado frente a lo político y lo social, se despacha con comentarios que dejarían tecleando al más pintado de los expertólogos sociales.

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Después del Rock – Simon Reynolds (2010)Por favor, olvídense del título y concentrensé en la diseño de la portada. Bien, esa abstracción geométrica en plena deconstrucción, es una pista sobre el tipo de trabajo que tienen en manos. Reynolds fue el director del Melody Maker durante los 70’s y encabezó una de las épocas doradas de la crítica de rock. Esta compilación de artículos sobre post-punk, electrónica y psicodelia, a cargo de Pablo Schanton, viene a hacer justicia con la ausencia de ediciones en castellano de uno de los analistas más agudos y mordaces de la cultura pop. El rock después del rock no lleva el perfume del dolor, sino el del goce. ¡Sinestésia para todos!

Jardines de Kesington – Rodrigo Fresán (2004)Uno de los más reconocidos escritores contemporáneos de la Argentina conjurando la sombra de James Matthew Barrie, el creador de Peter Pan, para dar rienda suelta a una reflexión sobre la memoria y la infancia. Una novela atravesada por diferentes registros, que aborda al pasar el nacimiento del rock en los swingin-sixties londinenses. Impulsado por una nostalgia demodé, Fresán se vale de múltiples referencias del mundo pop, para construir una trama zigzageante, en medio de un universo personal vasto e sorprendente.

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Balance(o) de la bossa nova y otras bossas – Augusto de Campos (2006) Campos es un poeta y ensayista brasilero que, desde fines de los 50’s hasta fines de los 60’s, recopiló una serie de notas y entrevistas con los protagonistas fundamentales de la bossa nova, y de su hermano menor, el Tropicalismo. Aquí, en casi 450 páginas, nos revela los pormenores formales y sociales del nacimiento de un género, que en su momento, recibió fuertes críticas desde los sectores más tradicionalistas. Destacables e indispensables los análisis de letras, portadas y la cobertura de eventos fundantes como el festival de la MPB de Sao Pablo.

Punk, la Muerte Joven – Juan Carlos Kreimer (2006)Esta es la reedición de un libro que, dicen, fue legendario en su tiempo. Un joven e inmigrante JC Kreimer que en 1977 coincide con la explosión del punk durante una estadía en Londres. Y desde esas coordenadas, nos brinda un fresco de época narrado con el mismo pulso urgente y apasionado que moviliza el fenómeno detrás del que corre. Una obra que vale como análisis, pero mucho más aún como testimonio en tiempo real de uno los momentos cruciales de la historia del rock.

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La Espuma de los Días – Boris Vian (1947)Mejor que ser el mejor es ser primero, dicen. Y esto podría arguirse de la obra del francés Vian, un precursor de esa escritura salvaje que luego podrían de moda los beatnik en los 50’s (Allen Ginsberg, Jack Kerouac y William Borroughs, entre otros). Esta novelita es una de las más amenas y simpaticas del también músico y crítico de jazz. En un tono nostálgico y sensible (casi una parodia de Scott Fizgerald) Vian compone un relato surrealista y desopilante, poblado por personajes salidos de un cómic de Crumb, con iguales dosis de humor y un cinismo corrosivo. ¿Te preguntás “y aquí donde está el rock”? Y es como preguntar donde está el omelette con el huevo frente a los ojos.

Heavier tan Heaven – Charles R. Cross (2001)Si, está bien, están los diarios del mismísmo Kurt Cobain a la venta. Pero si el mango no te alcanza para pagar ese libro-objeto fascinante, o no sos tan fan como para meterte de lleno en la cabeza de este pequeño mártir del rock, también está la exhaustiva y bien escrita biografía de Cross, de edición económica. Aunque bueno, claro, si toda la info que este periodista ofrece sobre Nirvana y su líder, en su paso de retoño a incómodo ídolo de masas, no es suficiente para vos, quizás deberías consultar con una espiritista. O comprar los Diarios. O lo que te de el bolsillo.

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Efecto Beethoven – Diego Fischerman (2004)Atención, no confundir con el “Efecto Mozart” (ese que usaron para engatusar padres babosos, haciéndoles creer que el cerebro del nene iba a crecer solo con la repetición de musiquitas MIDI chotas), aunque la idea de este musicólogo erudito también sea super simple e igual de poderosa: una vez agotado el primer impulso de las músicas populares, comenzó una etapa de canonización de sus variantes, un intento de elevar la música popular a la categoría de la tradición culta occidental. Piazzolla, Gentle Giant, Zitarrosa y Miles Davis, todos compartiendo la inquietud de expandir los horizontes de su disciplina, y Fischerman describiendo la escena con dosis iguales de pasión y espíritu analítico.

