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CINQUECENTO EN ITALIA2ª parte
El Cinquecento. Arquitectura (Bramante, Miguel Ángel y Palladio). Escultura (Miguel Ángel). Pintura (Leonardo, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano).
PINTURACINQUECENTTO ITALIA
CARACTERÍSTICAS
• Italia apogeo y esplendor, gracias a la existencia de grandes maestros.
• Búsqueda de los volúmenes en las figuras a base de sombreados
• Estudios de luz de transiciones suaves• Profundidad a la obra sin el excesivo empleo de
la línea.• Perspectiva aérea• Foco principal: – Roma – Venecia: color
ETAPAS
CLASICISMO 1500-1520
ROMA
LEONARDO DA VINCI
RAFAEL SANZIO
MIGUEL ÁNGEL
VENECIA TIZIANO
MANIERISMO (Desde 1520)
ROMA Miguel Ángel
VENECIA
Veronés
Tintoretto
LEONARDO DA VINCI• Nació en Florencia, en el seno de
una familia acomodada. • Comenzó en el taller de VERROCHIO
y participó en su obra El Bautismo de Cristo, pintando uno de los ángeles.
• También trabajó en Milán.
LEONARDO DA VINCI
ESTILO• Le gustaba experimentar con los
materiales.• Rompe con la tradición de la escuela
Florentina del XV para la que todo, incluido el color, estaba sometido a la línea, a la forma.
• Buscará la transición más sutil entre la luz y la sombra.
• Formas pictóricas y más sueltas.• Técnica del sfumatto, difumina las
formas.• Su pintura es una gradación de luces y
sombras a las que subordina el color. • Creó la perspectiva aérea, que tiene
en cuenta la existencia del aire entre los objetos, además cuenta con la bifocalidad de la visión humana.
La Gioconda
Virgen con el niño y Santa Ana
Santa Ana la virgen el niño y el cordero
• Realizó varias versiones sobre el mismo tema
• Concebida para presidir el altar mayor de la iglesia de la Santísima Anunziata de Florencia
• Fondo de paisaje y las tres figuras bíblicas: Santa Ana, la Virgen y el Niño Jesús, que representan 3 edades diferentes.
• El Niño juega con un cordero lleno de connotaciones simbólicas, alusivas al futuro sacrificio de Cristo
• No poseen los tradicionales nimbos sobres sus cabezas
• Composición piramidal.• Fruto de una minuciosa observación, todos
los gestos son muy naturales y aparecen encadenados.
Santa Ana la virgen el niño y el cordero
• Miradas de todas las figuras prácticamente sobre un mismo eje dan sentido a la escena.
• Personajes rasgos físicos y delicadeza típicos de Leonardo: Santa Ana sonrisa leonardesca.
• Profundidad lejanas montañas perspectiva atmosférica: cristalinos tonos azulados observación de los cambios climáticos.
• Color definido por el sfumato funde las figuras con el paisaje envolviendo la escena de un velo vaporoso.
Virgen con el niño y Santa Ana
Dama de Liechtenstein
La virgen de las rocas.
La virgen de las rocas
La ultima cena
Judas Iscariote, Simón Pedro y Juan Tomás, Santiago el Mayor y Felipe
Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés Mateo, Judas Tadeo y Simón Zelote
La ultima cena. detalle
Técnica Última cena
Dama del armiño
RAFAEL SANZIO 1483-1520
• VIDA– Nació en Urbino.– Se formó con Perugino.– Florencia conoció la obra de Leonardo y de Miguel
Ángel.• ESTILO
– Equilibrio– Armonía– fusión perfecta de línea y color– fusión de sentimiento y acción– Fusión de Naturaleza y el ideal– De su producción cabe destacar el retrato, que es
personal e innovador, de gran penetración psicológica.
– La obra de Rafael se caracterizo por la gracia.• Creó un estilo que fue imitado durante ,más de
cuatro siglos y que proporcionó modelos y formas ideales para el arte religioso.
Desposorios de la Virgen
Desposorios de la virgen
Madona del gran duque
Madona del jilguero
Madona del unicornio
Bella jardinera
Estancias Vaticanashttp://es.wikipedia.org/wiki/Estancias_de_Rafael
La disputa del sacramento
La disputa del sacramento
La disputa del sacramento. fragmento
Disputa sacramento. fragmento
Escuela de Atenas
Escuela de Atenas
Escuela de Atenas
La escuela de Atenas
• Composición inspirada en edificios clásicos romanos y en los proyectos de Bramante para la basílica de San Pedro.
