CINQUECENTO.(S. XVI) Introducción

• Sólo duró la primera mitad del siglo ya que en las últimas décadas se aprecia la crisis de la cultura humanista y el inicio del MANIERISMO.

• Crisis y decadencia de las repúblicas italianas y apogeo de las monarquías autoritarias (Francia,España…) y de Roma (El papado casi una corte de emperadores y un foco artístico con Julio II, León X, Clemente VII… que atrajo a los principales artistas). Reafirmación del papado y su poder.

CINQUECENTO.Introducción• Periodo de madurez creadora: se perfeccionan los

logros de la etapa anterior:– Antropocentrismo.

– Carácter científico: investigación de la obra de arte (Leonardo)

– Se concilia la antigüedad y la herencia cristiana: arte solemne, eclesiástico, en nada mundano.

Los artistas se independizan del mecenas y adquieren mayor libertad para interpretar los temas. Nace la figura del genio individual, disputado en los encargos.

ARQUITECTURA: BRAMANTE (1444-1515)

• Las principales características de Bramante:

-Síntesis de Alberti (medida, forma pura en un universo matemático) y Brunellechi (perspectiva, centralidad, unidad del espacio, elementos clásicos, claridad en la concepción del espacio).

-Valor escultórico del edificio. Simplicidad.

-Escasa decoración . Arquitectura como orden, medida, proporción y masa.

ARQUITECTURA DEL CINQUECENTTO. BRAMANTE

• TEMPLETE DE SAN PEDRO IN MONTORIO .Mármol• - Lugar donde San Pedro fue crucificado(por eso es

circular como los martyria). Perfecto : une lo terrenal (la columna vertical ) y lo celeste (la cúpula circular).

• -Está concebido para ser visto desde el exterior. • -Su planta es circular, centralizada con pilastras

adosadas a la pared. • -Rodeado por un peristilo de 16 columnas de orden

toscano que se alzan sobre una base escalonada

como los modelos clásicos. Entablamento (arquitrabe, friso con triglifos y metopas que narran el martirio y una cornisa), encima una balaustrada circular que rodea el tambor de la cúpula con nichos y ventanas ciegas. Rematado con una cúpula y la linterna.

Templete de San Pedro in Montorio• Carácter unitario. Proporción, armonía. Sin decoraciones superfluas.

• Simetría en todos sus ejes. Radios de la esfera hacia la columna. Equilibrio entre lo vertical y lo horizontal

• Proporción : módulo a partir de la columna.

• Ritmo: columna/ventana (masa/vacío).

• Ritmo circular (columna redonda, capilla redonda, balaustrada y cúpula… como anillos concéntricos)

• Simbolismo: representa la iglesia fundada por Pedro (centro y sostén del espacio y del mundo). Por eso se considera el modelo de edificio sagrado (similar al Panteón pero aplicado al cristianismo: síntesis de la historia antigua y de la ideología cristiana)

BASÍLICA DEL VATICANO (Proyecto de Bramante)

Cruz griega inscrita en un cuadrado y una cúpula central sobre enormes pilares y tambor en forma de anillo de columnas. Cuatro cúpulas menores y cuatro torres. Une geometría, órdenes clásicos y simbolismo (cúpula del Panteón) .Este proyecto inicial fue modificado por varios arquitectos : Rafael (une el espacio centralizado y un cuerpo basilical). Sangallo (planta centralizada pero con un cuerpo previo) y Miguel Ángel vuelve al plan de cruz griega dejando una sola entrada y con una cúpula mayor contrarrestada por 4 menores (como Santa Sofía).

Proyectos para la iglesia del Vaticano (Bramante y Miguel Ángel)

En el periodo barraco se incorpora el proyecto de Maderna : nuevo acceso.

CÚPULA DEL VATICANO (Miguel Ángel)

CÚPULA CIRCULAR : Soporte doble: pilastras y columnas que se repite en el tambor y la linterna de la cúpula. Alternancia de frontones curvos y triangulares. Utiliza en el exterior el orden gigante. Dos tambores (con nichos y con guirnaldas). Manierismo por su concepción ovalada y el orden gigante de las columnas.