Personas en Loop – Diedrich Diederichsen (2005)Otro grande de esa corriente crítica, absolutamente innecesaria, que se ocupa del pop y sus cruciales trivialidades (San Wilde nos redima: “Todo arte es inútil”), en un compilado de artículos y exposiciones de lo más diversas: un tesis antropológica sobre las diferencias del uso del loop en el hip hop y la electrónica; la biopolítica de Focault leída en las curvas de Britney Spears; una crítica a la electroacústica social como posibilidad formal; y una visión siempre personal sobre la cultura posmoderna, que se corre de lugar justo a tiempo, para incordiarnos a ejercer el hábito de pensar “out of the box”.

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Melomano’s Heart

Melomano’s Heart

DISCO HOMENAJE

20 AÑOS DE NEVERMIND:SIGUE OLIENDO A ESPIRITU ADOLESCENTE

Allá en las postrimerías del viejo siglo XX, dejando atrás el Cambalache y doblando hacia el siglo XXI, época en que MTV todavía pasaba buena música (antes de que los realitys basura moldeados por The Real World se extendieran como la gangrena), cuando la única excepción a los videos era primero Beavis y Butt-Head y luego Celebrity Death Match, los cuales mantenían la cuota de necesaria violencia rockera, en aquella época de despuntar adolescente y primeros síntomas rebeldes, rebeldía ingenua, muy lejos del concepto de revolución, me llegó a las manos el primer cassette de Nirvana. Era, por supuesto, Nevermind.Sacaba por entonces mis primeros temas en batería para una banda

20 AÑOS DE NEVERMIND:SIGUE OLIENDO A ESPIRITU ADOLESCENTE

Nota: Manuel Montali

efervescencia no se requieren mayores detalles, las pistas del disco no dan tregua al oyente, son una sucesión de mazazos que sacuden hasta las entrañas, provocando una combustión que obliga al pogo, a saltar y golpearse en danza frenética, soñando volar sobre un escenario y reventarse las vértebras contra los tambores de un atónito Dave Grohl.La primera canción del álbum,

de covers, y esa cinta vino a resumir todo lo que intuía acerca del sentido de la vida, de la existencia en sí. Una vez más, como ya me había pasado con Mercury y Lennon, llegaba tarde. El rubio cantante y guitarrista, de voz y acordes igual de desgarrados, ya se había ido, varios años antes, dejando como legado unos pocos discos con grabaciones algo desprolijas, apuradas como pincelazos arrojados sobre los micrófonos, que sin embargo bastaron para cambiar la estampa musical de toda una generación.Para un adolescente en plena

Smeels like teen spirit, claro está, es el núcleo de toda esa estética musical que encarnaba el trío de Seattle, una filosofía de vida entre nihilista y de contornos misántropos, cuyo mensaje final podría entenderse como un Let it Be, pero reemplazando los pasajes religiosos por feroces insultos y un certero “I don’t give a shit”. Nevermind, no te preocupes, el mundo fue una mierda y lo seguirá siendo, ¿o no?Pero además, en el disco están In Bloom, Come As You Are, Lithium, Polly, esa carrera vertiginosa de Territorial Pissings, Drain You, On

a Plain, los excesos, el vértigo, el éxtasis… y la depresión de Something in the Way cerrando un concierto de hits y combos de golpes uno atrás del otro. Nevermind es así la síntesis perfecta de lo que siempre han sido las composiciones de Nirvana, estados de la conciencia y el espíritu por encima de cualquier poética o riff, pasajes musicales de explícita bipolaridad, que ríen en desencajadas carcajadas para luego caer en la angustia más profunda.Si bien las remeras con la cara de Cobain me duraron mucho más que el efecto narcótico del disco con la inolvidable portada del bebé, a punto de ser cazado por el anzuelo con un billete como carnada -y en la actualidad quizá prefiero enfrascarme en los climas más cuidados de In Utero e incluso de Unplugged

in New York-, pocas obras han marcado mi persona (y la de mis pocos compinches rockeros de una pequeña ciudad cuartetera) como Nevermind, donde los primeros rasguidos de cualquiera de sus pistas son una marca de reconocimiento que trasciende cualquier lenguaje. Difícil adivinar si al principal impulsor del grunge le hubiera agradado tamaño reconocimiento, se sabe, prefirió incendiarse en pleno apogeo antes que consumirse lentamente en las mieles de la decadencia. Aquí abajo, caminando sobre las brasas de la hoguera, sólo nos resta la gratitud. No hay homenaje que pueda agotar los 42 minutos de ese disco que hace 20 años transformó la música para siempre. Oh well, whatever, Nevermind.

discos nuevos / clasicos

nuevo

El sucesor de El Mamut ya está entre nosotros. Inspirado en el mito del boxeador Oscar Bonavena, Ringo es el nuevo disco de una de las bandas del under en los 90 que resurgió con nuevos sonidos que mezclan sus orígenes, en este caso del skate rock y el hardcore punk, con sonidos casi popeados para que suenen en la radio y estén en los primeros puestos.