• Punto de fuga central: líneas de perspectiva, organiza la estructuración espacial con punto de vista bajo.
• La arquitectura marca la profundidad y ayuda a concretar la composición.
• Perspectiva artificial o geométrica• Alrededor de las figuras de Platón y Aristóteles en varios grupos,
están los filósofos y sabios de la antigüedad, algunos de ellos con rasgos de artistas, humanistas y príncipes de la corte pontificia. – Podemos identificar a Leonardo en Platón– Miguel Ángel como Heráclito (pensativo y escribiendo apoyado en un
bloque de piedra)– Bramante como Arquímedes explica algo, trazando con un compás una
figura– el propio pintor, Rafael.
Platón y Heráclito
Lado izquierdo
Lado derecho
Platón y Aristóteles
Centran la composición.Sus gestos sintetizan el espíritu de sus respectivas doctrinas: Platón, con el Timeo bajo el brazo, con la mano dirigida al cielo (idealismo) expresa el valor de las ideas; Aristóteles, con la Ética en su mano, señalando al suelo (realismo) expresa el valor de la experiencia.
Euclides y Rafael
Incendio del Borgo
Detalles incendio del Borgo
El cardenal
Baltasar Castiglione
Retrato del Papa León X y dos cardenales
Retrato del Papa León X y dos cardenales
MIGUEL ÁNGEL
• Se formó en pintura con Ghirlandaio.• Se consideraba ante todo escultor,
pero en pintura también nos dejó obras tan destacadas como el techo de la Sixtina.
• ESTILO– Refleja su dominio escultórico– Imágenes de gran musculatura, gusto
por el desnudo y la anatomía. – Se relaciona con Leonardo, de quien
tomó la posibilidad de los cuerpos retorcidos, lo cual será dominante en su obra como vemos en la primera pintura que conservamos de él: el Tondo Doni.
TONDO DONI
• Tema: la Sagrada Familia inmerso en un paisaje.• Composición piramidal de cuerpos entrelazados
con fuertes escorzos, destacando el fondo de desnudos, cuyo significado desconocemos.
• La representación del mundo divino y el mundo terrenal tiene un nexo de unión que es la representación de san Juan Bautista niño.
• Las figuras son grandiosas, muy volumétricas, con pliegues muy ampulosos.
• Colores vivos e intensos• Precisión del dibujo (dominio de la línea sobre el
color) propio de la escuela florentina.
Tondo Doni
Tondo Doni
Capilla Sixtina
• Encargo del papa Julio II entre 1508 y 1512.
• Temas principales: escenas del génesis, desde el origen del mundo hasta la historia de Moisés.
• Se trata de un programa iconográfico creado por el propio artista, sin directrices por parte del comitente.
• Son más de 300 figuras, dispuestas en un entramado arquitectónico complejo.
• Sibilas, profetas, ignudi, escenas del Génesis… son personajes heroicos, escultóricos, de colores yuxtapuestos donde el espacio se define por su propio volumen.
• Es el triunfo de lo humano.
Capilla Sixtina
• Simuló diez arcos fajones para dividir la bóveda en nueve tramos atravesados por dos falsas cornisas partición en tres registros.
• 9 nueve historias del Génesis: desde la Separación de la luz y las tinieblas a la Embriaguez de Noé (comenzando sobre la puerta de entrada)
• Para evitar la monotonía, hizo alternar los rectángulos centrales en dos medidas o escalas distintas; los cuatro de menor escala están flanqueados por los sedentes Ignudi, emparentados con los esclavos esculpidos después para la tumba de Julio II. Los Ignudi sostienen diez gigantescos medallones de bronce que representan escenas del Antiguo Testamento y sirven de complemento a las narradas en los paneles principales.
Capilla Sixtina
• Los ignudi representan la concepción renacentista del hombre como medida de todas las cosas.
• Las hojas y bellotas de roble que sostiene un ignudo aluden a la familia Della Rovere, a la que pertenecía el propio papa Julio II, en cuyo escudo de armas aparece el roble. También el árbol del Bien y del Mal en la escena de La caída es un roble.
Capilla Sixtina
• Entre los lunetos sitúa las figuras a mayor escala de los siete Profetas bíblicos y las cinco Sibilas, anticipadoras de la venida de Cristo y nexo de los antepasados de Jesús que incluye en el interior de los tímpanos.