Miguel Ángel. Escalera de la Biblioteca Laurenciana

(Florencia)

Miguel Ángel inicia un camino hacia el manierismo: originalidad, orden gigante, imaginación, efectos ópticos (apariencia más amplia), libertad para disponer los elementos clásicos.

Miguel Ángel.Plaza del Capidoglio

Introduce el óvalo y la elipse , en principio figuras imperfectas que no tienen una única centralidad.

Andrea Palladio. Villa RotondaNuevo lenguaje arquitectónico: el manierismo. Libertad e imaginación a la hora de incorporar los elementos clásicos. Orden gigante.En este caso reinterpreta la arquitectura clásica del templo romano.Planta con sala circular cubierta con cúpula inscrita en una planta cuadrada donde se encuentran las habitaciones.

Cuatro pórticos con escaleras (igual al templo romano) hexástilo y con columnas jónicas. Sobre un podium para la contemplación del paisaje desde la planta noble.Remate con estatuas religiosas.Iluminación: óculo en el centro de la cúpula y la luz de los cuatro corredores con ventanas.Sótano con cocina y administración. Simplicidad y simetría.Adaptación de las formas romanas pero rompiendo la simetría axial en favor de la central.Influencia posterior: neoclasicismo y mansiones del S. de EEUU

Manierismo. Vignola. Iglesia jesuítica del Gesú.

Alberga el sepulcro de San IgnacioPlan de cruz latina con solo una nave y cubierta con bóveda de cañón y lunetos.Capillas laterales (cultos a los santos) entre los contrafuertes, en penumbra. Cúpula en el crucero y altar en el ábside (zona en penumbra)Iluminación con ventanas en los lunetos.

Austeridad en la fachada aunque más ornamentada que las de Alberti: volutas que ensanchan el cuerpo superior. El cuerpo superior de mayor dimensión crea una tensión que rompe con el equilibrio renacentista.

Arquitectura renacentista en España• Tres corrientes arquitectónicas:

1.- Plateresco (s.XV)- Elementos decorativos que recuerdan el trabajo de los orfebres y enmascaran los elementos arquitectónicos- Persistencia del gótico (arco carpanel, cubiertas con bóvedas ojivales)

2.- Purismo o clasicismo(2º tercio del s.XVI)

Izquierda: Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada. Autor : Pedro Machuca

Derecha: catedral de Granada. Autor: Diego de Siloé

3.- Estilo herreriano (último tercio del s. XVI) • Austeridad propia de la iglesia de la Contrarreforma

(promovida por el Concilio de Trento). Introducido por Juan de Herrera. Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

ACTIVIDADES• Sobre la planta de El Escorial, pon los números

correspondientes a las partes del edificio.• 1.- Fachada principal

• 2- Patio de los reyes

• 3.- Iglesia (debajo el Panteón de los Reyes)

• 4.- Estancias privadas de Felipe II

• 5.- Claustro de los Evangelistas

• 6.- Monasterio

• 7.- Palacio público para la Corte

• 8.- Dependencias del Seminario y Colegio Universitario

ESCULTURA DEL CINQUECENTOMIGUEL ÁNGEL

• Parte de una vivencia religiosa atormentada : búsqueda interior de Dios, de la salvación a través de la conciencia de cada uno. La relación con Dios como tragedia, tensión moral.

• Temperamento soberbio y asocial que aparece en su arte: LA TERRIBILITAT

• Autodidacta, polifacético. Busca la libertad como artista y la inspiración interior. Rechaza la autoridad de lo clásico, las normas.

• Plasma su idea de la naturaleza, no su aspecto (neoplatonismo).

• Se consideró ante todo escultor: liberar del bloque lo sobrante para que la figura que encierra se libere y aflore.

• Muchas obras inacabada, en un deliberado “no finito”.