Ringo es una placa que puede llegar a superar a la anterior, que si bien fue la que originó que Massacre llegue a la cima, a Obras y al Luna Park, le falta algo: que se pueda escuchar de principio a final. Para muchos jóvenes, era inevitable saltear temas y escuchar los hits más

RINGO - Massacre

Nota: Marina Miguel

pegadizos como La Reina de Marte, aunque para otros fue el disco con el que llegaron a la banda y la descubrieron, lo que lo hace importante. Pero Ringo sí lo tiene; es una placa llevadera, que mantiene los sonidos de siempre pero tiene temas contenedores de tiernas melodías, mucho power y letras interesantes cargadas de realidad. La producción estuvo a cargo de Alejandro Vázquez, quien también produjo discos de Carajo, Bersuit e Intoxicados, y fue grabado en los Estudios El Pie, Tonica y El Quincho en Marzo y Junio del 2011. Oscar Bonavena, el boxeador al que le rindieron homenaje con el nombre del disco, tuvo mucho

éxito en el mundo y peleo muchas veces en Estados Unidos, y cuando falleció fue velado en el Luna Park ante más de cien mil personas. Le hablan al éxito, a las personas que padecen o disfrutan de la fama, le cantan al amor, hay conflicto, peleas, piñas, barrios, le hablan a los nuevos militantes políticos; en “Muerte al faraón” dicen algo para resaltar: “Es la revolución y si no, será una revuelta más”, en un momento en que las cosas están tomando otra forma, la política es vista de otra manera por mucha juventud y Argentina es admirada por otros países.

nuevo

Mirror Traffic - Stephen Malkmus

En síntonia con la visión surrealista de sus letras, los cordobeses tuvimos la posibilidad de ver al otrora (cuando lideraba Pavement) príncipe del indie norteamericano de los 90´s en Casa Babylon, cierto jueves del 2004, por la

módica suma de ¡ocho pesos! Y es que, más alla de la anécdota, Malkmus, siempre mantuvo firme su postura de hacer, básicamente, lo que se le canta, y en este caso, le vino nada menos que trabajar con su amigo, vecino y ex-wonderboy devenido clásico, Beck Hansen.

El resultado, como no podía ser de otra manera, es bueno. Y quizás el problema con esto es que frente a la unión de dos potencias semejantes, un resultado bueno, a secas, puede saber a muy poco. En “Mirror Traffic”, este confeso antropólogo obsesivo de la psicodélia mundial (¡el tipo es fan de Color Humano!), se despacha

con una obra de largo aliento, alternando, dentro de canciones folk-pop repletas de contratiempos, melodías redonditas y ensayadas improvisaciones grupales, sin sumar demasiada novedad a su paleta sonora de antaño (exceptuando quizás el arreglo de trompeta del track 2); redondeando así un disco agradable, y algo disperso, que de seguro satisfacerá a sus fans hasta la próxima vuelta.Nota: Emanuel Sanabria

El ansiado disco de Lenny Kravitz, “Black and White America”, salió a la venta el 22 de agosto y sorprendió a lo largo de sus 16 pistas. Este es el noveno álbum de estudio en la carrera de Lenny y otra vez confirma el talentoso artista que es a través de los tracks que integran la placa, que para ser sinceros, ninguno actúa de relleno, cada cual tiene su propia esencia. El material fue grabado en París y en un pueblito muy tranquilo de las Bahamas. Contiene una fuerte dosis de

funk fusionado con otros estilos como en “Black and White America”, “Superlove”, “Sunflower”, entre otros. Además hay rock, que es lo que todos esperamos de este muchacho, así suenan “Come on get it”, que no cesa de sonar en las radios con un rock crudo, “Stand”, más ligado al pop y “Everything”.Por otro lado, se ve que Kravitz estaba inspirado, y dio un buen lugar a las baladas, donde se pueden escuchar “Dream”, “I can’t be without you” y “Push”.El funk, soul, R&B, rock, jazz entre otros estilos se hacen cita en este disco virtuoso y variado que suena bien a Lenny.

nuevo

Nota: Victoria Clementi

Black and White America – Lenny Kravitz

nuevo

No es nada casual que la salida del debut de Is Tropical coincidiera con el comienzo del verano boreal. “Native to” es como uno de esos clásicos amores de verano: frescos, intensos e instantáneos. Pero también fugaces y, en muchos casos, para el olvido. En este sentido, la opera prima del trío londinense, contiene todo aquello que lo hace adecuado a sus fines: hits en potencia (como “South Pacific”, “Lies” y “The Greeks”), recursos de estilos recontra revisitados

(como el shoegaze en “I’ll take my chances” y el 8-bit en “Berlín”), y finalmente un acabado elegante a là New Order, sosteniendo todo el truco. Pero en definitiva, a esta versión 11’ de la New Rave (aquel revival del electro noventoso, comandado por Klaxons y The Rapture) parece faltarle la carnadura suficiente para sobrevivir una vez pasada la temporada: cuando las primeras buenas impresiones se agotan y volvemos a nuestras vidas.