• Cuatro relatos bíblicos se despliegan en las cuatro pechinas de la bóveda, glosando momentos de la lucha de Israel por la libertad, desde David y Goliat o Judit hasta la serpiente de bronce y el castigo de Amán.
ESTILO: • Monumentalidad• Línea sobre el color• Escorzos• Helicoidales• Reúne toda la Historia de la Salvación a través de episodios
significativos del Antiguo Testamento.• completo estudio de la figura humana en anatomía y expresión• variedad y sabiduría compositivas,• dominio de la perspectiva• potencia del dibujo• el encuadre y simulación arquitectónicos de total atrevimiento
que confiere por su especial disposición una especial tensión y dramatismo de lo colosal, que envuelve al espectador y lo incluye en el dinamismo de las fuerzas desencadenadas.
• Es un verdadero y deslumbrante canto al cuerpo desnudo.
Capilla Sixtina
http://www.vatican.va/various/cappelle/sistina_vr/index.html
Capilla Sixtina
Separación de las aguas
Separación de las aguas. Capilla Sixtina
La creación de los astros
La creación de Adán
Capilla Sixtina. Bóveda
Capilla Sixtina
Diluvio escena capilla Sixtina
EL JUICIO FINAL (capilla Sixtina)
Juicio final
EL JUICIO FINAL (capilla Sixtina)
• Encargado por Clemente VII en 1534 y confirmado por Paulo III en 1535, fue comenzado en 1536 y terminado en 1541.
• Pared del fondo de la Capilla hasta el arranque de la bóveda.
• Son unas 400 figuras, concebidas como una composición unitaria, carente de compartimentaciones arquitectónicas y dividiéndola en cuatro registros horizontales de figuras. – Los dos superiores están dedicados al mundo celestial– Los dos inferiores al terrenal y al infierno.– Los lunetos superiores muestran a los ángeles con los
instrumentos de la Pasión.
EL JUICIO FINAL
• En el centro, la figura de Cristo-juez, destacado plástica y visualmente como una figura atlética, vigorosa e iluminada.
• A su derecha, la Virgen y los desnudos apóstoles y patriarcas .
• A sus pies, las figuras de san Lorenzo y san Bartolomé, porque a ellas, además de a la Asunción, se dedicó la Sixtina.
EL JUICIO FINAL
• En un segundo friso, cuerpos desnudos de elegidos que ascienden y réprobos que bajan como suspendidos en un tapiz plano que renuncia a la profundidad.
• En la piel del desollado Bartolomé, un angustiado autorretrato de Miguel Ángel, como queriendo indicar que no era digno de estar en presencia de Cristo.
EL JUICIO FINAL
• En el espacio central del registro inferior se halla el grupo de ángeles tocando las trompetas para despertar a los muertos, mientras dos de ellos sostienen el pequeño Libro de la Vida y el gran Libro de la Muerte, como describe el Apocalipsis.
• Abajo, las tumbas entreabiertas que hacen brotar los cuerpos reencarnados y la laguna Estigia con la barca funeral de Caronte, escena quizás inspirada en La Divina Comedia de Dante (III, 109-111)
• En el centro del registro inferior, y en contraposición al eje en que se halla la figura de Cristo, se representa la boca del Infierno.
JUICIO FINAL
• Estilo:– Movimiento, actitud, escorzo
y agrupación de la figura humana.
– Composición: valora los espacios vacíos y las masas
– Ritmo y un sentido no clásico de la perspectiva.
– Las figuras experimentan un aumento de escala a medida que se hallan en los registros superiores.
– El grupo central tiene una escala mayor que el superior y que los grupos laterales de este mismo registro alteración en función de la jerarquía
• El gesto de Cristo pone en movimiento el conjunto tumultuoso.
• Dramatismo y violencia idea pesimista manierista.
• Figuras retorcidas, poses helicoidales.
• Presencia dominante de Cristo-juez como eje de la composición
• El motivo dominante es el destino de la humanidad.
• Dios juez, desnudo, atlético, sin ninguno de los atributos tradicionales de Cristo, es la imagen de la suprema justicia.
JUICIO FINAL: lunetos superiores: elementos de la pasión (izquierda)
JUICIO FINAL: lunetos superiores: elementos de la pasión (derecha)
Fragmento del juicio final.
Fragmento del juicio final.
PINTURA VENECIANACinquecentto en Italia
La pintura veneciana se caracteriza por la suntuosidad de la luz dorada, el color y la aparición de objetos y elementos (animales) exóticos, debido a las relaciones
comerciales.
Rafael y Tiziano.