• Sentimiento moral en su obra. Repite el acto divino de la creación (considerado un genio)

•

Figuras con un movimiento atormentado, interior, causado por el espíritu.

Figuras monumentales, anatomía poderosa (fuerza física) y fuerza interior.

La proporción externa interesa menos que el hecho de captar la profundidad. Mensaje espiritual y psicológico más que científico.

Lecturas recomendadas “El terrible florentino” (Pilar Molina Llorente) Edit. NOGUER“Miguel Ángel, una vida inquieta” (Antonio Forcellino) Alianza Editorial

Miguel Ángel • Muchas obras son reflejo de

su propia personalidad:1. Rostros como el de El Moisés

muestran su fiereza y soberbia personalidad.

2. El Todopoderoso representado en el Juicio Final muestra su ilimitada y airada fuerza creadora.

3. Los esclavos muestran el sufrimiento, la inquietud y melancolía, el ansia de liberación del alma respecto a lo terrenal.

Miguel Ángel– La formación del artista se realizo en Florencia, en los tiempos

exaltados de Savonarola que predicaba el fuego de la Edad Media, y la corte humanista de los Médicis . Acaso el propio Savonarola le inspiraba su ardiente pasión y Lorenzo de Médicis le indujo a sumergirse en los tiempos clásicos.

Características de su obra que anuncian el manierismo

– Tensión frente al equilibrio clásico

– Volumetría frente a la ligereza y la fragilidad

– Expresividad frente al idealismo

– Inquietud y sorpresa frente al orden, la mesura y la proporción.

– Arte como resultado de una experiencia espiritual personal más que una ciencia

ESCULTURA. MIGUEL ÁNGELEn estas primeras obras se aprecia aún la armonía renacentista y la influencia del periodo helenístico griego. Pero, el equilibrio se rompe es este Baco en aras de un equilibrio tambaleante.Supera el problema de enlazar un miembro con otro y éstos con el resto del cuerpoOscilación entre el placer y la melancolía propia de la condición humana.Técnica del stracciato (Donatello), pero no para

crear la perspectiva sino para liberar la figura del bloque. Monumentalidad de la figura en un espacio pequeño (Tensión).

ESCULTURA DEL RENACIMIENTO Miguel Ángel .La piedad del Vaticano

• Sentimiento moral, sufrimiento, tristeza contenida en el rostro de la Virgen y aceptación del hecho. Su mano expresa “mirad si hay algo comparable a este dolor”

• Estructura piramidal (enmarcada en un triángulo), con una composición cerrada y simétrica; descompuesto este equilibrio por una línea oblicua que forma la imagen de Cristo.

• Virtuosismo en el acabado de la obra (pliegues).

• El martirio no ha destrozado la belleza de Cristo (como un Apolo dormido), lo que muestra una humanidad superior.

Pietat del VaticanoEn el paño aparece su firma, cuando sólo tenía 25 años.Nunca realizó una obra con tal virtuosismo ya que consideró que este camino no conducía a ninguna parte.Complementariedad en la posición de la cabeza (hacia delante, hacia atrás).

MIGUEL ÁNGEL. El David (un bloque de 5 m de altura)• -Tensión frente al equilibrio

clásico. Volumetría, expresividad . Inquietud . Fuerza física (vigor en los tendones, músculos, venas….) y fuerza interior (fuerza espiritual). Contraste entre la regla clásica y lo arbitrario (desproporción en las manos y brazos).

Sintetiza los ensayos de toda la escultura renacentista: posición clásica, tensión interior que precede a la acción (pathos ). Tensión en el ceño fruncido, los ojos con rabia contenida, la torsión de las muñecas y las manos .Heroicidad del mundo romano.

MIGUEL ÁNGEL. Los esclavos. Moisés. Proyectos para la tumba de Julio II

Su indumentaria parece más una tela petrificada que una piedra modelada.

En él se funde lo heroico de la antigüedad con lo espiritual de cristianismo. Anatomía poderosa a pesar de la edad. Orden gigante en sus dimensiones.