Nota: Emanuel Sanabria

IS TROPICAL - NATIVE TO

El disco debut de la banda liderada por la bellísima Shirley Manson es definitivamente una de las joyitas del rock alternativo.Shirley formaba parte de la banda alternativa Angelfish, fue entonces que en 1993 Butch Vig, el famoso productor de Nevermind de Nirvana se fijó en ella, no para producir un disco de aquella banda, sino para que cantara en su propio grupo que se denominaba Garbage, asi fue que

clasicogarbage - barbage (1995)

estaba todo listo para el álbum debut .Metidos en el estudio durante casi un año, el disco finalmente salió a la venta el 15 de agosto de 1995. El primer sencillo fue “Vow”, una canción enferma y oscura que habla sobre el maltrato y la violencia familiar.Otro de los sencillos exitosos fue “Only happy when it rains”, con el video de esta canción rotando diariamente por todos los canales de música, Garbage dejó de aparecer en los horarios marginales de los canales y comenzó a formar parte de todos los conteos. La canción hace referencia a la difícil adolescencia de Shirley, donde era una víctima constante de abusos y burlas

por parte de sus compañeros de escuela, un verdadero himno emo de los `90.Ya consolidados como una de las bandas más exitosas del momento, le siguieron los sencillos “Queer” y “Stupid girl”, el más exitoso del disco a pesar de contar con el video de menor presupuesto, esta canción hizo que las ventas del álbum se elevaran notablemente hasta quedar entre los 10 más vendidos del Reino Unido durante 1996.Finalmente el último single fue “Milk”, que aprovecharon los MTV Europe Music awards de 1996 para presentarlo en vivo y al día siguiente el video de la canción fue estrenado mundialmente.Nota: Ariel Britos

Finalmente no hubo una segunda parte que completara el esperadísimo (y demasiado breve) octavo disco de Radiohead, “The King of the Limbs”. En cambio, el quinteto de Oxford se abocó a editar una serie de singles en formato vinilo, con remixes de su última obra, a cargo de un conjunto variopinto de

artistas de la electrónica. Ahora además anunciaron para octubre la salida de un disco doble, intitulado “TKOL RMX 1234567”, que recopila la totalidad de estos trabajos. Por lo pronto, ya han pasado por las bandejas consagrados de la indietrónica como Caribou, Nathan Fake y Four Tet y se espera la futura intervención de la nueva estrella de Warp Records y Flying Lotus. El vol 5., editado este mes, nos trae reconstrucciones a manos de 3 artistas en ascenso: Brokenchord, haciendo una versión

casi dubstep de “Giving up the ghost”; Altrice, con un mix etéreo armado con fragmentos de todo el disco; y Blawan, que transforma “Bloom” en una marchosa y oscura sinfonía percusiva. Una buena: toda la serie se puede escuchar gratuitamente en la web oficial de la banda.

nuevo

Remixes the The King of Limbs Vol. 5 - Radiohead

Nota: Emanuel Sanabria

nuevo Dirty Beaches – Badlands

Hay ciertas bandas que siempre aparecen en cualquier selección de clásicos que se haga, aunque luego resulte difícil seguir el rastro de su influencia. Quizás un emblema de este caso sea Suicide, el duo newyorkino que a fines de los `70 revisitó el rockabilly en clave electro-punk. En este sentido, “Badlands”, el debut de Dirty Beaches, tiene algo de justiciero, al rescatar el legado de una de las figuritas difíciles del post-punk.

Pero eso no es todo, Alex Zhang Hungtai (el único responsable tras bambalinas), desenfunda un puñado de canciones tensas e hipnóticas, sumergidas en una atmósfera de cine border (Lynch, Jarmusch y Tarantino a la cabeza), que poseen la personalidad suficiente para esquivar la simple imitación. Y con esa hoja de ruta, nos invita a hacer un recorrido de media hora, repartido en ocho tracks, por el desierto más árido de todos: el del alma humana.

Nota: Emanuel Sanabria

LOBO

SUELTO

septiembre 2011