Rafael vs Tiziano
GIORGIONE
• VIDA – A caballo entre el Quattrocento
y el Cinquecento.
• ESTILO– composición poco rigurosa de
las fisuras y la luz.– representación de escenas
herméticas, de contenido indescifrable
• OBRAS• La Tempestad
– Refleja el paisaje de tormenta a través del colorido y su reflejo en todas las cosas, provocando el efecto de atmósfera provocado por tonos, sello de la escuela veneciana.
GIORGIONE• Venus Dormida
– Realiza el más espectacular desnudo de su época, partiendo de los desnudos clásicos.
– Es un desnudo fusiforme, de formas perfectas y rostro ovalado, que sienta el prototipo femenino de la pintura veneciana.
– Esta obra fue concluida por TIZIANO quien se encargo del paño y del paisaje.
TIZIANO 1490-1576• VIDA
– Formado por Giovanni Bellini y Giorgione.– La colaboración con éste último hacen que la autoría de algunas obras: Concierto
Campestre sea discutida entre ambos.• ESTILO
– Evolucionará desde el clasicismo más vinculado a Giorgione hasta composiciones grandiosas, repletas de color y gestos diversos.
– cultivó todos los géneros pictóricos, sobre todo:• mitológicos: Venus de Urbino, Dánae, Amor Sacro y Amor Profano,• y retratos, de hecho fue el retratista de Carlos V y Felipe II. Creó el “retrato de aparato” donde
el retratado aparece representado en todo su esplendor y con la máxima dignidad.
– Captó las cualidades tanto de las carnes (desnudez de los cuerpos de formas blandas y redondeadas), como de las telas, los metales; y la luz dorada.
– Sus últimas obras presentan una pincelada más suelta y pastosa.• OBRAS
– Venus de Urbino– Dánae recibiendo la lluvia d oro– Carlos V en Mülhberg– Martirio de San Lorenzo– Bacanal
Venus de Urbino, 1538
Venus de Urbino, 1538
• Realizada durante su estancia en la Corte de Urbino. • La Venus fue adquirida por Guidobaldo della Rovere, el hijo del duque de Urbino,
haciéndose diferentes interpretaciones• Considerada como una alegoría nupcial en clave neoplatónica o sencillamente el
retrato de una conocida cortesana de la ciudad.• Es la primera ocasión en que Tiziano pinta una figura de Venus, mostrándola en un
interior, situada sobre un diván tapizado en rojo cubierto con una sábana blanca. • En primer plano, dirige su mirada al espectador con cierta provocación. • En su mano derecha porta unas flores mientras que con la izquierda cubre su pubis. • Se trataría de una representación real de alguna mujer concreta, de carne y hueso.• Fondo: estancia contigua con una ventana que permite ver el cielo y un árbol. Dos
jóvenes se afanan en buscar ropas en un arcón.• Tiziano dirige un potente foco de luz sobre el cuerpo de Venus, otorgando así mayor
veracidad al conjunto.• La claridad de la carnación y las telas blancas sirven de contraste con la pared sobre
la que se recorta la mitad superior de la joven y con la tela del diván. • El maestro no ha olvidado la preocupación por la perspectiva, perfectamente
creada a través de las baldosas, la columna del fondo y el árbol.
Venus de Urbino, 1538
Dánae 1545-1546
Dánae 1545-1546
• TEMA: Dánae era hija de Acriso, el rey de Argos. El oráculo de Argos había predicho que el hijo de Dánae mataría a su abuelo por lo que Acriso decidió encerrar a su bella hija en una cámara subterránea de bronce. A pesar de sus esfuerzos por esconderla, Zeus se prendó de su belleza y sedujo a la joven en forma de lluvia dorada. De este encuentro nació un niño llamado Perseo, por lo que Acrisio encerró a su hija y nieto en un cofre y lo arrojó al mar. El cofre llegó a la isla de Céfiros donde fue recogido por Dictis, hermano del tirano Polidectes. Tal y como había predicho el oráculo, Perseo mató a su abuelo.
• Se considera que la protagonista sería una cortesana de la que estaría enamorado el cardenal Farnese, quien posiblemente encargaría la obra.
• Dánae aparece reclinada sobre una amplia cama cubierta de almohadones, dirigiendo su mirada hacia la lluvia dorada que observamos en la zona superior de la composición.
• Cupido con su arco y sus flechas acompaña a la joven.
• La iluminación dorada baña la figura, creando un acentuado contraste con el fondo, donde observamos un celaje en el que apreciamos la luz crepuscular.