Fiereza y energía en potencia (la ira aún contenida). Lleva las tablas de la ley (la justicia divina) y los cuernos de la sabiduría. Energía en toda la figura, no comprimida en un detalle.

ESCLAVOS (para la inacabada tumba de Julio II)- Composición cerrada.- Torsión de la cabeza acentuada.- Curvatura.- Anuncia la posición de las figura de forma serpentinata (en espiral).- Hombres de carne y hueso que luchan contra el destino.- Inacabados.- Sin canon proporcional.- La piedra devastada sin hacer un

diseño previo de la escultura completa: permite hacer cambios sobre la marcha porque no fija la postura de la figura desde el principio.

- -La figura emerge de la piedra, se va liberando de la materia.

MIGUEL ÁNGEL. Los esclavos. Moisés. Proyectos para la tumba de Julio II

Influencia del Laocoonte, hallado en 1506. Actitudes forzadas, sufrimiento, inquietud y melancolía. Simbolizan el esfuerzo del alma por liberarse de las pasiones y de la materia. A la derecha: moribundo ya liberado y con una posición que remite al Laocoonte.

MIGUEL ÁNGEL. Tumbas de Lorenzo y Juliano de Médicis

Reflexión sobre la muerte y la gloria: crepúsculo y aurora; noche y día. La muerte representada en forma de tiempo que todo lo consume y sólo la fama y la gloria quedan en la memoria de los hombres para la posteridad. Figuras sobre una curva como dioses fluviales helenísticos. Equilibrio inestable, desproporción en los cuerpos (manierismo).

Lorenzo. Actitud pensativa

Juliano.Actitud activa

La melancolía de los rostros es el reflejo de las derrotas que sufre Florencia (luchas internas , intervención de Francia…), del cansancio del escultor enfermo, deprimido, de 60 años. Contraste entre zonas inacabadas y otras perfectamente pulidas. Otra interpretación: carácter cíclico del tiempo (nacimiento y fin)

Pietat

Composición piramidal pero de silueta mucho más peraltada y oval ; zigzag (manierista) en la postura del Cristo muerto, sostenido por el José de Arimatea en que se cree reconocer su autorretrato.Efecto de caída, de movimiento hacia el suelo que desequilibra al composición .

Pietat Rondanini. Diseñada para su tumba y realizada pocos días antes de morir. El tema de la Pietat no como una lamentación sino como una presentación al mundo para que los hombres se avergüencen de su culpa ante el cuerpo muerto de Cristo. Esquematismo, trazos apuntados, ,expresión (más que forma), posición imposible, inestable alejada de los valores clásicos.

COMENTARIO DE UNA ESCULTURA1.- Autor. Obra. Estilo. Época

2.- Material

3.- Técnica (talla, modelado, fundición)

4.- Tema

5.- Composición

6.- Proporcionalidad

7.- Movimiento

8.- Expresión

PINTURA DE CINQUECENTO. LEONARDO DA VINCI

• Artista polifacético. Escribió un tratado sobre pintura (para él sería una poesía que no se puede oír y que perdura) aunque se consideraba más un hombre práctico que un pintor. Ha dejado pocas pinturas. Hizo proyectos de ingeniería, diseños artísticos, trabajos científicos, bailes, disfraces

• Único artista que no cree en el retorno a lo clásico.

• Leonardo representa el ideal de hombre humanista y sabio; tuvo una vida artística errante.

• Nació en Vinci, pueblo muy cercano a Florencia y en esta ciudad se educó. Empezó sus estudios de Bellas Artes en el taller de Verroquio y ya en 1482 se presentó al mecenas de Milán. Con él estuvo hasta el año 1499 cuando Milán fue conquistada por los franceses. De allí volvió a Florencia y después a Roma donde coincidió con Rafael y Miguel Ángel.

• Por último, en 1515 Francisco I de Francia lo llamó a Fontainebleau y allí trabaja hasta el 1519 cuando muere. Este sería pues su último mecenas.

• Estudia la naturaleza pero no para imitarla sino para comprenderla: la luz es un fenómeno fugaz y cambiante. Estudia de la luz tal como la ven nuestros ojos al reflejarse en los objetos (experiencia visual). Descubre la PERSPECTIVA AÉREA: captar la densidad y el color de la atmósfera que se interpone entre las figuras y hace que pierdan los contornos en la distancia . Para ello utilizó la técnica del sfumato o difuminado: la luz y las sombras difuminan los contornos y funden las figuras con la atmósfera. Se diluyen los contornos para integrar a la figura en el paisaje . Utiliza blancos y grises para difuminar el resto de los colores y lograr así aspectos expresivos sutiles, por ejemplo su risa leonardesca, lo que da a la figura sensación de vida, de poesía, de misterio.

Leonardo. Anunciación.Óleo sobre tabla

En sus comienzos se halla influido por los círculos neoplatónicos de Florencia.Fondos con una atmósfera húmeda y densa (azul lejano) que muestra la experiencia visual del ojo al observar la luz. Colores negros y blancos , claroscuros.La naturaleza como motivo de observación científica (botánica).

PINTURA DE CINQUECENTO. LEONARDO DA VINCI• Las figuras en un espacio central .• El espacio no se construye geométricamente sino con la densidad y el

color de la atmósfera (perspectiva aérea) que difumina los contornos (sfumato)y funde las formas uniendo naturaleza y figuras de modo íntimo. Fondos vagos e irreales, con una especie de neblina que lo difumina todo. El contorno de la Virgen no se ve, se mezcla con el paisaje.

• El cuadro refleja sus facetas como erudito: óptica, anatomía, botánica (flores), geología (la caverna)…

• En el dibujo consigue una composición muy clásica, tanto que a partir de ahora el esquema triangular va a ponerse de moda en el Renacimiento: Una pirámide o triángulo con la Virgen como ángulo superior. Una composición que refleja un mundo muy ordenado.

• El triángulo recibe la iluminación principal desde arriba y desde el fondo. María como una cúpula central (Bramante) desde donde desciende la luz.

• Las figuras están en reposo pero ciertos gestos le dan movimiento a la escena: las manos señalando cosas , una conversación de gestos;es este suave movimiento es el que caracteriza a la elegancia clásica, un dinamismo armónico que está entre el estatismo y el movimiento .

• Ambigüedad en el tema y en la relación psicológica de los personajes. Implica al espectador con la mirada andrógina del ángel. Las cabeza

forman una cruz (¿martirio futuro?)La Virgen de las rocas

Leonardo. La bella FerronièreInterés mayor por el contenido y el hallazgo de la perspectiva aérea que por las cuestiones técnicas (masa, peso, volumen…) que ya fueron resueltas por pintores anteriores.

El dibujo pierde importancia y maneja de forma perfecta el color: el blanco y el negro permite captar la luz o la ausencia de la misma. Luz y sombra para acercar o alejar los objetos. Colores sobrios que unifican y armonizan la escena.Composición triangular.Figuras que ocupan gran parte del cuadro, con rostros enigmáticos.Contenido moral de los clásicos: belleza física y espiritual, dignidad.Desaparece el fondo: el hombre como centro

LEONARDO DA VINCI. La Gioconda• Para él, la atmósfera no es totalmente transparente sino que tiene

una densidad y un color. Por tanto, en su pintura la luz es la fusión del negro y el blanco, no una gradación de tonos.

• Gracias al sfumato se capta la tercera dimensión de la figura, su volumen.

• Los colores cálidos de la piel nos acercan la figura .• La luz progresa desde el fondo y desde arriba• El paisaje de fondo es neblinoso, azulado (lejanía) y manifiesta los

fenómenos particulares de la naturaleza: en su estado sólido (la montaña), líquido (el riachuelo) y gaseoso (la atmósfera).