• La gama de colores empleados muestra una cierta tendencia al la reducción cromática.
• Pinceladas son más rápidas y empastadas.
Dánae recibiendo la lluvia de oro 1553
Dánae recibiendo la lluvia de oro 1553
• Pintada para el rey de España, Felipe II.• Dos personajes conforman la escena.
– Danae: desnuda, tumbada en la cama.– Una anciana, vestida de manera que enseña la espalda, que levanta con las manos
un delantal.• Del cielo llegan unas nubes que, primero se ennegrecen y después se tornan
doradas caen monedas. • Se trata del momento en que la princesa Dánae recibe al divino Zeus, que se
ha transformado en lluvia de oro. • La mujer joven, de palidez nacarada, contrasta con la otra figura y con el
resto del cuadro, con un movimiento hacia el primer término muy intenso, pero sin llegar a aislarse del contexto. Lleva pendientes, una pulsera y un anillo.
• La otra mujer, que lleva un juego de llaves colgando de su cinturón, podría ser la sirvienta de la princesa. Realiza el gesto de recoger las monedas.
• La distribución de las figuras en el espacio nos remite a una composición ordenada de aspecto piramidal, pero la actitud de los personajes y sus acciones se ven reforzadas por la fuerza del punto de atracción que es la nube, lo que crea profundidad y movimiento.
Dánae recibiendo la lluvia de oro 1553
Carlos V en Mülhberg
Carlos V en Mülhberg 1548
• Retrato de aparato y propaganda: Carlos I de España y V de Alemania.
• Retrato de Carlos V antes de la victoria de Mühlberg contra los príncipes protestantes
• El emperador aparece con un aura casi sagrada, en su gesto determinado, impertérrito y ajeno a la fatiga.
• Carlos V detiene su caballo frente al río Elba, tras el cual los protestantes se han hecho fuertes.
• Representa una anochecer, con luz crepuscular, my efectista.• Compleja elaboración iconográfica.• Colorido tizianesco: los rojos y ocres de la tela son inimitables. • Inaugura un género que alcanza su esplendor en el Barroco: el
retrato real a caballo.• La armadura que viste el monarca es una valiosísima pieza labrada
en oro y plata que se conserva en la Real Armería de Madrid.
Amor Sagrado y Amor Profano
Amor Sagrado y Amor Profano
• Con motivo de la boda entre el canciller ducal Nicolo Aurelio -cuyo blasón aparece en el sarcófago- y Laura Bagarotto en la primavera de 1514.
• Tiziano nos presenta a dos mujeres sentadas al borde de una fuente mientras Cupido remueve las aguas que contiene dicha fuente. – La mujer de la derecha aparece vestida con sus mejores galas mientras que la de la izquierda se
presenta desnuda. – La vestida lleva en sus manos una vasija de oro y un ramillete de rosas mientras que su compañera
sostiene en su mano izquierda una lámpara de aceite encendida.• Las figuras se ubican ante un fondo de paisaje.• El tema que nos propone Tiziano estaría relacionado con el neoplatonismo, una reflexión
sobre la doble naturaleza de Venus, la celeste y la vulgar, no una oposición entre el bien y el mal como se plantea en el título.
• Simbolizan diferentes grados de perfección y belleza, las dos son nobles y dignas y entre ellas reina la armonía, razón por la que Cupido remueve el agua de la fuente para homogeneizar los dos amores.
• Vinculación con el mundo antiguo y con la filosofía de su tiempo.• Luces y colores se van adueñando paulatinamente de la composición, convirtiéndose en
los verdaderos protagonistas del conjunto. • Detallismo de las telas• Tonalidades brillantes como el rojo del manto de la Venus Celeste o las mangas del vestido
de la Terrena.
Amor Sagrado y Amor Profano
Amor Sagrado y Amor Profano
La Bacanal
La Bacanal 1525
• Regalado a Felipe IV por Nicolás Ludovisi.• La tela es la última de una magnífica serie ejecutada
para Alfonso d'Este, Duque de Ferrara; otro lienzo de la serie.
• Reproduce un cuadro visto en Nápoles por el sofista Filostrato en el siglo II, pieza que representaba a los habitantes de la isla griega de Andros regocijándose en el río de vino creado por Dionisio.
• Tiziano se aprovechó al máximo de esta oportunidad tan espléndida de emular el pasado y las calidades del mítico pintor griego Apeles (naturalismo y colorido).
La Bacanal