• La línea del horizonte no coincide en las dos partes de la figura lo que introduce el enigma en el cuadro al igual que la sonrisa de la mujer que desaparece al mirarla directamente .

• La mirada parece detenida, no deja de observar al espectador. Su sonrisa cambia, debido a las sombras que rodean la comisura de los labios, parece mostrar expresiones diferentes, es fugaz, tal como percibe el ojo humano la naturaleza.

• Expresa la existencia humana en equilibrio con la naturaleza.

Es el retrato de una mujer real: Mona Lisa, tercera esposa de Giocondo de Florencia. Cuando la pintó tenía treinta años.Sólo alguien que siente como una mujer pudo convertir toda la esencia de lo femenino en una sonrisa. Leonardo supo captar la esencia de la psicología del eterno femenino. Es una sonrisa ambigua que rebosa felicidad como si degustara con una cierta maldad interior todo lo que había conseguido, es decir, casarse con una de las personas más ricas y ser admirada en toda Florencia. Leonardo no buscaba sólo el parecido sino conseguir que el retrato siga viviendofuera de su original, captando su psicología y su esencia interior.

Leonardo da Vinci. San Juan Bautista

• En sus temas gusta de lo sugestivo, sin buscar prototipos, lo que hace que en ocasiones sus cuadros se vean envueltos en una ola de misterio, de gestos enigmáticos…

Leonardo .La Cena (fresco)• Leonardo eligió el

momento de la acusación a Judas y la reacción psicología de las figuras reunidas en grupos de tres, conversando . Cristo solo , en medio, aislado, con un gesto absoluto

• Cada apóstol tiene una reacción ante las palabras de Cristo y en grupos de tres se hacen preguntas y se intentan responder.

• Une la perspectiva lineal y la aérea (luz y sombra)

Fue un encargo del mecenas de Milán (los Sforza) para el Refectorio del Convento de Santa María de las Gracias. El cuadro está muy mal conservado por las guerras y la técnica (óleo sobre estuco). El color casi no se conserva.

Figuras monumentales, solemnes, en una unidad que rodea a Cristo.

LA CENA• PERSPECTIVA: las líneas de fuga confluyen en la figura de

Cristo, el cual está en el centro de la mesa en forma de triángulo con las manos extendidas lo que le da sensación de reposo. Al fondo las tres ventanas dejan ver un paisaje que aumenta el espacio.

• Del color no se puede decir casi nada porque no se conserva, únicamente percibimos la armonía de los tonos.

• Cada rostro es perfectamente distinto a los demás reflejando la psicología de cada apóstol y esto lo consiguió retratando a diferentes personajes de la calles, vagabundos y pordioseros. Se preocupó por la individualización y la captación de la personalidad de todos sus personajes.

Leonardo. Santa Ana, la Virgen y el Niño

• Entre los personajes aparece una interrelación psicológica y gestual

• La composición es triangular, aunque el tema central (el Niño con el cordero de la Pasión) se halla en el lateral.

• Pinceladas ligeras que crean un efecto evanescente.

RAFAEL SANZIO (1483-1520)• Fue el más joven de los tres grandes genios del s. XVI

(Leonardo, Miguel Ángel son ya mayores cuando Rafael pinta en Roma para el Papa Julio II) que murió a los 33 años.

RECORDAR las influencias:

Miguel Ángel muestra en su obra la idea. Grandeza de las figuras.

Leonardo muestra en su obra la experiencia. Formas delicadas, sfumato, composición triangular, belleza serena, sin tensión.

Rafael sería la síntesis de ambos (idea y experiencia). No investiga sino que demuestra las verdades de la fe. La revelación es algo evidente, natural, racional y los dogmas religiosos son leyes universales.

Rafael Sanzio (1483-1520)• Fue el pintor oficial de la Iglesia que intenta

renovar la grandeza de la antigua Roma con los papas Julio II y LeónX.

• Representa la máxima expresión del ideal humanista: verdades religiosas como racionales, formas simplificadas, sencillas, claras, mesuradas, sobrias, contenidas y solemnes. Capta lo que no es momentáneo, sino lo universal. . No se deja llevar por los sentidos (como Leonardo) sino por la razón.

RAFAEL Los desposorios de la Virgen

. En la composición une lo longitudinal y lo central (La iglesia en el centro, como símbolo).

. El edificio del fondo marca el punto del que parten las líneas de las cabezas de los personajes que a su vez, coinciden con los intercolumnios del edificio (lleno/vacío). Curva del suelo hacia el espectador y curva en el templo. El suelo marca la perspectiva geométrica.

. Figuras monumentales.

. Luz nítida en el cuadro, difundida de forma circular.

. Mensaje: mostrar una evidencia, las verdades de la teología son evidentes. El arte debe repetir el acto divino de la revelación (no de la creación como Miguel Ángel)

Madonna del gran duque• Sigue la influencia de Leonardo pero

con horizontes y figuras definidas en sus contornos (sin sfumato).

• La luz es clara, el claroscuro relaciona la figura y el espacio al precisar los volúmenes de la figura y los pliegues.

• Proporción y equilibrio. La alteración de cualquier detalle rompería la armonía del conjunto. Consigue el ideal humano de equilibrio perfecto.

• Sus figuras no pierden la calma, son grandiosas, firmes, tiernas, ideales, llenas de poder y dignidad.

Rafael. La Virgen del Jilguero. Personajes sin enigmas ni conflictos psíquicos ni morales.. Concilia belleza y bondad; belleza física y fuerza espiritual; ética y estética.. Perfección en el dibujo.. Luminosidad diáfana.. Utiliza sobre todo pigmentos claros.. Equilibrio, simetría en los ejes, claridad expositiva . . Volúmenes (Miguel Ángel) en escorzo (rodilla). Fondo transparente, azulado pero con una línea horizontal que divide el cuadro en dos. . Extrae lo bello de la realidad mediante un proceso selectivo.. Nada forzado ni artificioso, como si no pudiera ser de otro modo, como verdades eternas (como los dogmas cristianos).

ESTANCIAS DE LA SIGNATURA (Vaticano). RAFAEL

Armonía entre la Antigüedad y el mundo moderno ; entre el paganismo y el cristianismo.

No hay paisaje (creación de Dios) sino arquitectura que representa la construcción del pensamiento humano. Las figuras son monumentales, a escala con la arquitectura. Cada personaje se halla individualizado, con un movimiento propio. La luz es diáfana. Arquitectura similar al proyecto de Bramante para el Vaticano

No hay paisaje (creación de Dios) sino arquitectura que representa la construcción del pensamiento humano. Luz por las aberturas , diáfana, con claroscuros que modelan las figuras.Si Miguel Ángel contraía el espacio para acrecentar las figuras, Rafael engrande las figuras proporcionalmente al espacio y reduce la tensión que provoca la pintura de Miguel Ángel.

1: Zenón de Citio o Zenón de Elea – 2: Epicuro – 3: Federico II Gonzaga – 4: Boecio o Anaximandro o Empédocles – 5: Averroes – 6: Pitágoras – 7: Alcibíades o Alejandro Magno – 8: Antístenes o Jenofonte – 9: Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere) – 10: Esquines o Jenofonte – 11: Parménides – 12: Sócrates – 13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel) – 14: Platón sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci) – 15: Aristóteles sosteniendo la Ética – 16: Diógenes de Sinope – 17: Plotino? – 18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante) – 19: Estrabón o Zoroastro? – 20: Claudio Ptolomeo – R: Rafael como Apeles – 21: El Sodoma como Protógenes.

• Muestra a Platón (las ideas) y Aristóteles (la experiencia) en su centro.

• En el fresco predomina el dibujo y la armonía de colores, fríos (trasmiten serenidad y valores racionales) y los cálidos (valores emocionales).

• Los artistas del Renacimiento asimilados a sabios de la antigüedad: dignifica al artista como intelectual, no artesano.

Detalle de la Escuela de Atenas y de Las Virtudes

Rafael. El Parnaso

Miguel Ángel. Tondo Doni

Contornos escultóricos.

Colores puros, graduados para crear volúmenes

Ritmo espiral, ascendente.

Unión de lo pagano (en el fondo) y lo divino (Sagrada Familia)

CAPILLA SIXTINA• En ella trabajó solo, sin de ayudantes y sin permitir el acceso durante su labor.

• Julio II había pensado en una serie de doce Apóstoles como temática de la bóveda pero fue cambiada para representar temas del Antiguo Testamento junto a una serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo.

• En los lunetos sobre las ventanas y en los triángulos por encima de éstos se situarían los antepasados de Cristo mientras en las pechinas de la bóveda se narrarían cuatro historias de la salvación del pueblo de Israel.

• La bóveda fue dividida en nueve compartimentos que narrando una escena bíblica cada uno, alternando grandes espacios con otros más menudos que se acompañan de ignudis, jóvenes desnudos en sintonía con la estatuaria clásica. La Creación de la Luz, la Creación de las plantas y los astros, la Creación del mundo, la Creación de Adán, la Creación de Eva, el Pecado Original y la Expulsión del Paraíso, el Sacrificio de Noé, el Diluvio Universal y la Embriaguez de Noé son las diferentes escenas que van de pared a pared de la bóveda, distribuidos en una decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida.

• El altar mayor más tarde sería decorado con el Juicio Final.

CAPILLA SIXTINA

Existe una deliberada fusión de arquitectura (dibuja los nervios de la bóveda) , pintura y escultura (modelado). Características manieristas: sin unidad (cada zona tiene sus propias proporciones). Tensión: figuras comprimidas en la arquitectura. Engaño óptico: simula espacios.Jamás se había representado el Antiguo Testamento de esta forma (no copia de la iconografía tradicional)Solo el hombre, sin casi naturaleza. Sólo la idea del hombre, el espíritu, no en comunión con la naturaleza.

La luz de cada figura coincide con la tensión y el ímpetu de los gestos. Volúmenes netos, en relieve (casi esculturas). Vigor y energía en las figuras.

No mezcla pigmentos. Las sombras tienen un color propio.

Pinceladas rápidas, casi esbozos pero que captan la expresión.

La profundidad la marca el volumen de la propia figura.

Los colores son puros, la luminosidad emana de las propias figuras: la luz en cada figura es una envoltura espacial propia, lo que contribuye a individualizarlas y aislarlas

Al igual que en el relieve, la forma de las figuras viene dada por los contornos más que por el ligero claroscuro.Imágenes espiritualizadas, insensibles a la luz o al aire, concentradas en su propio interior, preocupados.Capta el momento previo, la concentración (recordar la escultura de El David)

Las figuras parecen modeladas, con volúmenes netos, gigantes, cargados

de vigor y energía.

Las figuras colocadas de forma que adolecen de falta de espacio, creando una sensación de angustia, de dramatismo que rompe con el equilibrio del clasicismo. Las Sibilas y los profetas anuncian el destino trágico de la humanidad.

EL JUICIO FINAL• Inspirado en el infierno de la

Divina Comedia (Dante)• El espacio queda ordenado por

el movimiento de las figuras, no en registros geométricos

• Toda una humanidad desesperada que se enfrenta al drama del Juicio Final.

• Figuras en torbellino, en movimiento, movidas por el espíritu, sin esfuerzo físico.

Las figuras no son clasificables o definibles fácilmente por sus atributos. Solo los santos

aparecen junto a referencias del martirio.

Quiso representar la grandeza de Dios, su generosidad, pero también su terribilitá (una figura vigorosa, desproporcionada, casi propia de un Júpiter o un Hércules)

Detalle del Juicio Final

• La humanidad que Miguel Ángel representó no es humilde, sino gigantesca y heroica; él ve a el hombre como un espíritu independiente y capaz de desafiar a Dios